Luigi Ghirri. El mapa y el territorio

Luigi Ghirri

El mapa y el territorio

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Luigi Ghirri

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El mapa y el territorio

FotografĂ­as de la dĂŠcada de 1970

Edición a cargo de

James Lingwood

Luigi Ghirri

Organizador

Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía Colaboradores

Museum Folkwang Jeu de Paume Editor

MACK

El mapa y el territorio

Lo que escondía el paisaje de Módena Antes incluso de dedicarse profesionalmente a la fotografía, la inquietud artística ya había clavado su aguijón a Luigi Ghirri mientras contemplaba los estilizados y evocadores paisajes de Módena. En plena ebullición del arte povera, en la década de los años setenta, se integra en los círculos de la experimentación e indagación paisajística de la provincia mode­ nesa, junto a los fotógrafos más inspiradores del momento. Nunca desde aquel momento perdió el rumbo que debía guiar su carrera; en sus propias palabras, se relacionaba con el mundo exterior a través de la fotografía, “con la convic­ ción de no encontrar nunca una solución a las preguntas, sino con la intención de continuar preguntando”. Tal actitud me recuerda al verso de Jaime Gil de Biedma: “Casi me alegra saber que ningún camino pudo escaparse nunca”. Luigi Ghirri es, sin duda, uno de los pio­ neros de esa fotografía que trata de trascender su propia historia para entrar en contacto con las reflexiones que se abrían en el ámbito más general de la cultura de la imagen. Desde Walter Benjamin, la obra de arte había entrado en un debate acerca de su reproductibilidad técnica: de la misma manera que la pintura se vio obligada a replantearse su sentido a raíz de la invención de la fotografía, esta se vio empujada, en las últimas décadas del siglo XX, a buscar nuevos espacios teóricos en los que desarrollarse y convertirse en herramienta especulativa: este es el sentido profundo que subyace a la exposición Luigi Ghirri. El mapa y el territorio. La apuesta decidida del “fotógrafo intelec­ tual” –aunque el propio Ghirri no parecía muy conforme con esta etiqueta– por el trabajo en color en un momento en que este era minorita­ rio se une a un interés especulativo, forjado en sus vínculos con el ámbito del arte conceptual y su extraordinario desarrollo en la Italia de la segunda mitad del pasado siglo. Modena 1970

Su proyecto trasciende así la mera creación de secuencias fotográficas en busca de un relato o el retrato del instante preciso, más propia de una cierta tradición fotoperiodística; al contra­ rio, para Ghirri la fotografía fue una forma de pensamiento, un instrumento de indagación en la realidad, una técnica que le permitía realizar catas de profundidad en todo aquello que, por inmediato, parecía pasar más desapercibido. No en vano, una sentencia del filósofo Giordano Bruno se convirtió para Ghirri en un lema personal: “pensar es especular con imágenes”. Esa transformación por la cual la cámara fotográfica pasa de ser un mero recolector de imágenes a convertirse en una herramienta capaz de desgranar el mundo, le llevó a reflexiones inéditas sobre aspectos que, si en el momento en que él trabajaba plantea­ ban problemáticas en forma embrionaria, hoy están de máxima actualidad: la transformación de los entornos de las ciudades, la alteración del paisaje en los países desarrollados, la experien­ cia individual y social del turismo, el sentido de pertenencia a un territorio o las nuevas formas de ocio y consumo. En síntesis: la manera que tiene el ser humano de experimentar, construir y reconvertir en términos visuales su entorno más próximo. Desde sus orígenes, el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía ha prestado especial atención al desarrollo de la fotografía y a su estrecha relación con el ciclo de la modernidad, sus transformaciones y evoluciones hasta el mo­ mento presente. Ya sea entendida como medio en sí mismo o como herramienta que coadyuva el trabajo de artistas destacados en otras disci­ plinas, la imagen fotográfica ha protagonizado en años pasados distintas exposiciones, como las dedicadas a Robert Adams o Chris Killip, así como otras de recorrido histórico como Aún no. Sobre la reinvención del documental y la crítica de la modernidad.

Pensar por medio de imágenes La muestra Luigi Ghirri. El mapa y el territorio constituye una nueva mirada al universo artístico fotográfico, una relectura del legado de esta disciplina en el siglo XX, aunando la propuesta netamente artística con enriquecedores debates intelectuales latentes. La iniciativa de presentar una retrospectiva de la obra de Luigi Ghirri nace del Museo Reina Sofía, que ha contado con la colaboración del Museum Folkwang de Essen, que la presenta en primer lugar, y el Jeu de Paume de París, que cerrará la itinerancia de la muestra después de su paso por Madrid. La exposición permite también entrelazar el trabajo de un artista extraordinariamente influyente en su ámbito –tanto en la práctica de la fotografía como por su labor como teórico del medio– con una noción que el Museo Reina Sofía ha erigido y popularizado en los últimos años: la de la exposición como un lugar de reflexión compartida, como un espacio en el que, a partir del placer estético, las artes invitan a poner en práctica ese pensamiento a través de las imágenes.

Íñigo Méndez de Vigo y Montojo

Ministro de Educación, Cultura y Deporte Portavoz del Gobierno

Luigi Ghirri. El mapa y el territorio es la pri­ mera exposición retrospectiva de Luigi Ghirri organizada fuera de Italia tras el fallecimiento del artista en 1992. Surgió de la voluntad del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de recuperar, desde el presente y en relación con los debates actuales en torno al arte contem­ poráneo, la obra de quien, además de influyente fotógrafo, destaca como escritor, pensador y polemista de las imágenes. La suma del Museum Folkwang de Essen y del Jeu de Paume de París amplió los horizontes del proyecto ini­ cial, recogido ahora en el presente volumen. Las tres instituciones, tras haber trabajado en un clima de colaboración y fructífero intercambio de ideas junto con el comisario de la muestra, James Lingwood, deseamos promover una lec­ tura del legado de Ghirri que permita reconocer, a través de la fotografía, un discurso sólido y contundente que cobra significados muy profundos en el contexto actual; un contexto en el que, en los museos, las nociones de atlas, de archivo, de autorrepresentación, de cultura de lo cotidiano, de articulación territorial o de proyección cartográfica se han convertido en una parte del vocabulario de referencia. A partir de una premisa inicial, casi un manifiesto en clave, "cómo pensar por medio de imágenes", la obra y el pensamiento de Luigi Ghirri se convirtieron, a lo largo de la década de 1970, en indagaciones cada vez más ajustadas a la realidad más inmediata. La exposición se centra en ese periodo durante el cual el artista concibió todo un corpus de obra con un sentido unitario, materializado en diversas series, todas ellas en color, que en su conjunto carecen de parangón en la fotografía europea de su época. Con el fin de mostrar dicho corpus de una manera integral y a la vez matizada, el comisario de la exposición ha trazado un discurso en torno a dos nociones clave: "territorio" y "mapa", ideas que remiten, respectivamente, al mundo y a su representación.

La fascinación de Ghirri por ese binomio le llevó a reflexionar sobre su entorno más próximo y las transformaciones que Italia experimentaba en años que siguieron a su "milagro económico". Como él mismo indica, sus primeras experiencias con la fotografía, tras su formación como aparejador, se materiali­ zaban, en un radio de apenas tres kilómetros en torno a su lugar de residencia, es decir, en un territorio acotado, un mapa conocido. Ese entorno, el de la ciudad de Módena, le permitió entrar en contacto con un humus intelectual extraordinariamente fecundo que le conectó con los debates generados en el contexto del arte conceptual emergente y de la popularización de las propuestas del pop y sus estrategias apropia­ cionistas. Las particulares ramificaciones italia­ nas de estos giros del arte internacional, como recoge Jacopo Benci en su ensayo para esta publicación, estuvieron en la base del primer Ghirri, que comprende desde el inicio el estatu­ to polémico de la imagen fotográfica y entiende que su papel en el arte trasciende con mucho el de mero instrumento de documentación. Tal contexto de partida, en apariencia limita­ do geográficamente, no estaba exento de interés: es el momento en que el territorio se trans­ forma con la expansión de los suburbios y la terciarización de la economía. De esta forja del fotógrafo en lo más inmediato que es a la vez la biopsia de todo un mundo (como se demostrará en sus viajes por Europa), se alimentarán series posteriores que se fijan en las nuevas formas de paisaje periurbano (Colazione sull'erba), en los parajes de una Italia entre provinciana y foco de atracción turística (en Italia ailati y Vedute) o en el interés por la proyección cartográfica del territorio que desarrolla en Atlante. Entre los numerosos elementos que des­ pertaron la curiosidad y la fascinación de Luigi Ghirri, en su proyecto de restauración de las funciones radicales de la fotografía, se cuentan: 7

el modo en que los seres humanos se repre­ sentan a sí mismos y registran sus experiencias y recuerdos (en Diaframma 11, 1/125, luce naturale), o, de manera análoga, la forma en que los objetos que nos rodean pueden generar una suerte de autorretrato a lo largo del tiempo, como muestra en Identikit, tomándose a sí mismo como referencia. En el carácter testimo­ nial de esta serie, así como en su recolección Kodachrome, considerado el trabajo que mejor resume su trayectoria, reverbera también la voz del Ghirri pensador y ensayista que reco­ gemos en la presente publicación a través de la selección de sus textos, algunos de ellos nunca traducidos al español, francés o alemán. En términos teóricos, la polaridad esta­ blecida por Umberto Eco en los años sesenta entre "apocalípticos" e "integrados" resultó extraordinariamente influyente para la ge­ neración a la que pertenece el artista, que de alguna manera se veía obligada a tomar partido entre una alta cultura sitiada y una baja cultura en expansión. Ghirri supo fijarse en la realidad externa de los “integrados” (el mundo del consumo, la publicidad, el turismo), aquella que los “apocalípticos” habían desdeñado de forma apresurada. Entendía así, de manera muy tem­ prana, la disolución, patente en la actualidad, de la distinción entre una cultura congelada o encumbrada en mármol y las subculturas que la vida real iba generando de manera espontánea. En ese sentido resulta interesante su pionera aproximación al kitsch, que revela su conoci­ miento de los debates suscitados en el contexto del arte contemporáneo; Ghirri encuentra en la proliferación y ubicuidad de lo kitsch una ocasión más para reflexionar sobre el propio medio fotográfico. En suma, la obra de Ghirri representa un afinado análisis de toda una alteración sistémica propia de su tiempo: la transformación del individuo, del territorio que habita y transita, y de la forma de representarlo y de sentirse representado por él. La incapacidad del ser humano para trazar un vínculo físico e íntimo entre su ser y la realidad circundante es, en la línea del pensamiento de Pier Paolo Pasolini, 8

una de sus preocupaciones nucleares, aquello que el propio artista denominó la “destrucción de la experiencia directa”, la preferencia por proyecciones de la realidad, por aquello que él denominó "sucedáneos": "la fotografía es análoga a la realidad; y mis últimos trabajos, análogos, a su vez, a esa realidad subrogada", escribió en 1979. Sin embargo, a pesar del pesimismo que podría desprenderse de esta constatación, su planteamiento fue en esencia utópico: “Hemos de seguir pensando en la fotografía como deseo, como imagen dialéctica y acaso como utopía; como una manera de mostrar a los demás nuestro asombro ante el mundo”, una exhortación que debemos recupe­ rar en el momento actual, cuando el campo de la fotografía se enfrenta a una encrucijada tan decisiva como la que afrontó la pintura al calor del nacimiento del daguerrotipo. El legado de Ghirri no ha hecho sino actualizarse en el presente, con la masiva proliferación de imágenes y la multiplicación exponencial de las representaciones del mundo, su delectación, su consumo indiferente o su desvanecimiento dentro de un atlas inaborda­ ble e imposible de clasificar. Esta exposición recupera esa ambición en pos de una imagen meditativa y participativa, su valentía al no buscar la salida en el laberinto de espejos sino para intervenir en el juego de representaciones que la fotografía (el mapa) y el mundo (el territorio) le brindaron. En sus palabras: “En un proceso de activación del pensamiento, no ha sido mi intención hacer FOTOGRAFÍAS, sino PLANOS, MAPAS que sean, al mismo tiempo, fotografías”.

Manuel Borja-Villel

Director del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía

Marta Gili

Directora del Jeu de Paume

Peter Gorschlüter

Director del Museum Folkwang

Índice 13

29

41

James Lingwood El mapa y el territorio

184

Maria Antonella Pelizzari La imagen necesaria de Luigi Ghirri

206

Jacopo Benci "En un radio de tres kilómetros desde mi casa": Luigi Ghirri y las artes en Módena, 1969-1979

222

Atlante 1973

Italia ailati 1971-1979

Il paese dei balocchi 1972-1979

250

Vedute 1970-1979

296 58

Fotografie del periodo iniziale

1974

1970-1973 302 76

Kodachrome 316

Paesaggi di cartone

Identikit 1976-1979

1970-1973 322 118

In scala 1977-1978

1970-1978 108

‘∞’ Infinito

Colazione sull'erba

Still Life 1975-1979

1971-1974 134

Catalogo 1970-1973

148

Km. 0,250 1973

154

Diaframma 11, 1/125, luce naturale 1970-1979

345

Listado de obras

357

Biografía

359

Bibliografía

James Lingwood

El mapa y el territorio “Recorrer el mundo, surcarlo en todos los sentidos, nunca será algo más que conocer unas cuantas áreas, unas cuantas fanegas: minúsculas incursiones en vestigios desen­ carnados, escalofríos de aventura, búsque­ das improbables coaguladas en una bruma almibarada de la que nuestra memoria solo guardará algunos detalles; más allá de esas estaciones y de esas carreteras, y de las pis­ tas resplandecientes de los aeropuertos, y de esas exiguas bandas de terreno ilumina­ das durante un breve instante por un tren nocturno lanzado a gran velocidad, más allá de los paisajes largo tiempo esperados y descubiertos demasiado tarde, y de los montones de piedras y de los montones de obras de arte, lo único que habrá será tres niños corriendo por una carretera blanca, o una casita a la salida de Avignon, con una cancilla de madera pintada de verde hace mucho tiempo, las siluetas de los árboles perfiladas en la cima de una colina en los alrededores de Sarrebrück […] Y junto a todo ello, irreductible, inmediato y tangible, el sentimiento de la concreción del mundo: algo claro, más próximo a nosotros: el mundo, no ya como un reco­ rrido que hay que volver a hacer sin parar, no como una carrera sin fin, un desafío que siempre hay que aceptar, no como el único pretexto de una acumulación desesperante, ni como ilusión de una conquista, sino como recuperación de un sentido, per­ cepción de una escritura terrestre, de una geografía de la que habíamos olvidado que somos autores”1. Georges Perec, Especies de espacios, 1974

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Karlsruhe 1975

En su libro Especies de espacios, Georges Perec lleva al lector a recorrer los lugares que cualquier habitante de una ciudad de la Europa occidental en la década de 1970 conocería bien. Las reflexiones de Perec tienden hacia el ex­ terior, desde el interior del dormitorio al bloque de pisos, la calle y la ciudad y, a continuación, se alejan hacia los barrios periféricos y el campo para acabar dilucidando lo que singulariza cada tipo de espacio. Hay digresiones que traen temas tan diversos como los muros y las fron­ teras, los viajeros y el turismo. Las reflexiones de Perec, teñidas de melancolía, prestan una cuidada atención a lo anodino, a lo corriente, al lugar común. Casi al mismo tiempo en que Perec estaba escribiendo en París a principios de los años se­ tenta, el joven fotógrafo Luigi Ghirri comenzaba a construirse una carrera en la región de Emilia Romagna. A lo largo de la década, el proyecto de Ghirri con una cámara se fue convirtiendo en una suerte de equivalente gráfico de las reflexiones poéticas de Perec; al igual que el del escritor francés, el proyecto del fotógrafo italiano era discursivo y no concluyente en lugar de cerrado y sistemático; estaba marcado por la curiosidad y el interés crítico por la cambiante cultura de su tiempo. Hacia el final de su primera década de trabajo, Ghirri había acumulado un repositorio de miles de imágenes de entre las cuales extra­ jo las que forman las dos manifestaciones más destacadas de su trabajo hasta ese momento: Kodachrome, un libro autoeditado que apare­ ció publicado en 1978; y Vera fotografia, una exposición formada por unas cuatrocientas fotografías que se presentó en Parma en 1979. Los catorce conjuntos de obra que formaban la exposición de Parma proporcio­nan la estructura para este estudio del proyecto fotográfico de Ghirri a lo largo de la década de 1970. 13

James Lingwood

Ghirri cartografió un territorio similar al de Perec siguiendo una ruta a través de un mundo de lugares comunes y experiencias cotidianas. Si la dirección del viaje de Perec era centrífuga, la de Ghirri estaba estructurada de manera menos metódica. Su trabajo se movía en diferentes direcciones simultáneamente: “Si la fotografía es un viaje, no lo es en el sentido clásico que sugiere la palabra; es más bien un itinerario que dibuja, aun cargado de derivaciones y giros, de azar e improvisación, una línea zigzagueante”2. El punto de partida de Ghirri no era, como el de Perec, el centro de una gran metrópolis. Trabajaba en el exterior, caminando por las calles de Módena, la pequeña ciudad en la que vivía desde los primeros años setenta, o con­ duciendo por los pueblos y el campo cercanos, fotografiando las fachadas de casas corrientes de los nuevos barrios periféricos, escaparates de tiendas y mercadillos. Frecuentaba lugares cono­ cidos, como parques municipales o complejos turísticos de la costa: un parque de atracciones de Módena, una ciudad en miniatura en Rímini o las playas que se extienden por la costa adriática. El mundo exterior era el territorio primordial de Ghirri y, más en concreto, los espacios periféricos. Trabajaba de manera discreta, fuera de lo establecido, con su pequeña cámara Canon, e iba produciendo su obra haciendo uso de un medio subestimado por los discursos dominantes del momento. Pero a partir de estas poco prometedoras periferias (la geográfica y la del medio utilizado), Ghirri halló su centro personal y distintivo, y generó un corpus de obras sin parangón en la Europa de aquel momento, un modelo para una nueva forma de ver. No fue hasta cumplidos los treinta años, en 1973, que Ghirri decidió dedicarse por entero a la fotografía. Durante gran parte de la década anterior había empleado sus días laborables en su trabajo como delineante y durante los fines de semana y las vacaciones había emprendido, acompañado de su cámara, lo que él mismo definía como “viajes mínimos”. En la Italia de la década de 1960, la formación de un aparejador 14

comenzaba a una edad temprana. Ghirri, muy probablemente estimulado por la promesa de unos ingresos fijos en un país en el que la acti­ vidad de construcción de viviendas y de obras de ingeniería civil se mantuvo activa durante las décadas de 1950 y 1960, escogió la que sería su carrera profesional a la edad de catorce o quince años, cuando aún iba a la escuela en Scandiano, un municipio no muy alejado de Módena. Las familias más acomodadas o con buenos contactos podían encaminar a sus hijos hacia la Universidad para encauzar su carrera hacia la prestigiosa profesión de la arquitectura. Pero para alguien proveniente de una familia como la de Ghirri, hijo de un carpintero y dibujante, resultaba más realista el proyecto de formarse como aparejador3. El trabajo del aparejador proyectista exige contar con considerables habilidades de carácter técnico, científico y matemático. Se trata de una labor meticulosa y precisa que hace uso de toda una serie de herramientas para medir espacios, ángulos y distancias, demarcar un territorio, redactar informes y dibujar planos. Tal y como Ghirri señaló, es un trabajo que no deja espacio libre para la imaginación: “El aparejador mide los espacios exteriores, igual que el fotógrafo. En mi formación no se fomentaba la creatividad ni el abandono a forma de arte de ningún tipo”4. En el momento en que decidió dedicarse de manera exclusiva a la fotografía llevaba una década trabajando como delineante; un periodo que su amigo Vittorio Savi describiría tiempo más tarde como “en parte una traición a su vocación de fotógrafo y en parte una preparación”5. Había, según indicó Savi, una conexión entre las dos actividades que resultaba especialmente patente en el modo en que Ghirri seguía abordando trabajos “de campo”, con una cámara en lugar de un teodolito, lo que permite de algún modo explicar una afirmación que, sin esa información, resultaría enigmática: “no ha sido mi intención hacer FOTOGRAFÍAS, sino PLANOS, MAPAS que sean, al mismo tiempo, fotografías”6. La habitual posición frontal que caracteriza el trabajo del delineante impregna la fotografía

Arles 1978 Emilia Romagna 1974-1978

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James Lingwood

Modena 1973 Modena 1973

de Ghirri. Desde el primer momento fotogra­ fiaba sus temas de frente, con una única imagen u objeto fijadas en el centro del encuadre y aportando escasa información periférica. En los casos en que la fotografía combinaba diferentes elementos dentro de un mismo encuadre (por ejemplo, los rectángulos surgidos del recorte de un cartel y una ventana, o de una valla publicitaria y el cielo), se dota a todos ellos del mismo peso, como si se tratara de collages “encontrados” y cuidadosamente enmarcados. “Siempre he afrontado la ‘escena’ de una manera directa, me he situado ante aquello que me propongo representar en posición frontal, evitando cualquier forma de corte o pérdida. […] Toda elección estética o formal está ya implícita en el propio gesto de fotografiar”7. En Ghirri no hay despliegue alguno de virtuo­ sismo ni interés por desarrollar un estilo per­sonal. Incluso cuando fotografiaba gente en espacios públicos de la ciudad, como hizo en especial entre 1970 y 1972, las imágenes mostraban el mismo equilibrio y quietud. Prefería fotografiar a la gente de espaldas a la cámara y a cierta distancia, como si deseara fijar la atención sobre las figuras en el espacio más que sobre el personaje o sobre el suceso. Al principio de la década, mientras barajaba la idea de abandonar su ocupación de deline­ ante, Ghirri empezó a concebir y perfilar sus pri­ meras series. Paesaggi di cartone (1970-1973), Catalogo (1970-1973) y Colazione sull’erba (1971-1974) muestran territorios netamente delimitados. Dentro de estos parámetros, Ghirri se permitió la licencia de encuadrar cada imagen de manera diferente. La uniformidad de la tipología elegida era demasiado repetitiva, demasiado mecánica para él. Para realizar las fotografías de estas pri­ meras series, Ghirri frecuentaba lugares con los que estaba familiarizado, como las calles de Módena o las anodinas casas que habían ido brotando por los alrededores de la ciudad; el tipo de vivienda que un aparejador estaba autorizado a construir según la legislación italiana. “He tenido un gran interés por ciertos lugares de lo que llamamos arquitectura: las

casas que forman la calle en la que vivo, las calles por las que camino cada día eran y aún son arquitecturas. Las puertas, los colores de los revoques, los enlucidos, las macetas que decoran las ventanas, los mosaicos de azulejos sobre los edificios, azulejos que he investigado con devoción. Precisamente por su anonimato y su abandono, parecían estar esperando a que alguien les confiriese una identidad”8. En el catálogo de casas y jardines al que puso por título Colazione sull’erba, la atención de Ghirri se centró no tanto en los edificios en sí mismos como en los cuidados arreglos naturales dispuestos a su alrededor; las simetrías de los cipreses, superficies de césped bien conservadas, el toque personal de una planta en su maceta de barro o las palmeras y cactus como promesa de lugares remotos. Con unas treinta fotografías (no hay un número definitivo, como sucede en todas sus series), Ghirri crea un retrato colectivo de un nuevo entorno pequeñoburgués, colorea­ do de empatía y de una ironía sutil. Paesaggi di cartone es un amplio grupo de fotografías de imágenes cotidianas expuestas en el espacio público, en muros y escaparates, vagamente organizadas en categorías: mujeres, hombres, parejas, niños, animales y naturaleza, así como imágenes de los numerosos ritos de paso de la vida moderna, desde bautizos a bodas o desde cortes de pelo a documentos de identidad. Tal vez, en respuesta a los espacios que solía medir en su labor como delineante, quiso que el espacio de estas fotografías iniciales fuese compacto y priorizó la planitud sobre la perspectiva. Hay una conexión con la apropiación de la imaginería vernácula del arte pop, más explícita en el desplegable Km. 0,250 (1973), que contiene diversas imágenes de carteles pegados en los muros que rodean un autódromo de Módena, pero la cualidad plana de las imágenes encontradas de Ghirri queda compensada por las huellas de su uso: el envoltorio azul de un panettone con su constelación de estrellas (de una fotografía tomada en Módena en 1970), está arrugado; la perfección sin fisuras de la imagen de una pareja que duerme en su cama queda perturbada por 17

James Lingwood

las arrugas en el papel de la valla publicitaria. Otras imágenes aparecen alteradas por verjas, reflejos o por el simple desgaste por el uso, si bien nunca llegan a resultar visualmente confu­ sas. La imagen reproducida es inevitable, está por todas partes. Las fotografías de imágenes públicas de Ghirri plantean preguntas sobre el efecto de este fenómeno de la experiencia y de la identidad. A Ghirri le intrigaba la vida de las imágenes y, aunque se mostraba reservado para la polémica, había en él una calmada insistencia, visible en el modo en que se rebelaba contra lo que llamaba “la anestesia de la mirada”. A partir de finales de la década de los sesenta, el pensamiento crítico de Ghirri se había nutrido de conversaciones y ocasionales colaboraciones con un círculo de artistas y escritores de Módena, entre los cuales se contaban los artistas Claudio Parmiggiani, Franco Guerzoni, Giuliano Della Casa, Claudio Cremaschi y Franco Vaccari, así como el historiador del arte Arturo Carlo Quintavalle, quien fuera responsable de una pionera serie de exposiciones de fotografía en Parma a partir de 1968, iniciada con la muestra New Photography USA (1971), que incluía fotografías de Diane Arbus, Lee Friedlander y Garry Winogrand. El crítico Massimo Mussini también fue un importante interlocutor de Ghirri. Fue un cartel de la primera exposición de Ghirri en el Hotel Canalgrande de Módena a finales de 1972 lo que despertó el interés de Mussini. El encuentro casual con un modo radicalmente diferente de presentar una serie de fotografías de “banalidades cotidianas” avivó su curiosidad, hasta el punto de llegar a convertirse en el más destacado analista del trabajo de Ghirri durante la década siguiente. Quintavalle y Mussini re­ cuerdan los debates sobre filosofía, lenguaje (el ensayo de Merleau-Ponty Sentido y sinsentido, Adorno, Saussure y otros), así como sobre arte y fotografía. Cuando no hablaban de arte, de Duchamp, De Chirico o Magritte, tan citados en las conversaciones como otras figuras contem­ poráneas como Ugo Mulas o Vaccari. Cuestiones en torno a la percepción y la representación, a la naturaleza del lenguaje de las imágenes en 18

general y del lenguaje fotográfico en particular, eran motivos recurrentes de debate que rever­ berarían en la obra de Ghirri durante la década de 1970. Además de esto, Ghirri contaba con el apetito voraz del autodidacta, de quien se ha formado fuera del entorno académico. Se su­ mergió en la filosofía, la semiótica, la literatura y la historia del arte, a medida que construía el marco intelectual de su proyecto9. Hay un buen número de correspondencias y conexiones entre el trabajo de Ghirri y el de sus amigos artistas, como si hubieran conversado tanto a través de imágenes como de palabras. Al mismo tiempo, Ghirri consiguió pronto dar una forma específica a sus ideas. Sus temas eran corrientes y sus fotografías pequeñas y en color, lo que las distinguía claramente de las fotografías en blanco y negro que realizaba para los proyectos de sus amigos: el blanco y negro llevaba consigo la autoridad del arte político serio o de la fotografía documental compro­ metida, mientras que el color se reservaba para las revistas de consumo popular y los anuncios publicitarios. Ghirri llevaba sus carretes de película Kodachrome a revelar a un laboratorio de reve­ lado normal y volvía para recoger las fotografías impresas. Mediante esta decisión de abrazar una estética fotográfica, nada precio­sista, y de realizar todo su trabajo en color (“Tomo fotografías en color porque el mundo real no es en blanco y negro y porque para algo se han inventado el negativo y el papel fotográfico en color”)10, Ghirri aproximaba su trabajo al arte conceptual y a la fotografía amateur. Pero no se alineó con las pretenciosas presentaciones de los miembros de los clubes fotográficos, sus atmósferas melancólicas y su cuidada impresión, sino con todos aquellos que, sin afectación, hacen fotos para el álbum de las vacaciones. Ya en la década de 1960, artistas como Ed Ruscha y John Baldessari en Estados Unidos o como su amigo Franco Vaccari habían aplicado un enfoque no profesional a la producción de imágenes. Ghirri se apropió de esta actitud para, a continuación, recalibrarla. Avanzada la década de 1970, prestó más atención a las cualidades Atlante 1973

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Carpi 1973 L'Île-Rousse 1976

del color, trabajando con el impresor Arrigo Ghi en su laboratorio de Módena para obtener una gama tonal concreta y un acabado mate. El aspecto “de aficionado” de sus fotografías contradecía el cuidadoso tratamiento que estas habían recibido. La filiación de Ghirri con el arte conceptual resultó más evidente en dos proyectos realiza­ dos en 1973 y 1974 respectivamente: Atlante e ‘∞’ Infinito. Siempre se sintió atraído por los mapas y, más en concreto, por los atlas. Solía recordar que en el volumen que había en la casa de sus padres, con páginas llenas de fotografías intercaladas entre los mapas, se situaba el ori­ gen de su fascinación con este medio. En 1973, cuando dejaba de trabajar trazando planos y mapas, regresó a las páginas del atlas, al tiempo que Perec se sumergía en el mapa modelo del Pequeño Larousse Ilustrado en las primeras páginas de Especies de espacios. Usando un objetivo macro, Ghirri cerraba el foco sobre determinadas páginas coloreadas, tomando detalles cada vez más cercanos de desiertos, océanos, cordilleras y archipiélagos. Las líneas de demarcación de fronteras, los meridianos y paralelos, los números que indican alturas y profundidades se desprendían de la geografía. Los océanos y masas terrestres se descomponían en puntos en semitonos de color. Un mundo cartografiado y mensurado se desenmaraña en esa subversión poética del oficio del delineante. “En este trabajo”, escribió Ghirri, quise empren­ der un viaje hacia un lugar que paradójicamente borra la propia idea de viaje, dado que todos los viajes posibles ya han sido narrados y todos los itinerarios están trazados”11. La intención de Ghirri era la de hacer un libro-álbum y, de haber sido publicado durante su vida, se habría contado entre los más me­ morables libros de artistas de la década12. Los paralelismos con Un Voyage en Mer du Nord de Marcel Broodthaers (un libro publicado el mismo año en el que el artista cierra el foco sobre algunos detalles del mar y el cielo de una marina) son muy sorprendentes. El libro Atlante no se publicará hasta 1999, varios años después de la muerte de Ghirri, pero sí llegará a realizar

algunas maquetas y álbumes para amigos. Algunos llevan por título Week End y una postal pegada en la cubierta, como la que muestra a un avión de pasajeros volando. Cada uno de ellos tiene una selección de fotografías y una se­ cuencia ligeramente diferente, pero todos ellos siguen el mismo recorrido desde la información hasta la abstracción. Un encuentro con John Szarkowski, la figura más influyente del momento en el campo de la fotografía contemporánea (y cuya exposición de William Eggleston en 1976 reflejó hasta qué punto se mostraba inusualmente abierto a la fotografía en color), llevó a Ghirri a enviarle un amplio portafolio con fotografías; cabe destacar que la propuesta incluía una caja de ellas titulada Week End13. Un caso similar es la adquisición, por parte de la Bibliothèque nationale de París en 1977, de un importante conjunto de su producción en el que el grupo más extenso con diferencia era el formado por las treinta y ocho copias de Atlante. Era evidente la creciente importancia que ese trabajo, a modo de contrapunto poético realizado en el entorno urbano, iba cobrando para Ghirri. Otro proyecto netamente delimitado, fechado en 1974, partió (de manera inusual en Ghirri) de un formato preconcebido: ‘∞’ Infinito estaba formado por trescientas sesenta y cinco foto­ grafías del cielo, todas de idéntico tamaño, tomadas a razón de una al día a lo largo de todo el año. Evocación de los mosaicos decorativos que había fotografiado para Catalogo y de las abstracciones de Atlante, ‘∞’ Infinito es un archivo del espacio inmensurable, del color y de la forma más allá del lenguaje. Durante los cinco años siguientes, Ghirri se abrió a un territorio más amplio; sus temas estuvieron menos constreñidos y se impuso una menor cantidad de limitaciones. A medida que la naturaleza zigzagueante de su itinerario y la multiplicidad de direcciones a seguir se volvían más pronunciadas, también los lugares que fotografiaba se diversificaban. Lugares de ocio y recreo, desde playas de la costa adriática hasta un parque de atracciones en Módena (fotografías que serían la base de la serie 21

James Lingwood

Il paese dei balocchi) o la Italia en miniatura (el parque temático a pequeña escala de Rímini en el que tomó una larga serie de fotografías para In scala) le brindaron ocasión de explorar diferentes modelos de realidad y de cartografiar un territorio cultural distinto. Más de doscientas fotografías de entre 1971 y 1979 se agruparon bajo el título Italia ailati, un ensayo con un final abierto sobre una Italia diferente, localizada lejos de sus cascos históricos, que mostraba la incómoda cohabitación de tradición y moderni­ dad; gasolineras y cipreses, una cruz de madera equipada con luces eléctricas, la escultura de un santo que sostiene en la mano el rótulo de una tienda de antigüedades o letreros de pequeñas carreteras de provincia que adoptan los nom­ bres de célebres escritores como Leopardi o Pavese. Si Ghirri compartía la visión de Perec de que “el mundo es una forma de escritura, una geografía de la cual hemos olvidado que noso­ tros somos los autores”, entonces Italia ailati muestra la geografía que Italia estaba creando para sí misma en los últimos años de la década de 1960 y durante la de 1970. Los años formativos de Ghirri como deline­ ante trajeron consigo esa acentuada cualidad de escala y medida que tiene su trabajo fotográfico de campo, una sutil interacción entre lo inme­ diato, lo intermedio y lo infinito. A menudo se hace patente el poso que dejaron aquellos largos años de medición de elevaciones, de registro de cotas superiores o inferiores respecto a un punto de referencia. En una fotografía de 1973, el tronco de un árbol se levanta en la linde de un campo labrado, como un poste vertical que corta las líneas del cableado telefónico y del horizonte; (no por casualidad, las fotografías en blanco y negro que Ghirri tomó de la insta­ lación a base de postes y cables en el campo de su amigo Giuliano Della Casa se incluyeron en una exposición colectiva titulada Misura en Ferrara (1972). Una de las fotografías tomadas en L'Île-Rousse en 1976 presenta una compo­ sición similar: un poste blanco de metal que señala el borde de una carretera, mientras las líneas horizontales de la propia carretera, del mar y del cielo cruzan la imagen, la contundente 22

geometría se compensa por un barco visto como una pequeña mancha en el mar y unos peñascos. Retrata zonas turísticas, a menudo durante la temporada baja, como es el caso de las fotografías de un tobogán y un carrusel aislados en la arena que tomó en Lido di Spina en 1974. Se trata de lugares creados por el ser humano, pero donde no aparece persona alguna. La sensación de latencia, de un mundo que está en espera, es palpable, al igual que en las numero­ sas fotografías que Ghirri tomó de lugares concebidos para que la gente pueda disfrutar de una vista panorámica. La escena vacía en Orbetello con un banco empequeñe­cido por la presencia de una palmera a cada lado, por el mar y por el cielo en lontananza, es una de las muchas que realizó en torno al tema de la vista dentro de la vista y que formaron parte de otro grupo denominado Vedute. Diaframma 11, 1/125, luce naturale (un título que hace un guiño irónico a ese fetiche técnico del fotógrafo aficionado) es la única serie que se centra de manera ostensible en la gente. Fotografió a personas aisladas y a pequeños grupos vistos de espaldas, absortos en el acto de mirar, de estudiar mapas o fotografías o simplemente disfrutando de una vista. Sobre esta serie, Ghirri escribió: “intentaba desplegar el infinito número de identidades posibles de cada persona, de mí mismo en el momento de tomar una foto y, en última instancia, del propio observador”14. En paralelo, Diaframma 11, 1/125, luce naturale incluye también un grupo igualmente importante de imágenes de gente tomando fotografías, sobre las cuales escribió: “intento recordar que existe otra fotografía que nunca he visto, casi idéntica a la que yo he tomado, y que esa es la única de las dos que contiene la imagen intencional que desean dar de sí mismos”15. Su interés por los dispositivos de encuadre de todo tipo, evidente ya en Paesaggi di cartone, se hace más patente. Pues, ¿qué es la fotografía sino una manera de encuadrar, la decisión crucial sobre lo que está y no está en la imagen? Vistas dentro de vistas, cuadros dentro de

Kodachrome 1978 Páginas 40-45

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Rimini 1977 Lago di Braies 1978 Hergiswil 1972

cuadros, imágenes dentro de imágenes: es esta doble realidad la que absorbió a Ghirri durante la segunda mitad de la década de 1970. Se manifestó en numerosas imágenes de reflejos especulares (sobre todo en las que realizó durante unas vacaciones en L'Île-Rousse, en Córcega, en 1976), en atracciones populares como los museos de cera o los dioramas de museos de historia natural, el mundo simulado del parque de atracciones de Módena y el parque temático de Rímini que presenta minia­ turas a escala de paisajes, cordilleras y edificios emblemáticos como la torre Eiffel, la basílica de San Pedro de Roma o la torre Pirelli. Las fotografías que Ghirri tomó allí en 1977 para la serie In scala, llevaron su fascinación por la reproducción infinita a su cumbre: un lugar que es, en esencia, una reproducción, un “atlas en tres dimensiones”16. Todos estos conjuntos y temas diversos se unieron en dos momentos destacados de finales de la década de 1970: un libro pulcramente secuenciado y una exposición antológica de su trabajo que ofrecía la summa del proyecto de Ghirri hasta ese momento. Kodachrome apareció publicado en 1978 en Punto e virgola, un pequeño sello editorial fundado en 1977 por Ghirri en compañía de su esposa Paola y el fotógrafo Givoanni Chiaramonte. Un año más tarde, en abril de 1979, la exposición Vera fotografia se inauguró en el Palazzo della Pilotta de Parma. Junto con la muestra, el catálogo ofrecía por primera vez una plataforma pública para los escritos de Ghirri. Kodachrome se despliega como una serie de parejas de imágenes, cada una de ellas titulada solo con el lugar y el año. No hay cronología ni tampoco comentarios. A lo largo de sus noventa y dos imágenes, el libro fluye entre el cielo y el horizonte, la playa y el mar, yuxtapone paisajes encontrados y fabricados, casas en miniatura con otras de verdad, montañas simuladas junto a otras reales, introduce a lo largo del recorrido una multitud de espejos, reflejos y reproduc­ ciones, postales de vistas y pinturas de paisaje, recreándose todo el tiempo en juegos de género y escala. “Está claro que las fotografías se toman

una a una. Sin embargo, yo siempre pienso en un tipo de narrativa que continúa más allá de la fotografía en concreto. Por eso siempre dejo puntos de fuga o vías de escape en mis imágenes”17. Esa especie de narrativa elíptica de Ghirri habla, mediante la imagen, de un mundo perfilado por las imágenes y de la imposibilidad de vivir fuera de él. Vera fotografia ofrecía un compendio exhaustivo del territorio que Ghirri había tran­ sitado. Para preparar la exposición, produjo en torno a novecientas copias fotográficas. Al final, con la colaboración de Massimo Mussini, se seleccionaron cuatrocientas copias en pequeño formato de imágenes datadas entre 1970 y 1979, y se distribuyeron en catorce grupos cla­ sificados en términos generales por cronología, aunque no de manera sistemática, empezando con Fotografie del periodo iniziale, Kodachrome (una versión ampliada de Paesaggi di cartone), Catalogo y Colazione sull’erba para acabar con Still Life e Identikit (un autorretrato formado por fotografías de su biblioteca de libros, discos y mapas). La idea de que la exposición era en muchos sentidos análoga a un libro tridimen­ sional con catorce capítulos o historias quedaba subrayada por la manera inusitada en que Ghirri presentó cada una de las fotografías, montadas en la zona superior del cartón trasero como si fueran páginas de un extenso álbum. En su texto para el catálogo, Ghirri no podría haber señalado más claramente que cada uno de los catorce grupos constituían una obra, no necesariamente una obra con límites bien trazados, sino porosos y abiertos a cambios. Por mucho que cada una de las fotografías pueda ser reveladora, la expresión definitiva de la obra reside en las asociaciones y lecturas que suscita la proximidad entre unas y otras. Esta amplitud de miras tenía sus orígenes tanto en los análisis que emprendió Ghirri acerca del lenguaje fotográfico, su potencial y sus limitaciones, como en una desconfianza hacia todo sistema fijo y autoritario de conocimiento, que era para él tan instintivo como intelectual. Extrajo su inspiración de diferentes fuentes: de Bob Dylan a Walker Evans, de Jorge Luis Borges a Umberto 25

James Lingwood

Eco, cuyo ensayo Obra abierta parece haberle impactado tanto como para dar el mismo título a uno de sus ensayos más importantes, escrito en 1984. En el capítulo de Obra abierta en el que expone sus ideas respecto a las artes visuales, Eco pone el énfasis sobre la impor­ tancia de la indeterminación, de dinámicas “constelaciones en que la relación estructural no está determinada, desde el inicio, de modo unívoco”18. En la exposición sobre su propia “obra abierta”, Ghirri, el delineante convertido en fotógrafo, escribió que “cada obra se abre a un espacio elástico; no se agota en una entidad mensurable, sino que la trasciende…”19. La primera ocasión en que dio forma articulada a esta postura fue en la introducción a Kodachrome, cuando escribió: “[en la foto­ grafía], la supresión del espacio que rodea la zona que encuadro es para mí tan importante como aquello que sí está representado; y es gracias a esta supresión que la imagen cobra sentido, pues se vuelve mensurable. La imagen, por su parte, se prolonga hacia la zona visible de ese espacio suprimido y nos invita a ver el resto de la realidad que no está representada. Este doble aspecto de representación y supresión no pretende solamente evocar la ausencia de límites, excluyendo toda idea de completitud o de finitud, sino que nos indica algo que no puede ser delimitado: lo real”20. A lo largo de la década, Ghirri había llegado a concebir su traba­ jo simultáneamente como individual y múltiple, fijado y abierto. En 1984 llegaría aún más lejos al escribir que todo era “una única obra total”21, y cuando en el mismo año se le preguntó sobre sus proyectos para el futuro, respondió sencilla­ mente: “Un libro titulado Atlante”22. En 1985, Italo Calvino escribió una serie de conferencias que planeaba dar en Estados Unidos durante el otoño de ese año, y que fueron publicadas póstumamente como Seis propuestas para el próximo milenio. En esas conferencias, Calvino se impuso la tarea de examinar la literatura del milenio que estaba a punto de acabar e identificar algunas cuali­ dades y particularidades que eran de especial 26

Notas

importancia para él. Cada una de las confe­ rencias llevaba por título una única palabra: “Levedad”, “Rapidez”, “Exactitud”, “Visibilidad” y “Multiplicidad”. Hay un insólito parecido entre las cualidades que Calvino aprecia en su panteón de escritores del siglo XX, de Joyce a Musil y de Borges a Perec, y las cualidades, idénticas, del trabajo de Ghirri. Para Calvino, la “levedad” va de la mano de la precisión y de la determinación, del deseo de “quitar peso a la estructura del relato y al lenguaje”23; la “rapidez”, por su parte, llega con la brevedad y la economía, con una precisión en la descripción. En “Exactitud”, Calvino habla de la importancia de “una atención extremadamente precisa y meticulosa […] en la composición de cada imagen, en la definición minuciosa de los detalles, en la selección de los objetos, de la iluminación de la atmósfera, para alcanzar la vaguedad deseada”24, lo que recuerda la interacción entre lo inmediato y lo infinito que caracteriza buena parte del trabajo de Ghirri. En la conferencia final, dedicada a la multiplicidad, Calvino sostiene que aquello que distingue la mejor literatura del siglo XX es “la idea de una enciclopedia abierta […] Hoy ha dejado de ser concebible una totalidad que no sea potencial, conjetural, múltiple”25. La tensión entre el intento de alcanzar un objetivo incon­ mensurable y la conciencia de su imposibilidad se manifiesta en el desafío de buscar un tipo de estructura que sostenga el trabajo, un desafío que resuena a través de la “obra abierta” del propio Ghirri en el mundo de las imágenes, su “gran aventura en el mundo del pensamiento y de la mirada […] un viaje continuo por lo grande y por lo pequeño, por las variaciones, a través del reino de las ilusiones y las apariencias, un lugar de multitudes, laberíntico y especular”26.

1

Georges Perec, Especies de espacios, Barcelona, Montesinos, 2001 (1974), pp. 119 y 120. Traducción de Jesús Camarero. 2

Luigi Ghirri, "Un canto della terra", entrevista con Emanuela Teatini, en Paolo Costantini y Giovanni Chiaramonte (eds.), Niente di antico sotto il sole. Scritti e immagini per un’autobiografia, Turín, SEI, 1997 (1984), p. 297. Citado en Giuliano Sergio, "Luigi Ghirri, Minimal Journeys: Icons, Landscapes, Architectures", en Marina Spunta y Jacopo Benci (eds.), Luigi Ghirri and the Photography of Place, Oxford y Nueva York, Peter Lang, 2017, p. 18. 3

Agradezco a Massimo Bartolini que haya compartido conmigo su conocimiento sobre los años de formación de un aparejador (geometra) en Italia. 4

Luigi Ghirri, entrevista con Claude Nori, Camera International, nº 2, París, 1985, p. 16. 5

Vittorio Savi, "a-b", en Luigi Ghirri, Atlante, Milán, Charta, 1999, s. p. 6

Luigi Ghirri, "Fotografie del periodo iniziale", en Luigi Ghirri, Milán, Feltrinelli, 1979, p. 64; "Photographs from my Early Years (1970)", en Luigi Ghirri. The Complete Essays 1973-1991, Londres, MACK, 2016, p. 22. Texto reproducido en este volumen, p. 58. 7

Ibíd., p. 21. Texto reproducido en este volumen, p. 58. 8

Luigi Ghirri, "Fotografare i luoghi, fotografare le architetture", entrevista con Mario Lupano, en Niente di antico sotto il sole, 1997, óp. cit, p. 294. 9

El conocimiento sobre Ghirri y su contexto en Módena en los primeros años setenta se ha visto enriquecido gracias a los ensayos de Quentin Bajac, Giuliano Sergio y Laura Gasparini para el catálogo Luigi Ghirri. Pensare per immagini, Roma, MAXXI, 2013; así como a los ensayos de Paolo Barbaro, Jacopo Benci, Laura Gasparini, Nicoletta Leonardi y Giuliano Sergio en Luigi Ghirri and the Photography of Place, óp. cit. 10

Luigi Ghirri, "Photographs from my Early Years (1970)", óp. cit., p. 21. Texto reproducido en este volumen, p. 58.

11

Luigi Ghirri, "Atlante", en Luigi Ghirri, óp. cit., p. 75; "Atlas (1973)", en Luigi Ghirri. The Complete Essays 19731991, óp. cit., p. 39. Texto reproducido en este volumen, p. 184. 12

Atlante, el libro que reproduce diferentes versiones de la obra, fue publicado en 1999. 13

Junto a la caja Week End, Ghirri envió al MoMA un álbum de Paesaggi di cartone con 111 fotografías, además de 37 fotografías sueltas. Szarkowsi agradeció a Ghirri el envío. Permanecieron en el MoMA, ocultas en un fondo de reserva durante cuatro décadas, hasta que fueron rescatadas del olvido y catalogadas en 2013, cuando el interés por el trabajo de Ghirri comenzaba a ganar terreno.

22

Luigi Ghirri, entrevista con Claude Nori, óp. cit., p. 17. 23

Italo Calvino, Seis propuestas para el próximo milenio, Madrid, Siruela, 1994 (1990) p. 15. Traducción de Aurora Bernárdez. 24

Ibíd., p. 75.

25

Ibíd., p. 131.

26

Luigi Ghirri, "L'opera aperta", óp. cit., pp. 76-79; "The Open Work" en Luigi Ghirri. The Complete Essays 1973-1991, óp. cit., p. 109.

14

Luigi Ghirri, "Diaframma 11, 1/125, luce naturale", en Luigi Ghirri, óp. cit.,   p. 72; "f/11, 1/125, Natural Light (1973)", en Luigi Ghirri. The Complete Essays 1973-1991, óp. cit., p. 36.   Texto reproducido en este volumen,   pp. 154-155. 15

Ibíd., p. 36.

16

Luigi Ghirri, "In scala", en Luigi Ghirri, óp. cit., p. 64; "In scale (1977-1978)", en Luigi Ghirri. The Complete Essays 19731991, Londres, óp. cit., p. 51. Texto reproducido en este volumen, p. 302. 17

Luigi Ghirri, "Luce, inquadratura e cancellazione del mondo esterno", en Giulio Bizzarri y Paolo Barbaro (eds.), Lezioni di fotografia, Macerata, 2010, p. 192. Citado en Elena Re (ed.), Luigi Ghirri Project Prints, Zúrich, Elena Re, 2012, p. 9. 18

Umberto Eco, Obra abierta, Barcelona, Planeta - De Agostini, 1992 (1962), p. 175. Traducción de Roser Berdagué. 19

Luigi Ghirri, "L'opera aperta", en Paolo Costantini y Giovanni Chiaramonte (eds.), óp. cit., pp. 76-79; "The Open Work" en Luigi Ghirri. The Complete Essays 1973-1991,   óp. cit., p. 122. 20

Luigi Ghirri, “Prefazione”, en Luigi Ghirri. Kodachrome, Londres, MACK, 2012 (1978), p. 12. 21

Luigi Ghirri, "L'opera aperta", óp. cit., p. 109. 27

Maria Antonella Pelizzari

La imagen necesaria de Luigi Ghirri En septiembre de 1987 Luigi Ghirri tomó unas notas a vuelapluma que se pueden interpretar como una reacción encendida ante la decepción (si no ante la sensación de rabia y disgusto) que le causó la retransmisión televisiva de la gala de clausura del festival de cine de Venecia. El programa, señaló Ghirri, mostraba imágenes y extractos de películas mezcladas en una densa secuencia sin la más mínima coherencia. “Parecía”, escribió, “como si el director o el editor de la retransmisión no solo hubieran decidido mostrarnos un collage del festival, sino que también nos hubieran quitado de la mano el mando a distancia y se hubieran vuelto locos derrochando imágenes al azar” que cuajaban en “un mero delirio visual, en la lógica simplista del popurrí”. Al criticar el programa, que describió como “una forma grotesca de caprichoso abuso visual” y “un carnaval interminable”1, Ghirri pronunciaba un alegato en pos de la fotografía como “una imagen necesaria”, como una pausa entre la amalgama caótica de estímulos visuales, como un posible despertar del letargo social provocado por la sobreproducción de imágenes. Esa sugerente crítica de Ghirri contra “la mirada omnívora para la que todas las narrativas son posibles” encuentra su eco en un tipo distinto de cacofonía, vigente en la actualidad bajo el aspecto del caudal intermitente de infor­ mación desplegada en las pantallas digitales; un flujo de imágenes que creemos poder controlar con la única ayuda de los pulgares pero que se aleja cada vez más de cualquier sensación tangible de memoria y verdad. ¿Cómo puede ese alegato de Ghirri en favor de la fotografía como “imagen necesaria” seguir inspirando la urgente necesidad de articular una lógica narrativa y de una conciencia de estar en el mundo? Situemos las cosas en contexto: cuando a mediados de la década de 1980 Ghirri abordó el tema de la fotografía y la comunicación visual, estaba incorporando su voz crítica a un antiguo debate sobre la cultura de masas

28

Reggio Emilia 1973, clasificador del archivo de Luigi Ghirri

formulado por Umberto Eco dos décadas atrás. En un importante ensayo titulado Apocalípticos e integrados2, Eco se había ocupado de los medios de masas, desde la televisión a los cómics, señalando las posturas divergentes de artistas e intelectuales italianos en relación con las formas populares de comunicación, ora demonizadas ora abrazadas de manera incondicional por la intelligentsia del momen­ to. Forzosamente, las notas de Ghirri, en su exasperación ante un programa de televisión que manipulaba la comunicación de masas, se posicionaban más del lado de las reacciones del elitismo (que, por cierto, solían estar plagadas de equívocos sobre el funcionamiento real de los procesos de emisión de la información) que de las del populismo. La cámara se convirtió en la respuesta personal de Ghirri a este dilema en torno al papel de la cultura popular, en una forma concreta de orientación visual en medio de ese “carnaval”. Tal y como escribió, “Tenemos que recordar que para practicar la fotografía no hace falta adocenar a las masas de esa manera. Ya seamos profesionales, investigadores, artistas, ilustradores o narradores (y podría seguir enumerando) hemos de seguir pensando en la fotografía como deseo, como imagen dialéctica y acaso como utopía; como una manera de mostrar a los demás nuestro asombro ante el mundo (y de creer que antes que artistas, fotógrafos o consumidores, somos personas). Y es de esta sencilla observación de donde brotan otros proyectos, intervenciones y apreciaciones”3. Resulta significativo que Ghirri estuviera mucho más interesado en los procesos que activan la comunicación de masas que en los es­ tímulos reales transmitidos desde los medios. No hacía distinciones entre la alta y la baja cultura; al contrario, su fotografía abrazaba el diálogo. En los primeros años setenta, Ghirri se lanzó a fotografiar los signos del consumismo en su 29

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entorno más inmediato y plasmó la repetitiva presencia de carteles publicitarios pegados en las paredes, que interpretaba como “códigos de comunicación” o “señas de identidad”4. La cá­ mara era para él un dispositivo de registro capaz de construir significado a partir de maquetas en miniatura, edificios y seres humanos hechos de cartón, árboles y montañas impresos en las páginas de un atlas, estrellas y lagos pintados sobre lienzos y decorados artificiales. Estos signos –pop, surrealistas o readymade– cons­ tituyen la piezas de una antropología social que Ghirri trataba de explorar y descifrar desde cero. Su forma de organizar su archivo, median­ te el montaje sobre cartulinas de pequeñas fotografías con sus negativos correspondientes justo debajo, le permitía crear secuencias visuales en un proceso de mezcla y remezcla de fotografías, como si barajara unos naipes para obtener infinitas combinaciones. En ese sentido, la manera en que Ghirri abordó la cultura de masas y la ubicuidad de lo kitsch (como se puede ver en Kodachrome, Paesaggi di cartone o Il paese dei balocchi, entre otras series) fue completamente distinta a la de algunos artistas anteriores, que reaccionaron contra la rutilante apariencia del milagro económico italiano; como en el caso del arte po­ vera, con su táctica de guerrilla contra el mundo del consumo desatado5, o de Michelangelo Pistoletto y su sentimiento de “desafección política”6. La mirada de Ghirri no se fijó en lo que parecía ser una suerte de alienación contemporánea, y su cámara no se detuvo ante el embaucador espectáculo de la superficialidad burguesa al que apuntan los recortes de siluetas sobre espejo de Pistoletto7. Al contrario, los “recortes” de Ghirri (si es que podemos extra­ polar esta idea desde los objetos escultóricos de Pistoletto a un mero acto de visión) ofrecían un nuevo marco desde el que percibir lo absurdo del entorno más inmediato, extrayendo de la vida cotidiana una cierta impresión de empatía, de ternura y (acaso lo más importante) de humor. La serie Colazione sull’erba sigue siendo el paradigma del modo en que Ghirri remodeló y reescribió un paisaje próximo a su lugar de residencia. En Módena, en 1973, cuando Ghirri 30

se detuvo ante un pequeño jardín con césped, cara a cara con el anonimato de las viviendas colindantes, se fijó en una valla publicitaria que recortaba con total precisión un rectángulo sobre la disonancia visual del fondo; generaba así un nuevo mundo de realidad e ilusión, con ese césped al mismo tiempo podado y pintado, el sol que calienta a un pino solitario y una nube que anuncia lluvia sobre las ramas secas. A lo largo de toda la serie, los encuadres apoyan esa dinámica lúdica de pertenencia al lugar. De ese modo, sus imágenes le daban la vuelta a la dialéctica crítica promovida por el arte povera, pues traían consigo el sentimiento de “afecto” o de “desafección” tal y como se experimentaban en un mundo de comodidades y hastío existencial. Al mismo tiempo que Ghirri plasmaba un mundo de signos, también conseguía encontrar “una grieta, una vía de escape del callejón sin salida al que conduc[ía] la vertiginosa transformación de la realidad en sus representaciones sucedáneas”8. Esta “grieta” se hacía visible mediante intervenciones de filtro, encuadre, secuenciación y montaje. Y Ghirri las puso en práctica para intentar desbloquear el me­ canismo que convierte el registro de imágenes en una forma de reflejo. En ese sentido, su trabajo se asentaba conceptualmente sobre la comprensión del proceso que convierte al mundo en imagen y planteaba cuestiones que siguen siendo rele­ vantes en el panorama actual de proliferación de la imagen digital y de difusión de la fotografía a través de las redes sociales.

Filtro y encuadre Como observó perspicazmente Franco Vaccari, amigo de Ghirri, este fue capaz de “descubrir que los signos y réplicas participan en una metamorfosis […], que son inestables e iridis­ centes y que, a diferencia de lo que uno podría pensar, es precisamente dentro de este mundo de representaciones, precario e incierto, donde se puede encontrar la seguridad”9. Vaccari, con otras palabras, señalaba que esa forma nada preten­ ciosa ni jerárquica de enfrentarse a los sucedá­ neos visuales fue lo que permitió a Ghirri abrir un espacio de transformación –irónica, lúdica y sorprendente– desde el que volver a mirar a estos Modena 1973

Maria Antonella Pelizzari

Luigi Ghirri Paris 1977 Eugène Atget Pendant l'éclipse [Durante el eclipse] 1912 Garry Winogrand Apollo 11 Moon Shot, Cape Kennedy, Florida 1969

sucedáneos como en un doble reflejo especular. En sus escritos, el propio Ghirri profundizó en la noción de metamorfosis; sus ideas estaban vinculadas a la transcripción fenomenológica del paisaje como espejismo y al deseo de des­ cifrarlo. Su introducción a Kodachrome sienta las bases para esta noción fundamental de la realidad como representación. En sus palabras: “Mi interés por la destrucción de la experiencia directa nace en estas fotografías, que no quieren hablarnos de cómo las imágenes invaden el entorno en que vivimos, sino que más bien nos proponen analizar la relación entre lo verdadero y lo falso, entre lo que somos y la imagen de lo que deberíamos ser; tratan de descifrar algunos aspectos relacionados con la ocultación y la negación de la verdad”10. En concreto, la serie Diaframma 11, 1/125, luce naturale desarrolla esta epistemología aden­ trándose en el proceso de transformación del paisaje en imagen, de la persona en objeto, del fotógrafo en fotografía. La serie, cuyo título remite a dicha apertura de diafragma de la cámara, representa el afán de Ghirri en la búsqueda de la identidad dentro de una realidad percibida como espejo; una búsqueda que resulta difícil pero posible. Ghirri le da vueltas a esta pesquisa al tiempo que determina su posición como fotógrafo; una posición, como él mismo dice, que no es “la del dramaturgo, el cronista, el espectador o el apuntador”, sino más bien “indistinguible de [la de] quienes fotografío”11. Las imágenes de esta serie, con personas parapetadas tras sus cámaras Instamatic o sorprendidas mientras miran algún mapa o los cuadros de un museo, muestran a la figura humana camuflada entre paredes y decorados, como en un collage de diferentes superficies y velos translúcidos. Esas fotografías evocan también las meta­ morfosis que se producen en la cámara oscura cuando la luz entra a través del estenopo y perfila una imagen del mundo exterior. “Lo maravilloso es la contradicción que surge en lo real”, escribió Louis Aragon en La Révolution surréaliste12, la revista que reivindicó las foto­ grafías documentales de Eugène Atget como significantes de lo “fantástico social”13. En la

fotografía que Atget tomó durante un eclipse de sol, publicada en La Révolution surréaliste en 1926, un pequeño grupo de parisinos mira fijamente ese fenómeno de oscurecimiento filtrando con sus manos, ojos y artilugios ópticos lo que ya ha sido velado y eclipsado por la naturaleza misma. Algunos fotógrafos retomarán este gesto años más tarde, en los sesenta y setenta, para acabar demostrando que el acto de ver a través de la cámara marca un instante de desconexión entre el “yo” del fotógrafo y el mundo. “Hay una consciencia de que la cámara no es una parte de mí”, escribió el fotógrafo italiano Ugo Mulas en 1972, “pero es un medio complementario cuya importancia no puede ser sobrestimada ni subestimada”14. En 1969, Garry Winogrand fotografió a un grupo de per­ sonas contemplando el lanzamiento del Apolo 11 a la luna desde el John F. Kennedy Space Center de Florida. Aunque recoge el mismo gesto de mirar hacia arriba que Atget había fotografiado antes, la imagen de Winogrand difiere de aquel registro meramente documen­ tal, pues no solo encuadra a los espectadores que observan el lanzamiento, sino también a una fotógrafa aficionada que se vuelve hacia él y le dispara una foto. A Winogrand le gustaba decir: “Yo fotografío para descubrir el aspecto que algo tendrá una vez fotografiado”15. Ghirri, que conocía esa mecánica conceptual, tomaba fotografías para entender lo que era la foto­ grafía, con la intención, por tanto, de desvelar su propia identidad dentro de ese carrusel de miradas, espejos y marcos. Estas ideas formaban parte del análisis pionero de la fenomenología de la fotografía que Italo Calvino había desarrollado en su relato “La aventura de un fotógrafo” (1955). En la descripción que Calvino ofrece de la obsesión por registrar todo aquello que de otra manera se perdería, la cámara acaba rozando una especie de locura. “El paso entre la realidad que ha de ser fotografiada porque nos parece bella y la realidad que nos parece bella porque ha sido fotografiada, es brevísimo”16, escribió Calvino, anunciando aquello que Ghirri perseguiría en los años setenta y con lo que algunos artistas 33

Maria Antonella Pelizzari

siguen bregando en la actualidad: la existencia de un dispositivo, hoy expandido hacia el medio digital y las redes sociales, capaz de generar un sistema potencialmente abocado al fracaso. En Diaframma 11, 1/125, luce naturale, Ghirri también vuelve a plantearse el significado de la fotografía como proyección óptica basada en la perspectiva lineal renacentista en cuanto construcción matemática que contiene y mide el mundo. Atraído ante todo por la cámara con­ cebida como el marco de una ventana, expone esos fundamentos teóricos para desvelar sus artificios. Sus fotografías sugieren que esta geo­ metría no coincide con el espacio visual y táctil real; dando así testimonio de la “discrepancia fundamental entre la ‘realidad’ y su construc­ ción” que Erwin Panofsky señaló de manera tan aguda en su ensayo La perspectiva como forma simbólica (1927). Si la fotografía remite a la ventana albertiana que delimita un determinado ángulo de observación, Ghirri demuestra, con Panofsky, que esa misma construcción perspectiva es “una progresiva abstracción de su estructura psicofisiológica”17. Con frecuencia, Ghirri plasma figuras y obje­ tos que delatan un proceso de abstracción, de medición y de aplanamiento artificiales, como en el caso de un rosal que, visto a través de una vulgar valla de hierro, queda reducido a una retícula artificial de cuadrados de tonos rosáceos y convertido en una sucesión de patrones regu­ lares. Este encuentro con un jardín cualquiera muestra el modo en que Ghirri traduce lo que Alberto Durero había demostrado mediante una xilografía en la que un dibujante pone toda su atención en trasladar al papel los perfiles de una figura reclinada al otro lado de una red. Como la estampa de Durero, las imágenes de Ghirri funcionan como las ilustraciones de un manual de fotografía, que buscan la uniformidad dentro de un mundo que combina figuras al azar. En el lado opuesto de ese dispositivo de medición que es la retícula se sitúa la concep­ ción de Ghirri de la fotografía como proyección fantástica carente de fronteras netas. La imagen que muestra unas sombras irregulares proyecta­ das sobre una pantalla de cine improvisada que encontró en la ciudad de Sassuolo representa 34

algo parecido a una forma de escritura au­ tomática. Recortada sobre un fondo oscuro, esa pantalla deslumbrante funciona como la placa de una cámara de gran formato, con un opera­ dor imaginario oculto bajo la tela negra. Es algo así como un umbral, un filtro entre el exterior y el interior, la superficie de una imagen gara­ bateada por la naturaleza. Como señala Ghirri, “incluso una pantalla de cine puede convertirse en un visor óptico”18. Al abordar este aspecto, Ghirri reflexiona también sobre las posibilidades ópticas de la cá­ mara fotográfica como cámara oscura. Esto es lo que nos dice que experimentó Ingmar Bergman cuando “siendo niño descubrió la magia del cine al encerrarse en un armario y dejar que su mirada se colase entre las grietas de las puertas. El mundo exterior, que era el interior de una habitación, le pareció inmensamente interesante, como si estuviera en movimiento”19. Como Ghirri señala en su análisis, la fotografía, en cuanto herramienta para encuadrar, puede restaurar nuestra capacidad de visión y de asom­ bro gracias a su mecanismo de observación: un punto de vista fijo que abarca un espectro más amplio, el de un mundo que está ausente en la foto pero que reaparece como el foco de la proyección del propio fotógrafo.

Temporalidad y montaje Lo que habita el núcleo de la fotografía de Ghirri como medio para filtrar y encuadrar es una determinada noción de tiempo, una necesidad de ralentizar el movimiento. Se trata de una estrategia más, que contrapone su afinada visión al entumecimiento producido por la reproducción y la réplica. “En la actuali­ dad, la función más importante de la fotografía como forma de comunicación visual”, dijo Ghirri a un grupo de estudiantes a finales de los años ochenta, “consiste en su capacidad para ralentizar la percepción de las imágenes […] Es como si pudiéramos, de vez en cuando, leer un artículo en un periódico sin tener la sensación de que alguien nos está pasando las páginas”. Ghirri definía la fotografía como una “lentitud de la mirada”20, y la consideraba crucial en una época en que sentía cómo la aceleración de la

Luigi Ghirri Modena 1973 Albrecht Dürer Dibujando una mujer desnuda reclinada en perspectiva ca. 1500 Luigi Ghirri Sassuolo 1975

Maria Antonella Pelizzari

Fotograma de El reportero de Michelangelo Antonioni 1975 Luigi Ghirri Paris 1977 Luigi Ghirri Paris 1979

tecnología estaba transformando la relación del sujeto con el mundo. Esa quietud suscitaba una “contemplación”; es decir, una forma de estar en el mundo que él percibía como precaria. Se puede ver así el conjunto del trabajo de Ghirri como un intento de fragmentar el tiempo en cuanto narración continua. La prueba de ello es su forma de secuenciar sus fotografías, que solo en contadas ocasiones responde a una progresión temporal. Al contrario, orquesta un juego de reflejos, toda una serie de guiños intermitentes dentro del flujo de la percepción. Su libro Kodachrome ejemplifica este plantea­ miento, con dípticos de imágenes enfrentadas y contrapuestas: vacío y lleno, cóncavo y convexo, interior y exterior, estatismo y movimiento, falso y real, dentro y fuera de cuadro. Como Ghirri escribe en el prefacio de ese libro, “[en la fotografía], la supresión del espacio que rodea la zona que encuadro es para mí tan importante como aquello que sí está representado; y es gracias a esta supresión que la imagen cobra sentido, pues se vuelve mensurable. La imagen, por su parte, se prolonga hacia la zona visible de ese espacio suprimido y nos invita a ver el resto de la realidad que no está representada”21. Este juego de contrarios no solo está relacionado con lo expuesto anteriormente acerca de la cámara como dispositivo óptico que, por su naturaleza, pone al mundo del revés; también con el hecho de que la cámara propicia un proceso de encuadre que permite que el usuario pueda imaginar lo que queda atrás y al otro lado del visor de la cámara. Así, las fotografías de Ghirri se pueden interpretar aludiendo a una categoría formulada para el cine de posguerra y más concretamente para los filmes de Michelangelo Antonioni: se trata de lo que Gilles Deleuze definió como un nuevo cine basado en la “imagen-tiempo” en lugar de en la “imagen-movimiento”. Deleuze nos dice que las películas de posguerra se caracterizan por un “espacio cualquiera” en el que los personajes son, más que actores, observadores, y donde “el tiempo ya no es consecuencia del movimiento: aparece por sí mismo y también por sí mismo da lugar a falsos movimientos. Por tanto […] las imágenes ya no están unidas por

una continuidad o por un montaje racional, sino que están conectadas por medio de una falsa continuidad y un montaje irracional de los planos”22. Esos planos representan la interrup­ ción narrativa y llevan impreso el tiempo, el pasado y el presente fundidos en uno, de modo que reflejan simultáneamente lo que está dentro y lo que está fuera del encuadre. Una secuencia de El reportero de Antonioni ejemplifica este punto y permite explicar la noción de “encuadre-tiempo” de Ghirri. Se trata de una ventana que funciona como proyección de un personaje, el reportero David Locke que, al asomarse al exterior, se ve a sí mismo conjugado en pasado, rebobina su vida como en un flashback y recuerda su conversación con otro viajero, Robertson, que ya ha muerto. La ventana a través de la cual Antonioni imagina la conversación entre Locke y Robertson ya no es la ventana albertiana sino más bien la condensación de dos visiones: la ventana real y la ventana proyectada (la del tiempo pasado), fundidas en la pantalla. De manera similar, podríamos interpretar las fotografías de Ghirri como un continuum interrumpido en el que la visión y la imaginación están unidas y acopladas entre sí de tal modo que restauran una concepción de la fotografía como montaje de mundos posibles. Como ha indicado Thomas Demand, se podría plantear la hipótesis de “un artilugio imposible, un ‘Ghirriscopio’ a través del cual se contempla el mundo; así podría explicarse la naturaleza extrañamente compleja de sus imágenes”34. Los montajes de Ghirri condensan procesos de deconstrucción (o des-montajes) que provo­ can desplazamientos y desorientaciones, y es de acuerdo con esta estrategia como él afronta el enigma de la fotografía como negación de la experiencia, como el “debilitamiento del aura” o la “recepción en la distracción” de Walter Benjamin. De modo que no resulta sorprenden­ te que Ghirri publicara un porfolio de foto­ grafías, tomadas todas ellas en París en los años setenta, que rinde “Homenaje a Benjamin”24. Se trata de una fantasmagórica colección de capas y superficies que ilustran la ciudad vista como réplica: reflejos especulares, ventanas, superfi­ cies pintadas, edificios camuflados, espejismos 37

Maria Antonella Pelizzari

y siluetas espectrales en mitad de la noche, transparencias. Ghirri sortea la noción benjaminiana de aura (su naturaleza única y ritual) cuando enfoca con mirada irónica un bufé turístico de la zona del Beaubourg ante el fondo de una reproducción kitsch de Almuerzo sobre la hierba de Manet, en un triple eco de la idea del mundo como imagen. Su composición juega con tres niveles de representación y convierte ese espacio en un montaje de corta y pega, en una construcción que consigue trastocar la ilusión visual. A la izquierda aparece el trampantojo de una ventana pintada en una mampara, con plantas artificiales que imitan a los árboles pintados sobre la hierba; en el centro, la repro­ ducción de la icónica pintura de Manet; y a la derecha, el festín gastronómico desplegado ante un decorado que es en parte real, con los abrigos de los clientes colgados en un perchero, y en parte simulacro, con esas superficies pintadas que se entrecruzan. Lo que echamos de menos en esta fotografía (en la que confluyen lo real y lo artificial en un montaje espacial que celebra el “valor de exposición”) es un gesto social recurrente que identificamos con el momento actual: el de la gente corriente que consume comida y cultura, periodistas ocasionales y fotógrafos improvisa­ dos que participan en un juego interminable de representación y autorrepresentación mientras delegan toda su experiencia en un palo de selfi extendido para así reivindicar la forma más generalizada de narcisismo social. La vocación de presente del bufé parisino de Ghirri resurge en la práctica contemporánea del artista alemán Joachim Schmid, cuya herramienta no es una cámara sino un sitio web de almacenamiento de imágenes, Flickr, en el que se dedica a cribar entre la ingente cantidad de fotografías que se disparan y se cargan en la página a diario; lo que le convierte en un archivero de las formas que toman en la actualidad el registro compulsivo y el miedo a perderse algo. Como señala el propio Schmid: “la buena acogida que recibe la comida rápida es un producto derivado de la vida moderna, como lo es también la buena acogida que tiene la fotografía rápida […]. Uno podría 38

Notas

pensar que la gente adora la comida rápida porque el tiempo que se ahorra por no comer un plato en condiciones lo puede invertir en sacar fotografías de comida rápida y colgarlas en Internet”25. Los libros de artista de Schmid son el resultado de este maníaco hábito de ordenación de ese exceso incuantificable de imágenes. Este método de organización remite a la apuesta de Ghirri por la fotografía como acto “necesario”, como una forma de detenerse y concebir ese dispositivo como una posible fuente de entendimiento frente al olvido y al letargo social. Los ensayos y fotografías de Ghirri aluden a esos gestos sociales, si bien de manera indirecta, pues muestran cómo la cámara se recrea en la réplica. Se podría de hecho aducir que estas foto­ grafías, en su fascinación sin pretensiones por un mundo de reproducciones, inspiran un diálogo con la situación actual y anuncian el debate sobre lo digital como documento abierto, como imagen titilante que ha perdido su poder indicial. La artista y teórica alemana Hito Steyerl encarna el pensamiento actual en torno a la tec­ nología móvil y en sus palabras reverberan tanto las pequeñas fotos en color de Ghirri como sus escritos. Steyerl aborda cuestiones relativas a la existencia de “la imagen pobre”, una imagen que es popular y que “ha transformado la con­ templación en distracción” . “La imagen pobre”, señala Steyerl, “ya no tiene nada que ver con lo auténtico, con lo original originario, sino”, añade, “con sus propias condiciones reales de existencia: la circulación masiva, la dispersión digital, las temporalidades flexibles y fragmen­ tarias. Tiene que ver tanto con la resistencia y la apropiación como con el conformismo y la explotación. En pocas palabras: tiene que ver con la realidad”6. En la posibilidad de abrazar esta tecnología (ya sea analógica o digital) descifrando su funcionamiento y activando su lógica narrativa resuena esa “necesidad” y esa agudeza crítica que Ghirri comenzó a invocar con tanto acierto durante la era pre-digital.

1

Luigi Ghirri, “Thinking of a Necessary Image (1987)”, en Luigi Ghirri. The Complete Essays 1973-1991, Londres, MACK, 2016, p. 159. 2

Umberto Eco, Apocalípticos e integrados (1964), Barcelona, Lumen, 1984. Traducción de Andrés Boglar. 3

Luigi Ghirri, “Thinking of a Necessary Image (1987),” en Luigi Ghirri. The Complete Essays 1973-1991, óp. cit., p. 161. 4

Luigi Ghirri, “Catalogue (1970-1979)”, en Luigi Ghirri. The Complete Essays 1973-1991, óp. cit, p. 29. Reproducido en este volumen, p. 134 5

Nicholas Cullinan, “From Vietnam to Fiat-nam: The Politics of Arte Povera”, October, nº 24, primavera de 2008, pp. 8-30. Disponible en: http://www. mitpressjournals.org/doi/pdf/10.1162/ octo.2008.124.1.8 [Última consulta: 2/12/2017]. 6

Romy Golan, “Flashback and Eclipses in Italian Art in the 1960s”, Grey Room, nº 49, otoño de 2012, p. 104. Disponible en: https://www.gc.cuny.edu/CUNY_ GC/media/CUNY-Graduate-Center/ PDF/Art%20History/Romy%20Golan/ Golan_Flashbacks.pdf [Última consulta: 2/12/2017]. 7

Véase Romy Golan, ibid., p. 104: “Las fotografías de estas piezas híbridas, al plasmar toda la parafernalia doméstica que rodea a los ‘cuadros espejo’, revelan además el grado de complicidad que se dio entre el arte italiano de la década de 1960 y el diseño de interiores. Para bien o para mal, el país acabaría siendo célebre por lo segundo". 8

Franco Vaccari, “Lo sguardo ciclico”, en Alberto Piovani (ed.), I grandi fotografi – Luigi Ghirri, Milán, Gruppo Editoriale Fabbri, 1983, p. 5. 9

Franco Vaccari, ibíd., p. 5.

10

Luigi Ghirri, “Kodachrome”, en Luigi Ghirri. The Complete Essays, óp. cit.,   p. 23. Reproducido en este volumen,   p. 76. 11

Luigi Ghirri, “f/11, 1/125, Natural Light”, en Luigi Ghirri. The Complete Essays, óp. cit., p.36. Reproducido en este volumen, pp. 134-135.

12

Louis Aragon, “Idées”, La Révolution surréaliste, nº 3, abril de 1925, p. 30. Véase Quentin Bajac, “Lo fantástico moderno,” en La subversion de las imágenes. Surrealismo, fotografía, cine, Madrid, Fundación MAPFRE /   TF Editores, 2010, p. 123. 13

Pierre MacOrlan, Atget: photographe de Paris (1930), Nueva York, Errata Editions, 2008. 14

Ugo Mulas, “The Process of photography”, Le verifiche, 1969-1972. Disponible en: http://www.ugomulas. org/index.cgi?action=view&idramo=10 90233017&lang=eng [Última consulta: 1/12/2017]. 15

Sobre este aspecto, véase en especial Carl Chiarenza, “Standing on the Corner. Reflections upon Garry Winogrand’s Photographic Gaze. Mirror of Self or World?”, Image magazine,   vol. 34, nºs 3-4, otoño-invierno de 1991. 16

Italo Calvino, Los amores difíciles, Barcelona, Tusquets, 1997 (1949-1967), p. 72. Traducción de Aurora Bernárdez.

23

Thomas Demand, “A Walk in the Park”, en La carte d’après nature, Londres, MACK, 2010. 24

Luigi Ghirri, “Omaggio a Walter Benjamin”, Ottagono, nº 93, 1989. 25

Joachim Schmid, “Reload Currywurst. Photo Sharing: You Can Eat Your Sausage and Have It, Too”, mayo de 2008. Disponible en: https:// fotokritik.wordpress.com/2008/11/11/ reload-currywurst/ [Última consulta: 29/11/2017]. Publicado en español como “Currywurst actualizada – Reload Currywurst”, en Joan Fontcuberta (ed.), ¿Soñarán los androides con cámaras fotográficas? – Do Androids Dream of Cameras?, Madrid, La Fábrica / Ministerio de Cultura, 2008, p. 286 (pp. 286-299). 26

Hito Steyerl, “In Defense of the Poor Image”, e-flux, nº 10, noviembre de 2009: http://www.e-flux.com/journal/10/61362/in-defense-of-the-poorimage/ [Última consulta: 2/12/2017].

17

Erwin Panofsky, La perspectiva como forma simbólica, Barcelona, Tusquets, 2003 (1927), p. 46. Traducción de Virginia Careaga. Sobre Panofsky y para un análisis más a fondo de la fotografía como “construcción” de la realidad, véase Pepper Stetler, “Franz Roh and the Art History of Photography”, en Object: Photo: Modern Photographs, The Thomas Walther Collection, 1909-1949, Nueva York, The Museum of Modern Art, 2014, p. 7. 18

Luigi Ghirri, Lezioni di fotografia, Macerata, Quodlibet, 2010, p. 163. 19

Ibíd., p. 146.

20

Ibíd, pp. 53-55.

21

Luigi Ghirri, “Prefazione”, en Luigi Ghirri. Kodachrome, Londres, MACK, 2012 (1978), p. 12. 22

Gilles Deleuze, “Preface to the English Edition,” en Cinema 2. The Time-Image, Minneapolis, The University of Minnesota Press, 1987, p. xi. La edición española del libro no contiene este prefacio: La imagen-tiempo. Estudios sobre cine 2, Barcelona, Paidós, 2004. Traducción de Irene Agoff.

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Jacopo Benci

"En un radio de tres kilómetros desde mi casa": Luigi Ghirri y las artes en Módena, 1969-1979 En 1969 Luigi Ghirri trabaja como delineante en una promotora inmobiliaria de Módena. Formado como aparejador, está ya interesado por la fotografía y, durante los fines de semana y las vacaciones, suele hacer excursiones por los alrededores de su ciudad. Ese año Ghirri se integra de manera activa en los círculos intelec­ tuales de Módena, donde conoce en primer lugar al artista Franco Guerzoni y, después, a través de él, a sus compañeros Carlo Cremaschi, Giuliano Della Casa y Claudio Parmiggiani. Todos ellos tienen formación en el campo de la pintura, pero desde 1965 han comenzado a distanciarse de las formas tradicionales de creación artística para abordar la poesía visual, la fotografía, la instalación y la performance. Pronto, la casa de Ghirri se convierte en un lugar habitual de encuentro y de debate. Entre las largas conversaciones que mantienen acerca de las direcciones que el arte de neovanguardia debe tomar, el papel de la fotografía es, sin lugar a dudas, un asunto prioritario. Ese grupo de artistas jóvenes, integrado por Parmiggiani, Cremaschi, Della Casa y Guerzoni, así como por Franco Vaccari y Oscar Goldoni, era uno de los catalizadores de la vida cultural de la ciudad de Módena desde los primeros años de la década de 1960. En 1964, un Goldoni de 22 años fue nombrado director de la Sala Comunale di Cultura, la galería municipal dedicada al arte contemporáneo. Un año más tarde, Vaccari publicó Pop esie, su primer libro de artista, mientras que Goldoni comisarió en la Sala Comunale di Cultura la exposición Zeroglifìco, Laboratorio/A con obras de Parmiggiani, Cremaschi y del poeta visual Adriano Spatola1. En 1966, Parmiggiani, Cremaschi y Della Casa fundaron en Módena la Galleria Alpha que, a lo largo de aproxima­ damente un año, presentó el trabajo de artistas y poetas internacionales como Jiří Kolář, Isidore Isou, Brion Gysin, Gil J Wolman, François Dufrêne y Henri Chopin. En el verano

40

Modena 1973

de 1967 Parmiggiani y Spatola organizaron el festival de arte y poesía experimental Parole sui muri en Fiumalbo, una pequeña ciudad de los Apeninos emilianos; las dos ediciones del festival, en 1967 y 1968, contaron con la participación de decenas de poetas, artistas, performers y cineastas vinculados a la neovan­ guardia provenientes de todo el mundo2. En los últimos años sesenta, Parmiggiani trabajaba entre Módena y Milán, en estrecho contacto con Vincenzo Agnetti, Pier Paolo Calzolari, Jannis Kounellis, Mario Merz y los poetas Emilio Villa, Mario Diacono y Nanni Balestrini. Junto con la incesante actividad cultural que se desarrollaba en Módena, un estímulo adicional llegaba de la mano de los debates literarios y artísticos que tenían lugar en las cercanas ciudades de Bolonia y Reggio Emilia en torno al crítico literario Luciano Anceschi, el crítico de arte Renato Barilli, el colectivo de neovan­ guardia Gruppo 63 y la revista Il Verri3. En el momento en que Ghirri entró en contacto con los artistas de Módena, su cultura artística provenía en gran medida de una for­ mación autodidacta, y compensaba esa carencia de un aprendizaje reglado con su curiosidad y amplitud de miras. Guerzoni lo recuerda así: “En las visitas nocturnas que solía hacer al minúsculo estudio [de Ghirri] me sorprendía la gran cantidad de libros y revistas que había allí, entre las cuales se contaban publicaciones de arquitectura y diseño. Creo que la pintura metafísica y el surrealismo, pero también el dadaísmo, influyeron enormemente en su trabajo, así como la obra de muchos fotógrafos estadounidenses, de Magritte y de Kolář, cuyo trabajo nos entusiasmaba a Parmiggiani y a mí”4. Un estudio iconográfico del trabajo de Ghirri durante la década de los setenta confirma los recuerdos de Guerzoni. Además de guiños evidentes al collage dadá y surrealista, las fotografías de Ghirri presentan una mezcla de apropiación de imágenes y fragmentos textuales 41

Jacopo Benci

típica de la poesía visual italiana de finales de la década de los sesenta. En concreto, ciertas fotografías de Ghirri fechadas entre 1970 y 1973 muestran sorprendentes similitudes con algunas de las imágenes de los libros de artista de Franco Vaccari Le tracce (1966) y Strip-street (1969)5. Sin embargo, las marcas, manipula­ ciones gráficas y verbales y otras intervenciones por parte de viandantes anónimos que vemos en las imágenes de Vaccari no las encontraremos en las fotografías de Ghirri6. En los escasos ejemplos en que los carteles aparecen rasgados, esa intervención anónima resulta más lírica que violenta, realza la imagen en lugar de envile­ cerla7. Desde el principio, Ghirri se mantuvo al margen de la facción más profanadora e icono­ clasta del dadaísmo y de las neovanguardias de los años sesenta. Su formación como aparejador le había aportado un aprendizaje teórico y práctico de disciplinas tales como la perspectiva, el dibujo técnico, la cartografía, así como la historia del arte8. Además, Ghirri estaba familiarizado con la práctica artística gracias a su tío, el pintor Walter Iotti, y antes de emprender sus viajes de turismo por Suiza, Francia y los Países Bajos en los últimos años sesenta, ya había visitado diversos museos y monumentos en Italia, lo que le familiarizó con el arte y la arquitectura del Renacimiento (sus imágenes de la década de los ochenta evidenciarán su conocimiento y admi­ ración hacia la obra de Fra Angelico, Antonello da Messina y otros artistas del quattrocento ita­ liano, al igual que por la de Morandi, Friedrich o Vermeer)9. Fue probablemente su pasión por la imagen (y su familiaridad con ella en sentido laxo, más allá del ámbito de la fotografía) lo que le aproximó a Guerzoni y a los demás, que provenían principalmente de la pintura. Por otro lado, ese era también un rasgo distintivo de su trayectoria respecto de la del resto de sus compañeros, que en los primeros años setenta iban abandonando los modos tradicionales de producción de imágenes para abordar la instalación o la performance y tendían a usar la fotografía con fines meramente instrumentales al tiempo que cuestionaban, criticaban o refu­ taban su cualidad icónica. 42

En este y otros aspectos, el planteamiento de Ghirri se acerca más al del Claudio Parmiggiani de los últimos años sesenta y primeros setenta. Más allá de la colaboración directa de Ghirri en los libros de artista Atlante10 y Alfabeto11, además del díptico fotográfico Pellemondo12, su contacto con las ideas y con el trabajo de Parmiggiani seguramente le supuso un estímulo. En noviembre de 1970 Parmiggiani presentó en la Galleria Civica di Modena una instalación temporal titulada Delocazione que más tarde replicaría y expandiría en una serie de óleos y en la publicación de un libro de artista de edición limitada13. Parmiggiani explicará años después: “Expuse ambientes completamente vacíos, desnudos, donde la única presencia era la ausencia, la huella en las paredes de todo lo que allí había ocurrido, las sombras de las cosas custodiadas en esos lugares. Los materiales utilizados para la creación de estos espacios, polvo, hollín y humo, contribuían a crear el clima de un lugar abandonado por el hombre, como después de un incendio, un ambiente de ciudad muerta”14. Esos mismos elementos, el vacío y la ausencia, están presentes también en el trabajo de Ghirri, aunque con un tono menos sombrío. Una fotografía de 1971 que muestra las características marcas y agujeros que quedan en una pared tras la retirada de un cuadro (o probablemente de un espejo, elemento recurrente en la obra de Ghirri durante los años setenta) remite directamente a Delocazione15. Pero los paralelismos entre la obra de Ghirri y la de Parmiggiani no se limitan a determinadas afinidades iconográficas; comparten también otro tipo de intereses, como los atlas, los mapas, la topografía, el surrealismo, los textos de Giordano Bruno, la pintura de Giorgio Morandi y los collages de Jiří Kolář16. Al tiempo que desarrollaba sus propios proyectos fotográficos durante los primeros años setenta, como por ejemplo Paesaggi di cartone, Colazione sull’erba o Atlante, Ghirri aportaba material fotográfico para trece libros de artista y catálogos de Guerzoni, Cremaschi, Della Casa y Parmiggiani; entre ellos se cuentan Atlante (1970) y Alfabeto (1971-1975) de Parmiggiani; Allucinazione portatile (1971),

Claudio Parmiggiani Delocazione 1970 Luigi Ghirri Modena 1973

Luigi Ghirri Atlante 1973

Franco Guerzoni Antropologie 1976-1978

Claudio Parmiggiani Atlante 1969

Luigi Ghirri Identikit 1979

Jacopo Benci

Franco Vaccari Sin título ("Club del Jazz") 1966 Luigi Ghirri Modena 1970

Affreschi (1973), Dentro l’immagine (1973), Rolleiflex/descrizione (1975) y Studio per flauto (1976) de Guerzoni; Rosso e blu (1973), Della Casa (1974) y Acronici (1976) de Della Casa17. De todos ellos, con quien Ghirri colaboró más estrechamente fue con Guerzoni, cuyo trabajo en esos años combinaba fotografía, artes gráficas, pintura, dibujo, collage y ensam­ blaje desde una perspectiva marcadamente analítica y experimental. Ghirri se encargó en gran medida de la parte fotográfica del trabajo de Guerzoni, lo que le llevó a explorar la periferia urbana de Módena y las zonas rurales colindantes para fotografiar fábricas, obras de construcción y antiguas granjas en ruinas. Además, Ghirri documentaba las instalaciones, performances y exposiciones de Guerzoni. La práctica de este tenía su raíz en la pintura, pero a ella incorporaba también diversas técnicas de grabado, fotografía, reproducción fotomecánica y, en muchos casos, yuxtaponía diferentes materiales y formas de intervenirlos. Guerzoni alteró las copias fotográficas que Ghirri propor­ cionó para Affreschi (1972-1973), Archeologia (1973) y Dentro l’immagine (1971-1975) utilizando pintura, pan de oro, salitre, azufre, carboncillo y yeso. Entre enero y febrero de 1972, Cremaschi, Della Casa, Guerzoni y Spatola participaron en la exposición colectiva Misura en el Palazzo dei Diamanti de Ferrara. Ghirri y Vaccari se encargaron de la documentación fotográfica de las instalaciones18. La fotografía, más que como obra en sí misma, seguía desempeñando un papel subalterno como instrumento de registro de obras de arte asentadas en un tiempo y un espacio determinados. Sin embargo, poco después se produjo un giro decisivo que otorgó a la fotografía una función distinta y más sustancial dentro de la práctica artística tanto en Italia como en el resto de Europa. Franco Vaccari lo ha recordado recientemente con estas palabras: “La emancipación de la fotografía comenzó a finales de la década de los sesenta en todo el mundo; en el arte conceptual, el uso de la fotografía estaba homologado al de otras técnicas artísticas. Pero el acontecimiento que verdaderamente abrió paso a la fotografía fue

la Bienal de Venecia de 1972. Por primera vez en la Bienal, el italiano y otros pabellones exhibieron obras de artistas que practicaban la fotografía en términos de igualdad respecto a otras formas de creación artística. Era algo que no había ocurrido antes”19. La exposición Combattimento per un’immagine. Fotografi e pittori que tuvo lugar en la Galleria Civica d’Arte Moderna de Turín entre marzo y abril de 1973, comisariada por Daniela Palazzoli y Luigi Carluccio, presentó un amplio panorama de la fotografía desde su invención hasta la escena contemporánea; se incluía a fotó­grafos como Lee Friedlander, Aaron Siskind, Diane Arbus y Ray Metzker junto a artistas vi­suales que empleaban la fotografía como Richard Long, Hamish Fulton, Meret Oppenheim, John Baldessari, Jan Dibbets, Kenneth Josephson, Joseph Kosuth, Duane Michals, Ed Ruscha, Giulio Paolini, Michelangelo Pistoletto, Germano Olivotto, Claudio Parmiggiani, Franco Vaccari y Ugo Mulas20. Un año más tarde, en 1974, la Galleria Civica de Módena inauguró una sección independiente dedicada a la fotografía, dirigida por Oscar Goldoni; se trata del único ejemplo en la Italia de la época de una institución pública local que emprende una actividad permanente en ese ámbito. Ghirri, que ya entonces atesoraba una nutrida biblio­ teca de libros de fotografía, monografías y ensayos críticos sobre la materia, e iba tejiendo una red de contactos con un buen número de fotógrafos italianos de relevancia como Mario Cresci, Guido Guidi, Roberto Salbitani o Giovanni Chiaramonte, estaba en la situación idónea para proponer ideas innovadoras para la programación del nuevo espacio expositivo21. Ghirri, que había conocido a Vaccari en 1972 a través de Guerzoni, le pidió que colabo­ rase en la selección de imágenes para su primera exposición (que tendría lugar en diciembre de ese mismo año) así como escribiendo el texto introductorio del catálogo22. Desde mediados de la década de los cincuenta hasta mediados de los sesenta, Vaccari practicó un tipo de fotografía que seguía la estela de Paul Strand y William Klein23. En 1965 dio un giro hacia la poesía 47

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visual, pero pronto pasó al conceptua­lismo y al arte narrativo desde una perspectiva multidisciplinar y a partir de 1968 también ejerció como crítico y teórico. Hacia 1969 ya había emprendido una crítica radical a las ideas de obra de arte y de autoría y, en una serie de intervenciones tituladas Esposizioni in tempo reale, confió la realización de la obra al azar, las contingencias del momento y la participación directa del público24. Vaccari participó en la sección Comportamento de Bienal de Venecia de 1972 con Esposizione in tempo reale n. 4 – Lascia su queste pareti una traccia fotografica del tuo passaggio25. En ella se limitó a instalar un fotomatón en la sala de exposiciones acom­ pañado de un texto en la pared que invitaba al público a hacerse una tira de fotografías y colgarla en el muro. Seis mil visitantes respon­ dieron a la invitación del artista. En su texto para el catálogo de Ghirri de 1972, que analizaba poco más de dos años de su producción, Vaccari elogiaba sus plantea­ mientos, que lo diferenciaban de los de otros fotógrafos que “pensaban que eran artistas” y para los cuales “el verdadero propósito de la fotografía es el de consolar [y] adornar”. Para Vaccari, Ghirri, en cambio, estaba “interesado en lo que podríamos llamar la banalidad coti­ diana” y “los nuevos espacios invadidos por el desarrollo urbanístico […] Su fotografía es dura, mira a las cosas directamente; no alude, no insinúa, no busca la complicidad de quienes la observan”26. A pesar de su interés por el conceptua­lismo, Ghirri abordó la cualidad figu­ rativa de la fotografía y cuestiones relativas a la autoría de manera menos directa que Vaccari. El trabajo de Ghirri desvela su mirada hacia los ar­ tistas conceptuales italianos –en especial hacia Giulio Paolini, pero también hacia Parmiggiani– que partían tanto de De Chirico o de Magritte como de Duchamp. Sin embargo, las diferencias entre Ghirri y Vaccari nunca entorpecieron su vínculo intelectual; al contrario, es muy proba­ ble que lo fortalecieran. En 1979, un ensayo teórico pionero escrito por Vaccari, Fotografia e inconscio tecnologico, apareció publicado en Punto e Virgola, el sello editorial de Ghirri27. En 1983 Ghirri pidió a Vaccari un nuevo texto 48

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sobre su trabajo para una pequeña monografía que se publicaría dentro de una serie de libros de gran difusión. En ese texto Vaccari arroja una mirada retrospectiva sobre más de una década del trabajo del fotógrafo e identifica como “uno de los rasgos característicos de las imágenes de Ghirri la presencia de una mirada dual que estructura las fotografías de manera dialéctica”; la “complejidad de lectura” de la obra de Ghirri surgía de una “inquietud perceptiva [y de una] consciencia de la inestabilidad de todo juicio”. Vaccari destacó Atlante e Identikit como los trabajos más emblemáticos de Ghirri. Definió Atlante como “una intervención cargada de valores conceptuales y simbólicos”, pues “deses­ tabiliza ciertas convenciones subconscientes que regulan el acto de fotografiar” y “nos hace entender de qué modo la noción misma de objeto es inasible”. Respecto a Identikit, Vaccari señala que “su rasgo más característico e inusi­ tado, dado que se enmarca en el género clásico del retrato, es la desaparición del personaje. En su lugar, lo que toma protagonismo son aquellos elementos que en la retratística [normalmente] permanecen en el fondo para señalar todos los ‘objetos de afecto’ [de la persona retratada]”. Para Vaccari, un aspecto central del trabajo de Ghirri es la organización de su obra en torno a series en las que cada fotografía puede cambiar de posición o combinarse de diferentes maneras; los “desplazamientos de significado”, la “movilidad” del trabajo de Ghirri lo mantenía “siempre abierto a ulteriores añadidos, inter­ cambios que lo convierten en una obra abierta a diferentes interpretaciones”. Y concluía: “Muchas fotografías juntas pueden revelar la presencia de determinadas constantes, ya sea en la forma en que acaecen los hechos o en cómo se orienta a nuestra atención. La ingente cantidad de imágenes que hoy están a nuestro alcance, y que conseguimos manejar mediante interven­ ciones similares al montaje cinematográfico para establecer estructuras de significado, nos genera nuevas actitudes; entre estas se cuenta la cons­ ciencia recientemente adquirida de que existe una ‘arqueología de la mirada’. El trabajo de Ghirri se mueve precisamente en esa dirección. Nos ha hecho entender lo ilusoria que es nuestra

seguridad en la transparencia inmediata de la mirada porque toda imagen está integrada en una ‘historia de las imágenes’”28. Ghirri reformuló algunos de los plantea­ mientos de Vaccari para amoldarlos a su propia estética. Uno de ellos es la noción de “viaggio minimo” (“viaje mínimo”), que Ghirri menciona en su primer texto impreso, publicado en diciembre de 1973: “me gusta […] viajar a través del atlas, y me gustan aún más los viajes míni­ mos de domingo en un radio de tres kilómetros desde mi casa”29. En 1976, el artista y crítico Adriano Altamira escribió que el concepto de viaje de Vaccari “se opone frontalmente a la idea de ‘viaje turístico’ pero por motivos diametralmente opuestos a los que podríamos imaginar. Está claro que el viaje de turismo, con sus promesas de aventura y exotismo, es sin duda un viaje expresamente diseñado, con el más amplio margen de predictibilidad, para clientes habituales que confían en que se les garantice un máximo de placeres (placeres sobre todo de carácter genuinamente infantil). […] Los ‘no-viajes’ de Vaccari (la mayor parte de ellos entre Módena, Ferrara, Bolonia y Milán, es decir, cerca de donde reside) proponen en cambio, en su absoluto desinterés por el lugar de destino y las largas distancias, la experiencia total del desplazamiento” 30. Los “viajes míni­ mos” de Ghirri también tenían como destino lugares anodinos: gasolineras, aparcamientos, solares vacíos, edificios y tiendas ruinosos se suelen dar cita en sus fotografías de los años setenta. Su esposa y colaboradora, Paola Ghirri, recordaba que su amplia colección de postales incluía “una parte dedicada a los no-lugares, [como por ejemplo] un instituto de enseñanza secundaria de Massa Fiscaglia, en la provincia de Ferrara, el acueducto de Casalgrande o la sede de la mutua sanitaria de San Felice sul Panaro. Luigi tenía una enorme colección de postales de ese tipo, que iba engrosando regu­ larmente. […] Las buscaba en los estancos más rancios, donde se acumulaban las postales más viejas e intrascendentes” 31. A lo largo de 1974 Ghirri tomó una fotografía del cielo cada día, dondequiera que estuviera. La serie de 365 imágenes, a la que

en un principio se refería simplemente como Cielo, acabo titulándose ‘∞’ Infinito. La ausencia de toda indicación sobre el contexto y el lugar donde fueron tomadas (a diferencia de otras fotografías de Ghirri, las imágenes de ‘∞’ Infinito no contienen ninguna referencia geográfica), niega de alguna manera la idea misma de viaje. La repetición del gesto fotográfico (que sugiere una progresión en el tiempo y al mismo tiempo en el espacio y, sin embargo, la niega mediante la monotonía del tema) contiene una referencia implícita al concepto duchampiano de readymade como aquel objeto que el artista escoge para convertirlo en obra de arte. En este sentido, ‘∞’ Infinito puede interpretarse en relación con el tipo de proyecto fotográfico de índole con­ ceptual basado en la repetición y la retícula que desarrollaban en ese momento ciertos artistas estadounidenses y europeos como Ed Ruscha, Douglas Huebler, Bernd y Hilla Becher o Jan Dibbets. En cualquier caso, no conviene olvidar que para 1972 Ghirri ya estaba en contacto con Vaccari, quien, en otoño de ese mismo año (en la misma época en que ayudaba a Ghirri a preparar su primera exposición), produjo una pieza en formato reticular titulada 700 km di esposizione Modena-Graz (1972). Recientemente, Vaccari ha manifestado: “En 1972 me invitaron a par­ ticipar en la Malerwochen de Graz. Viajé hasta Graz en mi coche; una vez allí, instalé en el propio automóvil la obra 700 km di esposizione. Aquel fue un ‘viaje mínimo’ en el sentido en que ni siquiera tuve que salir del coche. El término ‘viaje mínimo’ no se refiere tanto a la distancia como al medio utilizado. Ghirri conocía muy bien 700 km di esposizione. La pieza completa consistía en una serie de fotografías del cielo, de la parte trasera de diversos camiones y del suelo, tomadas en intervalos regulares de tiempo”32. La idea de Vaccari de fotografiar los camiones, el cielo y el suelo en secuencias regulares y la estructura reticular que aplicó a 700 km di esposizione muy probablemente sentó un precedente para el desarrollo de ‘∞’ Infinito de Ghirri; sus 365 fotografías del cielo también están organi­ zadas en retículas, al principio una para cada mes del año y más tarde como una única retícula que incluye todas las fotografías. 49

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FIG. 9

Il Kitsch ed. Gillo Dorfles 1968 Luigi Ghirri Venezia 1973 Luigi Ghirri Rimini 1977

Las exposiciones que a partir de 1968 organizó Arturo Carlo Quintavalle en el Departamento de Historia del Arte de la Universidad de Parma cumplieron un papel esencial en el desarrollo del debate artístico en la Italia de los primeros años setenta. Hacia mediados de esa década, Quintavalle ya había fundado en Parma un centro de estudios y museo de fotografía que en 1987 adopta el nombre de Centro Studi e Archivio della Comunicazione (CSAC)33. Su programación in­ cluía exposiciones de arte, fotografía y formatos relacionados con la comunicación (publicidad, carteles, revistas, juguetes o cómics) y el centro colaboraba con el departamento de fotografía del MoMA de Nueva York. Después de que Massimo Mussini, uno de los colaboradores más estrechos de Quintavalle, descubriera el trabajo de Ghirri en Módena en diciembre de 1972, este se convirtió en visitante habitual y también en colaborador del centro. Las exposiciones que Ghirri visitaba en Parma le permitieron familiarizarse con los debates contemporáneos en torno al arte y la fotografía y le brindaron un acceso directo a la fotografía estadounidense (de Walker Evans y Dorothea Lange a Lee Friedlander, Joel Meyerowitz y Garry Winogrand), a la fotografía italiana (de Ugo Mulas a Nino Migliori), así como a los diversos usos que algunos artistas contemporá­ neos italianos como Giulio Paolini, Luca Patella o Mario Schifano daban a la fotografía34. Ghirri solía citar a Walker Evans como el fotógrafo que sentía más próximo a su sensibilidad. No obstante, otros fotógrafos jugaron un papel igualmente significativo en la forja de su len­ guaje visual, como por ejemplo Lee Friedlander, Eugène Atget, Robert Frank, Ed Ruscha, Ken Josephson, Ugo Mulas, Mario Cresci, Mimmo Jodice, Guido Guidi o Roberto Salbitani. Ghirri tenía un enorme interés por los fotolibros; contaba, por ejemplo, con los volúmenes de Ed Ruscha Various Small Fires ([1964], 1970), Nine Swimming Pools and a Broken Glass ([1968], 1976) y Colored People (1972)35. Hacia mediados de la década de los setenta, la biblioteca se convirtió en uno de los motivos más recurrentes de la iconografía de Ghirri y

de Guerzoni, con anaqueles cargados de libros donde los títulos impresos en los lomos podían leerse como un texto corrido y como una suerte de retrato o biografía. En 1976, Ghirri realizó una amplia serie de fotografías dentro de la casa de su amigo, el escritor Daniele Benati; un buen número de ellas se centraban en las estanterías de Benati, en sus pósteres, fotografías y objetos personales. Guerzoni desarrolló este tema en una serie de obras titulada Antropologie (19761978), donde utilizó muchas de las fotografías de bibliotecas tomadas por Ghirri. En paralelo, entre 1976 y 1979, Ghirri hacía fotos de su bi­ blioteca personal que se expondrían por primera vez en Parma en 1979 bajo el título Identikit36. Un rasgo recurrente de las fotografías de Ghirri de la década de 1970 es el uso de la mise en abyme, de la imagen dentro de la imagen, mediante vallas publicitarias, anuncios, fotografías, pinturas, fragmentos de libros y de periódicos. Ghirri solía reproducir objetos e imágenes que se contradecían entre sí, como en una visión irónica de las investigaciones lingüísticas sobre la realidad y la representación emprendidas por artistas conceptuales como Kosuth y Paolini. Esta atención a la mise en abyme alcanzó su culmen con las series Identikit y Still Life, que Ghirri llevó a cabo a finales de los años setenta, y en la serie de polaroids de gran formato montadas en estudio que realizó en Ámsterdam entre 1980 y 198137. Identikit (1976-1979) es un autorretrato del artista in absentia a través de sus libros, discos, postales, utensilios para el diseño gráfico, fotos antiguas, guantes para la nieve y otros “objetos de afecto”. A pesar de no resultar tan atractivo visualmente como Atlante (1973), Identikit es una guía esencial del mapa cultural de Ghirri. Los objetos que Ghirri había orques­ tado en su biblioteca y que fotografió para la serie podrían considerarse “naturalezas muer­ tas” o “leerse”, literalmente, como pistas38 para entender el trabajo y el pensamiento de Ghirri39. El catálogo de su exposición en el Palazzo della Pilotta, organizada por la Universidad de Parma en abril de 1979, se cierra con las dos series, Identikit y Still Life. En ese volumen escribió sobre la primera: “Es un autorretrato que he 51

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delegado en ciertos objetos (libros, discos, etc.) que informan sobre mis conocimientos, mi cultura, mis fantasías, mi forma de pasar el tiempo leyendo, escuchando música o prepa­ rando viajes. Identikit es así el nexo ideal entre el trabajo realizado hasta ese momento y el que me planteo emprender a continuación. En este trabajo también quería dejar constancia de que considero absolutamente engañosa y cándida la convicción de que existe una mirada ‘libre’, incontaminada […] el hecho de decantarme por la fotografía es algo que me cataloga irremisible­ mente y que convierte mi mirada, como todas las miradas posibles hoy en día, en un capítulo más dentro de la historia de las imágenes”. Y concluye: “el libro en el que uno se adentra no le conmina a una espiral involutiva, a un replie­gue; es, al contrario, el lugar idóneo para conocer mejor el mundo físico”40. Uno de los libros que aparece en más de una ocasión en Identikit es la primera edición de Il Kitsch. Antologia del cattivo gusto, el célebre ensayo del crítico italiano Gillo Dorfles publicado en 196841. El planteamiento de Dorfles en torno a la cuestión de la definición del kitsch era en cierto modo normativo y prescriptivo, con poca flexibilidad para interpretar fenómenos del momento tales como los Beatles, que despachaba (en la línea de Theodor Adorno) como mera “música de consumo”. Sin duda, Ghirri leyó con atención Il Kitsch: los temas ahí tratados y sus ilustraciones se corresponden de manera directa con algunas fotografías de las series Paesaggi di cartone, Diaframma 11, 1/125, luce naturale, Colazione sull’erba, In scala e Il paese dei balocchi. En el capítulo del libro de Dorfles dedicado al tema del kitsch y el turismo podría estar la raíz del interés de Ghirri por las miniaturas y los souvenirs “artísticos”. En “El hombre-Kitsch como turista”, Ludwig Giesz se ocupa de los souvenirs y de las ruinas y, de manera más concreta, de la “familiarización de lo exótico” y la “exotización de lo familiar” como aspectos equivalentes que van de la mano del turismo42. En “Kitsch y arquitectura”, Vittorio Gregotti analiza la relación entre la miniaturización y el kitsch en relación con lo que él llama los 52

“jardincillos del contable”, que serán objeto de muchas de las fotografías de la serie Colazione sull’erba de Ghirri43. En su conclusión, Dorfles asegura que la culpa “[d]el baile de los ena­ nitos, de los conejitos, de la disneylandia, de la Swissminiatur” recae sobre una sociedad de nuevos ricos; y, al analizar la influencia del kitsch en el arte “serio”, alerta sobre el riesgo de una “utilización intencionada y consciente del kitsch” en la producción artística, en relación con la obra de René Magritte, Marcel Duchamp y Claes Oldenburg44. Parece que Ghirri reac­ cionó contra esa actitud despectiva de Dorfles encuadrando con su cámara objetos muy similares a los que ilustraban el libro que los estigmatizaba como kitsch45. En 1982 habló de “objetos que todo el mundo define como kitsch pero que para mí nunca han sido tal cosa, sino objetos cargados de deseos, sueños y recuerdos colectivos”46. En agosto de 1978, Ghirri fotografió un periódico arrugado tirado en una calle de Roma en el que puede leerse “come pensare per immagini” (“cómo pensar por medio de imá­ genes”), la frase que, según declaró más tarde, resumía sus planteamientos47. El azar quiso48 que esa frase fuera nada menos que el titular de un artículo de Gillo Dorfles en el que rebatía la consideración de E. H. Gombrich de que “la percepción siempre está necesitada de univer­ sales”. Dorfles sostenía que la “ambigüedad de la percepción suele ser la auténtica fuente del goce estético” y concluía: “¿Quién nos dice que pensar por medio de imágenes no es tan cons­ tructivo y ‘específico’ como pensar por medio de conceptos? […] Eso es por lo que nuestra manera de ‘pensar las imágenes’ (de iconificar el pensamiento) puede acercarnos más a la verdad oculta de las cosas, de los fenómenos […] que el pensamiento lógico-científico”49. Tal conclusión apuntaba en la misma dirección que el enfoque intuitivo y afectivo que Ghirri, liberándose del impulso más analítico y crítico que inspira su trabajo en los primeros años setenta, desarrollará en su fotografía de paisaje durante la década siguiente.

Roma 1978

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Notas

1

Cf. Stefano Bulgarelli, “Una città per la fotografia”, en Stefano Bulgarelli y Chiara Dall’Olio (eds.), Modena e i suoi fotografi dal dopoguerra agli anni Novanta, Milán, Skira, 2014, p. 13 (pp. 11-25); Mario Bertoni, “Le arti visive a Modena dal dopoguerra ai giorni nostri”, en Borghi, Borsari y Leoni (eds.), Il campo della cultura a Modena, óp. cit,   p. 199, nota 13 (pp. 193-230). 2

Cf. Alessandra Acocella, “Immagini come poesie. Fiumalbo 1967-1968”, en Avanguardia diffusa. Luoghi di sperimentazione artistica in Italia 1967-1970, Macerata, Quodlibet, 2017, pp. 13-49. 3

Arturo Schwarz y Claudio Parmiggiani, “Dialogo”, en Arturo Schwarz (ed.), Claudio Parmiggiani, Bolonia, Grafis, 1985, pp. 12 y 14   (pp. 9-50). 4

Franco Guerzoni, comunicación personal con el autor, 7/9/2017. La bi­ blioteca de Ghirri incluía el libro de Kolář Collages (Turín, Einaudi, 1976), Idem de Giulio Paolini (Turín, Einaudi, 1975) y el catálogo de la primera retrospectiva de Paolini: Maurizio Fagiolo, Arturo Carlo Quintavalle (eds.), Giulio Paolini, Parma, Università di Parma, 1976. 5

Compárese la fotografía Sin Título (“Club del Jazz”) en Franco Vaccari, Le tracce (Bolonia, Sampietro Editore, 1966, lámina 50), con el mismo motivo en la fotografía de Ghirri titulada Modena (1970), en Massimo Mussini (ed.), Luigi Ghirri, Parma, Università di Parma, 1979, ilustración 2 (recortada) y en Francesca Fabiani, Laura Gasparini y Giuliano Sergio (eds.), Luigi Ghirri. Pensare per immagini, Milán, Electa, 2013, p. 106 (en la colección del CSAC de Parma se puede consultar la imagen completa); compárese también la fotografía sin título de un cartel publicitario que representa a una mujer con minifalda en Vaccari, Strip-street (París, Éditions Agentzia, 1969, p. [15]), con la fotografía de Ghirri Modena (en la que se lee “Apertura ore 14.30”), 1973, en Fabiani, Gasparini y Sergio (eds.),   óp. cit, p. 109. 6

Cf. Mussini (ed.), Luigi Ghirri, óp. cit. (1979), ilustraciones 23-25, 27, 30, 33, 35, 36, 39, 40, 43, 86-87, 94, 98, 112, 175 y 178. 7 8

Cf. ibíd, ilustración 42.

Ghirri obtuvo su diploma de aparejador en 1962, a los diecinueve años. 54

Después de trabajar por cuenta propia, en 1967 consiguió un empleo en la oficina técnica de Immobiliare Z, una de las promotoras inmobiliarias más importantes de Módena. Cf. Laura Gasparini, “Profilo biografico”, en Massimo Mussini (ed.), Luigi Ghirri, Milán, Federico Motta Editore, 2001, p. 52 (pp. 51-67). 9

En septiembre u octubre de 1961 un Ghirri de dieciocho años visitó una exposición dedicada a Andrea Mantegna en el Palacio Ducal de Mantua "que le llevó a profundizar en el estudio de la historia del arte". Laura Gasparini, “Profilo biografico”, en Mussini, (ed.),   óp. cit., p. 52. 10

Claudio Parmiggiani, Atlante, con textos de Emilio Villa y Nanni Balestrini y fotografías de Luigi Ghirri, Milán, Scheiwiller, 1970. 11

Parmiggiani recordaba que “las imá­ genes de Alfabeto las tomó Luigi Ghirri. Él y yo fuimos al Museo Spallanzani [en Reggio Emilia] y le dije lo que quería que fotografiara”. “Conversazione tra Claudio Parmiggiani e Angela Madesani”, en Angela Madesani (ed.), Rubare l’immagine. Gli artisti e la fotografia negli anni ’70, Milán, Edizioni Tega, n. d. [1999], p. 76 (pp. 76-79). Claudio Parmiggiani, Alfabeto, Reggio Emilia, [Museo di Storia Naturale Lazzaro Spallanzani], 1975. 12

Parmiggiani recordaba que: “los protagonistas [de Pellemondo] eran una esfera armilar cubierta de piel de vaca y un perro de manchas blancas y negras junto a ella. […] Llevé la esfera a casa de Luigi Ghirri. El resto de elementos eran parte del mobiliario de su casa de Módena”. “Conversazione tra Claudio Parmiggiani e Angela Madesani”,   óp. cit., p. 78. 13

Claudio Parmiggiani, Delocazione, 1970, Galleria Civica, Módena. Instalación: hollín y polvo sobre lienzo y cuatro lienzos (según el montaje que tuvo en la Galleria Barozzi de Venecia en 1971); y en otras versiones polvo y hollín sobre lienzo y muro. Ilustradas en Schwarz (ed.), Claudio Parmiggiani, óp. cit., ilustraciones 50, 51, 49 y 55 respectivamente. 14

Claudio Parmiggiani, en Elio Grazioli, La polvere nell’arte, Milán, Bruno Mondadori, 2004, p. 203. 15

Luigi Ghirri, Modena, 1971, en Elena Re (ed.), Luigi Ghirri. Fotografie del

periodo iniziale, Prato, Gli Ori, 2008,   p. 63, ilustración 51. 16

Cf. Arturo Schwarz, Claudio Parmiggiani, “Dialogo”, óp. cit.,   pp. 10, 11 y 15. “Como un alquimista, [Kolář] sabía convertir los objetos más humildes que vemos cada día en cosas maravillosas”, Claudio Parmiggiani,   “In memoria”, La Stampa, 26/8/2002. 17

Franco Guerzoni, Nessun luogo da nessuna parte. Viaggi randagi con Luigi Ghirri, Giulio Bizzarri (ed.), Milán, Skira, 2014, p. 41. Un listado detallado se puede encontrar en Luigi Ghirri, Niente di antico sotto il sole. Scritti e immagini per un’autobiografia, Paolo Costantini y Giovanni Chiaramonte (eds.), Turín, SEI, 1997, p. 415. 18

Cf. Mario Bertoni, “Le arti visive a Modena dal dopoguerra ai giorni nostri”, pp. 198-200. 19

Franco Vaccari, entrevista con el autor, 18/9/2017. 20

Entre las exposiciones que en años sucesivos combinaron fotografía y arte se cuentan Fotomedia, comisariada por Daniela Palazzoli en la Rotonda di Via Besana, Milán (marzo-abril de 1975) y Foto & Idea, comisariada por Giancarlo Bocchi e Ilaria Bignamini en la Galleria Comunale d’Arte Moderna y el Teatro Regio de Parma (abril-mayo de 1976). Ambas muestras incluyeron obras de Parmiggiani y Vaccari. 21

Cf. Cinzia Pollicelli, “Il racconto   delle attività culturali (1965-1985)”,   en Il campo della cultura a Modena,   pp. 165-166 (pp. 137-79); Laura Gasparini, “Profilo biografico”, óp. cit.,   pp. 53-55 (pp. 51-67). 22

Franco Vaccari, entrevista con el autor, 18/9/2017. 23

Cf. Luca Panaro y Roberta Russo (eds.), Franco Vaccari: fotografie 1955-1975, Milán, Baldini Castoldi Dalai, 2007. 24

Cf. Valerio Dehò, Vittorio Fagone, Nicoletta Leonardi y Franco Vaccari, Esposizioni in tempo reale / Exhibitions in Real Time, Bolonia, Damiani, 2007. 25

La exposición Opera o Comportamento constaba de dos secciones: Opera, comisariada por Francesco Arcangeli, que analizaba el arte como producción de objetos; y Comportamiento, comisariada por

Renato Barilli, que indagaba en la vertiente performativa del arte; los artistas invitados por Barilli fueron De Dominicis, Fabro, Merz, Olivotto y Vaccari. Cf. Giuliana Minghelli, “Interview with Franco Vaccari” en Sarah Patricia Hill y Giuliana Minghelli (eds.), Stillness in Motion: Italy, Photography, and the Meanings of Modernity, Toronto, Búfalo, Londres, University of Toronto Press, 2014, pp. 333-347.

Luigi Ghirri and the Photography of Place. Interdisciplinary Perspectives, Oxford, Peter Lang, 2017, p. 33, nota 14 (pp. 25-46). 36

El libro de Guerzoni Nessun luogo da nessuna parte contiene imágenes   de casi doscientas obras, la mayor parte de ellas basadas en fotografías realizadas por Ghirri. 37

Franco Vaccari, Fotografia e inconscio tecnologico, Módena, Punto e Virgola, 1979; Fotografia e inconscio tecnologico, tercera edición aumentada, Roberta Valtorta (ed.), Turín, Einaudi, 2011.

Hasta la fecha no se ha publicado ningún estudio dedicado de manera exclusiva a Identikit, mientras que sí existen monografías acerca de Still Life y Polaroid: Paola Ghirri (ed.), Luigi Ghirri – Polaroid. L’opera completa 19791983, Milán, Baldini Castoldi Dalai, 1998 [segunda edición, 2003]; Paola Ghirri (ed.), Luigi Ghirri – Still Life, Milán, Baldini Castoldi Dalai, 2005.

28

38

26

Franco Vaccari, [texto sin título], en Luigi Ghirri, Fotografie 1970-1971, Módena, [Tipografia Samar], 1972, s. p. 27

Franco Vaccari, “Lo sguardo ciclico”, en Alberto Piovani (ed.), I grandi fotografi – Luigi Ghirri, Milán, Gruppo Editoriale Fabbri, 1983, pp. 4-8. 29

Luigi Ghirri, “Paesaggi di cartone” (1973), en Niente di antico sotto il sole, óp. cit., p. 17. Texto reproducido en este volumen, p. 108 30

Adriano Altamira, “I viaggi di Franco Vaccari” [Art Dimension 5/6, junio de 1976], en Nicoletta Leonardi (ed.), Feedback. Scritti su e di Franco Vaccari, Milán, Postmedia Books, 2007, p. 32 (pp. 32-36).

Cf. Carlo Ginzburg, “Indicios. Raíces de un paradigma de interferencias indiciales” en Carlo Ginzburg, Mitos, Emblemas e Indicios: Morfología e historia, Barcelona, Gedisa, 1994,   pp. 176-197. La versión original del ensayo de Ginzburg en italiano, “Spie. Radici di un paradigma indiziario”, apareció publicada en Aldo Gargani (ed.), Crisi della ragione, Turín, Einaudi, 1979, pp. 57-106. Probablemente Ghirri lo conociera, pues fue un libro muy leído y debatido en la Italia de finales de la década de los setenta. 39

Arturo Carlo Quintavalle, Paola Ghirri, “Dialogo con Paola Ghirri”, en Paola Ghirri (ed.), Polaroid. L'opera completa 1979-1983, Milán, Baldini Castoldi Dalai, 2003, pp. 28-29   (pp. 25-31).

Un estudio detallado de las foto-­  grafías de Identikit muestra la importancia de autores como Bachelard, Benjamin, Blanchot, Borges, Caillois, Calvino, Duchamp, Eco, Foucault, Handke, LéviStrauss, Merleau-Ponty, Novalis, Perec, Pessoa, Proust, Queneau o Rilke.

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Franco Vaccari, comunicación personal con el autor, 18/9/2017. 33

Luigi Ghirri, “Identikit”, en Mussini (ed.), Luigi Ghirri, óp. cit, p. 85 (pp. 84-85) e ilustraciones 224-227. Texto reproducido en este volumen, p. 316.

Para una historia del CSAC y su programa de exposiciones desde 1968 hasta la dedicada a Ghirri en 1979, véase Arturo Carlo Quintavalle, “CSAC quarant’anni: l’archivio del Novecento”, en Arturo Carlo Quintavalle y Gloria Bianchino (eds.), Nove100. Arte, fotografia, architettura, moda, design, Milán, Skira, 2010, pp. 28-32 (pp. 15-55).

Gillo Dorfles (ed.), Il Kitsch. Antologia del cattivo gusto, Milán: Mazzotta, 1968 [trad. cast. de Jaume Pomar, El Kitsch. Antología del mal gusto, Barcelona, Lumen, 1973]. El lomo del libro se puede entrever en dos fotografías de la serie Identikit.

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En la serie Identikit de Ghirri se reproducen diecinueve catálogos del CSAC. 35

Sobre el interés de Ghirri por los fotolibros cf. Nicoletta Leonardi, “Between Reality and Representation”, en Marina Spunta y Jacopo Benci (eds.),

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Antología del mal gusto, óp. cit., p. 268 (pp. 251-272). 44

Gillo Dorfles, “Conclusión”, en Dorfles (ed.), El Kitsch. Antología del mal gusto, óp. cit, pp. 288-291   (pp. 287-298). 45

Cf. Dorfles (ed.), El Kitsch. Antología del mal gusto, óp. cit., ilustraciones 1, 15, 69-70, 245, 251 (gnomos de jardín y reproducciones en yeso); 26, 220 (mobiliario); 61, 161 (figuras de cera y películas biográficas); 89, 113, 114, 118-120, 130-134 (souvenirs y postales); 135, 137-138 (ciudades en miniatura y parques temáticos), con Mussini (ed.), Luigi Ghirri (1979), óp. cit., ills. 37, 63 (mobiliario); 38, 41 (souvenirs y postales); 65, 164 (gnomos de jardín y reproducciones en yeso); 109, 205223 (ciudades en miniatura y parques temáticos); 181-186 (figuras de cera). 46

Luigi Ghirri, “Ritratto” (1982), en Niente di antico sotto il sole, óp. cit.,   p. 276 (pp. 275-282). 47

“Esta serie [Kodachrome] se corona con fragmentos de imágenes encontradas por la calle y no es casual que en la última de ellas aparezca un periódico arrugado en el asfalto en el que se puede leer lo siguiente: “come pensare per immagini” [“cómo pensar por medio de imágenes”]. Esta frase condensa el sentido de todo mi trabajo […]” Luigi Ghirri, “Kodachrome (1970-1978)”, en Mussini (ed.), Luigi Ghirri, óp. cit., 1979, p. 67 (pp. 66-67) (la cursiva es mía). Texto reproducido en este volumen, p. 76. 48

Dado que Ghirri declaró que la frase condensaba todo su trabajo, que señaló que “no es casual” que esa fotografía sea la que cierre Kodachrome y que el contenido del artículo estaba en sintonía con sus intereses, es inevitable preguntarse si el encuentro con ese periódico fue más planeado que accidental. 49

Gillo Dorfles, “Come pensare per immagini. Una disputa su percezione e realtà” [Cómo pensar por medio de imágenes. Una diatriba sobre la percepción y la realidad], Corriere della Sera, 17/8/1978, p. 3.

Ludwig Giesz, “El hombre-Kitsch como turista”, en Dorfles (ed.), El Kitsch. Antología del mal gusto, óp. cit., p. 171 (pp. 155-74). 43

Vittorio Gregotti, “Kitsch y arquitectura”, en Dorfles (ed.), El Kitsch. 55

Fotografías de la década de 1970

En 1979 se presentó en el Palazzo della Pilotta de Parma la exposición más importante dedicada al trabajo de Luigi Ghirri hasta ese momento. Se titulaba Vera Fotografia y estaba formada por catorce series. En el catálogo de aquella exposición cada una de las series estaba precedida por un escrito breve del propio Ghirri. Este volumen recoge aquellos textos, presentados con el mismo orden que seguían en el catálogo de la exposición de 1979.

Fotografie del periodo iniziale Fotografías de la primera etapa 1970-1973

Más que explicar cómo llegué a la fotografía (la historia de cómo empieza y se va desarrollando mi actividad como fotógrafo me parece idéntica a la de muchos otros), creo que es preferible precisar el “sentido” que quiero dar al conjunto de mi trabajo. Por eso, me remito aquí a lo que escribí con ocasión de la publicación de mi libro Kodachrome. […] Además, me gustaría puntualizar algunos aspectos que considero fundamentales y constantes en toda mi obra. Nunca me ha interesado lo que habitualmente se define como estilo. El estilo es un lenguaje codificado y para mí la fotografía es un lenguaje sin código alguno; es decir, más que una reducción, es una expansión de la “comunicación”. El “estilo” fotográfico está implícito en la propia elección de la práctica de la fotografía, un lenguaje que inevitablemente delimita la visión mediante un encuadre horizontal o vertical. Y el encuadre conlleva siempre una supresión, una exclusión de algo. Siempre he afrontado la “escena” de una manera directa, me he situado ante aquello que me propongo representar en posición frontal, evitando cualquier forma de corte o pérdida. Confío el revelado y la impresión de mis fotos a laboratorios convencionales, pues nunca me ha interesado la producción de fetiches para coleccionistas, ni mucho menos los procesos de “maquillaje” de la imagen. Toda elección estética

o formal está ya implícita en el propio gesto de fotografiar. Otro de los motivos por los que delego en este tipo de laboratorios es porque garantizan una óptima calidad de impresión y de acabado. Por otro lado, tampoco me atrae el problema de la forma fotográfica, con las inevitables servidumbres que se derivan de un cuidado obsesivo de la impresión, de la aplicación de virajes y reservas destinados a obtener un resultado “más allá”. Tomo fotografías en color porque el mundo real no es en blanco y negro y porque para algo se han inventado el negativo y el papel fotográfico en color. Las llamadas “técnicas alternativas”, los añadidos off camera siempre me han recordado al bricolaje, sobre todo por su ridículo intento de recuperar para la fotografía (¡!) técnicas obsoletas o incluso manualidades pretecnológicas. Suelo utilizar un objetivo normal, un gran angular y un teleobjetivo de medio alcance. No uso filtros ni lentes especiales. No me gusta que se note qué objetivo he usado. Mi verdadero “objetivo” no tiene nada que ver con el objetivo óptico. He intentado no etiquetarme en géneros o fi­ liaciones, por eso he trabajado en líneas distintas simultáneamente. En un proceso de activación del pensamiento, no ha sido mi intención hacer FOTOGRAFÍAS, sino PLANOS, MAPAS que sean, al mismo tiempo, fotografías.

Luzern 1971

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Modena 1970

Scandiano 1971

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Luzern 1970-1972

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Modena 1970

Amsterdam 1973

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Zürich 1973

Sin título 1971-1973

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Paris 1972

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Paris 1972

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Pescara 1972

Modena 1972

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Paris 1972

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Kodachrome 1970-1978

Este es mi primer trabajo con una estructura concreta y articulada. Marca un momento importante porque despliego un interés por una realidad de segundo grado del que nacerán y se desarrollarán muchos de mis proyectos posteriores. La serie está subdividida en varias secciones netamente articuladas: mujeres, hombres, parejas, niños, animales, rituales, el mundo de la cultura, personajes célebres, paisajes y naturaleza. Mi interés por la destrucción de la experiencia directa nace en estas fotografías, que no quieren hablarnos de cómo las imágenes invaden el entorno en que vivimos, sino que más bien nos proponen analizar la relación entre lo verdadero y lo falso, entre lo que somos y la imagen de lo que deberíamos ser; tratan de descifrar algunos aspectos relacionados con la ocultación y la negación de la verdad. Distinguir lo verdadero de lo falso resulta cada día más difícil, mientras que trascender la inmediatez de lo visible nos parece directamente imposible. He elegido imágenes al alcance de todo el mundo (de la calle, de escaparates, etc.) para extraer sus valores emblemáticos y simbólicos y, por ende, observar la realidad como ente complejo imposible de reducir a esquemas o fórmulas. El motivo de la realidad y la ficción, del ser y el parecer indica hasta qué punto la experiencia directa ha sido destruida, y sugiere cómo esa ausencia nos obliga a esforzarnos cada día para intentar recuperar aquella experiencia; pero para comprometernos a ello, el primer paso es tomar conciencia de esa pérdida. Quizás por esto muchos han escrito que la fotografía muestra siempre aquello que sabemos de antemano: lo consabido. Yo, en cambio, creo que tal aserción debe ser matizada de este modo:

la fotografía muestra siempre aquello que creemos saber de antemano. Esta serie se corona con fragmentos de imágenes encontradas por la calle y no es casual que en la última de ellas aparezca un periódico arrugado en el asfalto en el que se puede leer lo siguiente: “come pensare per immagini” [“cómo pensar por medio de imágenes”]. Esta frase condensa el sentido de todo mi trabajo, como la cita de Giordano Bruno: “pensar es especular con imágenes”. Kodachrome no pretende simplemente señalar la existencia de meras similitudes formales, sino proponer una reflexión especular sobre la multiplicación de esas analogías (la fotografía es análoga a la realidad; y mis últimos trabajos, análogos a su vez a esa realidad subrogada). La fotografía de una fotografía es un reflejo especular, un instante en el que dos imágenes se anulan mutuamente para así convocar a la cualidad física del mundo del que ambas surgen. Muchos (y no solo en referencia a este trabajo) han tomado este tipo de fotografías por fotomontajes. Pero en realidad estas obras (que yo preferiría llamar “fotodesmontajes”) aspiran a dar testimonio de un colosal fotomontaje preexistente: el del propio mundo material. En todo caso, la fotografía es, por definición, surreal, pues se basa en la variación de escala y en la superposición de planos; posee un doble carácter de imagen consciente (¿?) e inconsciente (¿?) de una realidad ausente. La realidad en el sentido más amplio del término se va transformando cada día en una descomunal fotografía; el fotomontaje ya se ha consumado: está en el mundo real. Modena 1972

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Luzern 1972

Modena 1972

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Modena 1971

Modena 1971

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Modena 1971

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Luzern 1971

Suiza 1971-1973

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Modena 1970

Modena 1970

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Modena 1973

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Modena 1973 Modena 1973

Modena 1973 Modena 1973

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Bastia 1976

Modena 1971

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Egmond aan Zee 1973

Modena 1972-1974

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Hergiswil 1972

Engelberg 1972

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Luzern 1973

Calvi 1976

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Modena 1973

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Modena 1974

Hergiswil 1972

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Modena 1973 Modena 1973

Modena 1973 Reggio Emilia 1973

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Rotterdam 1973

Reggio Emilia 1972

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Paesaggi di cartone Paisajes de cartón 1970-1973

En mis viajes nunca me he alejado demasiado. He viajado a Suiza, Francia, Austria, Alemania, Holanda y también por la Italia central y meridio­ nal. Y siempre durante las vacaciones de verano o los fines de semana. Cuando viajo hago dos tipos de fotografías: las habituales, esas que todo el mundo hace, que al fin y al cabo me interesan poco o nada; y las otras, las que sí me importan, las únicas que considero verdaderamente "mías". En "mis" fotos los temas son los más coti­ dianos, proceden de nuestro campo visual habitual: son, en definitiva, imágenes que estamos acostumbrados a percibir de manera pasiva; aisladas del contexto habitual de la realidad circundante, replanteadas fotográficamente dentro de un discurso distinto, esas imágenes se revelan cargadas de un nuevo significado. Podemos entonces percibirlas de manera activa; es decir, podemos emprender una lectura crítica.

Por eso me interesa sobre todo el paisaje urbano, la periferia, porque es la realidad que tengo que experimentar a diario, la que mejor conozco y la que por tanto mejor puedo replantear como un "nuevo paisaje" para su análisis crítico, continuo y sistemático. Por eso me gusta tanto viajar a través del atlas, y me gustan aún más los viajes mínimos de domingo en un radio de tres kilómetros desde mi casa.

Publicado por primera vez en Il Diaframma / Fotografia Italiana, nº 188, diciembre de 1973, Paesaggi di cartone es uno de los primeros conjuntos de obra de Ghirri. Fue incorporado a un grupo más amplio titulado Kodachrome para la exposición de 1979 en Parma.

Paesaggi di cartone [Caja de portfolio con 16 diapositivas en color]

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Amsterdam 1973

Modena 1973

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Reggio Emilia 1973 Modena 1970

Modena 1972 Luzern 1972

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Amsterdam 1973 Modena 1972

Hergiswil 1972 Modena 1973

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Modena 1973

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Colazione sull'erba Almuerzo sobre la hierba 1971-1974

Desarrollé este trabajo en paralelo a Kodachrome, pero a diferencia de este lo di por concluido en un lapso de tiempo relativamente breve, de solo dos años. Si Kodachrome estaba protagonizado por la imagen fotográfica, en Colazione sull'erba el punto de interés se desplaza hacia la imagen mítica de la naturaleza y de la casa. La serie no es un simple rastreo de las zonas verdes de las periferias urbanas, sino que aspira a proponer un análisis, una reflexión. Esta serie de fotografías trazan, además de un retrato existencial, un conjunto de referencias al mundo natural, a la casa y a sus habitantes actuales. Aunque su rigor geométrico genera una sensación de despojamiento (como por ejemplo en la supresión del significado de un objeto mediante su repetición indiscriminada), el gesto decorativo de incorporar una pequeña planta o un árbol podría sugerir que hay un cierto cuidado, un esmero en intentar negar ese vacío. Por eso intenté trabajar de un modo aparentemente distanciado, más que irónico o crítico, pues me

pareció más eficaz a la hora de reconstruir un ente unitario a partir de la fragmentación de ciertos elementos decorativos y arquitectónicos. No fue en absoluto mi intención dictar una crítica implacable; al contrario, consideré el gesto de mirar como el primer paso para intentar comprender. La serie no pretende señalar así la degradación de la naturaleza en términos simbólicos, ni subrayar la progresiva pérdida de su carácter existencial, sino destacar de qué modo este es un aspecto de la realidad actual que no puede ser leído de manera unívoca, pues se encuentra instalado en una constante ambigüedad. En la elección del punto de vista frontal, apli­ cado aquí de manera explícita y manifiesta, hay toda una declaración de intenciones acerca de mi forma de abordar este asunto, evitando cualquier forma de manipulación formal más allá de una mirada directa que me permitiera comprender el tema en profundidad. Modena 1973

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Modena 1973

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Modena 1971 Bonn 1973

Modena 1973 Modena 1973

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Modena 1973

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Modena 1973

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Modena 1973

Modena 1973

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Catalogo Catálogo 1970-1973

Un catálogo es por definición el conjunto de imágenes de un mismo tipo de objeto. En esta serie apliqué a las imágenes una secuencia porque un catálogo es también una secuencia, una agrupación orgánica de objetos. Al mismo tiempo, y dado que siempre he dedicado mucha atención a las superficies, traté de evitar una repetición que inevitablemente habría acabado por contradecir mis propósitos e intenciones iniciales. Una excesiva reiteración solo habría conseguido inducir al espectador a una lectura doblemente mecánica, una interpretación de la realidad similar a la que yo mismo intentaba desmontar. Una lectura que, en definitiva, le habría impedido ver. La superficie es un elemento clave en la historia de la fotografía, desde los muros de Siskind a los esgrafiados de Brassaï o a la atención que en los últimos años se presta a la escritura callejera y grafiti urbano. No es mi intención dejar testimonio de signos del pasado ni aplicar un proceso de transferencia, pues la única superficie que me interesa es la fotográfica. Lo importante en mi trabajo es dejar constancia de la acción del tiempo más que descodificar ciertos signos u ofrecer amables campos de color. En definitiva, lo que me interesa es desplazar el foco de atención hacia la estructura de la superficie. Las fotografías de esta serie se fijan en los materiales que componen los muros que delimitan las periferias, las ciudades y las casas. Son objetos, superficies que desde siempre han cumplido una labor comunicativa directa por el simple hecho de ser observadas a diario. Pero si hablamos de esta mirada colectiva hacia las diferentes modalidades decorativas no podemos dejar de señalar también la existencia de una cierta mirada interior; las superficies establecen también sus propios códigos de comunicación, sus señas de identidad. El rigor geométrico de estas fotografías presentan analogías con otras ciertas referencias arquitectónicas provenientes sobre todo de mi

paisaje cultural más próximo. Y nos recuerdan que aun dentro de un esquema previamente trazado, las posibles combinaciones expresivas de las distintas piezas son infinitas. Si bien es verdad que la vestimenta de estas casas parece presa de una rigidez gélida, y que la ausencia de color nos devuelve paisajes grises y uniformes, no es menos cierto que la imagen de una persiana metálica pintada con la palabra “colori” [“colores”] nos permite intuir algunas de esas innumerables combinaciones. No quise constreñirme de manera exclusiva a lo que pudiera suscitar el título elegido sino sugerir que, más allá de la mera noción de acumulación esquemática, el significado del término “catálogo” descansa sobre la posibilidad de verter los datos para, a partir de ellos, establecer distinciones y conexiones, trazar relaciones y desmontar mecanismos. Esa es la intención implícita en las diversas secuencias fotográficas que presento: desenmascarar, mediante el cotejo de todo aquello que se presume idéntico con todo aquello que se presume diferente, el funcionamiento mecánico de la mirada, la deliberada voluntad con la que nos negamos a utilizar la vista como herramienta de conocimiento. Por ese motivo, en Catalogo, más que desplegar una serie de ejemplos, indico cómo el proceso de conocimiento se inicia con una primera activación de la mirada. La proliferación de la catalogación en el sentido literal del término (todos los camiones, todos los letreros, todos los aparatos, etc.), parece recor­ darnos que estamos preparando los documentos que tenemos que embarcar en una nueva Arca de Noé. Pero no creo que estos arsenales de objetos, gestos y personas sean una simple acumulación de pruebas, pues apenas poseen valor testimonial; sin embargo, si asumimos su inevitable limitación acabaremos aceptando el gesto mismo que se quiere negar: el del coleccionismo entendido como anestesia de la mirada. Modena 1971

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Carpi 1973

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Modena 1972

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Km. 0,250 1973

En este trabajo, iniciado en 1972, quise subrayar, a partir de las dimensiones y la repetición de ciertas imágenes, el carácter históricamente nuevo de ciertas imágenes que se presentan en el espacio público para su contemplación o disfrute. Resulta obvio insistir en la invasión de la publicidad en el espacio urbano y en nuestra vida. Por eso quise trascender ese asunto y subrayar, mediante secuencias insertas dentro de cada sección de fotografías, el carácter seriado de las imágenes actuales; es un rasgo que afecta incluso a aquellas que emiten mensajes distintos, dado que, en su concepción y estructura, sin idénticas. El resultado es un fresco de nuestros tiempos, asimilable, al menos aparentemente, a los archiconocidos frescos que pueblan iglesias y edificios públicos. Al igual que en aquellos murales, en estas imágenes seriadas expuestas a la mirada pública podemos leer nuestra propia vida. Pero el mensaje de estas se invierte porque, en lugar de remitir a una realidad común pre­ existente en la que podemos reconocernos (como en los frescos de las iglesias y palacios medievales), interviene como representación de nuestra vida preconcebida y planificada. Al estar lastradas por ese carácter seriado, estas imágenes podrían abocarnos a esa visión anestesiada a la que tendemos por inercia. Sin embargo, hay una diversidad incluso en todo aquello que es siempre igual, y esto nos llama la atención. Si al observar algo que es idéntico y diferente al mismo tiempo nos sentimos capaces de distinguir el aspecto a la vez intercambiable y unitario de ciertos productos, entonces no podemos escondernos bajo el pretexto de que esa conducta, esa mirada repetida y mecánica nos ha sido impuesta. Si antes he hablado de frescos es porque una de las claves de mi trabajo consiste en trastocar

los significados tradicionales de ese formato pictórico. Si en el fresco se condensaba la identidad personal y colectiva, también los trípticos repetidos de Km. 0,250 contienen una imagen a la vez común e individual. Pero el instante de la contemplación de un fresco es un momento de activación de la conciencia, de re-conocimiento, los actuales muros de imágenes, que leemos y asimilamos casi siempre desde el coche, son como cortes de celuloide cinematográfico proyectados a velocidad acelerada, y sus fotogramas no son más que imágenes imprecisas que consumimos con total pasividad; esa percepción incompleta de lo que pasa ante nuestros ojos des­activa por completo nuestra capacidad crítica. Por eso consideré que lo más lógico era presentar este trabajo en forma de secuencia fotográfica. Darle un formato más cinematográ­ fico, marcado por la temporalidad propia de ese medio, habría producido un efecto idéntico al de la realidad, lo que habría invalidado toda posibilidad de lectura. Por ese mismo motivo en otras series he intentado, cuando me ha sido posible, limitar el uso de la secuencia, no por un respeto preconcebido a la especificidad de lo fotográfico, sino para evitar la inevitable asimilación de ese formato con otros lenguajes como el cinematográfico. En general, he dado a mis secuencias (en especial las de trabajos como Catalogo) un aspecto seriado que me permite mostrar de manera clara la uniformidad en la diversidad y viceversa. Esto es algo que solo se desvela plenamente gracias a los tiempos de lectura que impone la fotografía. Por eso, como he dicho, he tratado de prescindir de montajes de carácter temporal, más propios de la gramática del cine, que se desarrolla plenamente mediante la fijación de momentos marcados por un “antes” y un “después”.

Km. 0,250 [Desplegable con 32 copias cromogénicas]

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Diaframma 11, 1/125, luce naturale Diafragma 11, 1/125, luz natural 1970-1979

Este trabajo, al igual que otros que he ido glosando, no se desarrolla de acuerdo con tiempos y modalidades impuestos a priori, sino que discurre de forma paralela a otros proyectos y a veces se entrecruza con ellos. Es un análisis de una enorme variedad de motivos que acaban perfilándose y encontrando su definición en relación con otros trabajos. Este es el método que he estimado más correcto para afrontar un tema recurrente en la historia de la fotografía y que, comúnmente o, mejor, atendiendo a los géneros tradicionales, podríamos definir como “acerca del hombre”. Muchas de estas fotos pueden adscribirse al género del reportaje o a una cierta tendencia fotográfica que suele definirse brevemente como “americana”, pero mi intención es completamente distinta. A pesar de que no comulgo con la ideología bressoniana, siempre me han parecido estériles y poco esclarecedoras las invectivas contra el celebérrimo “momento decisivo”; precisamente porque aunque tales críticas parten de una línea teórica acertada, sus resultados prácticos acaban por contradecir por completo dichos postulados, convertidos ya en un nudo inextricable. Y esta contradicción se materializa en las imágenes de la nueva fotografía americana, de Friedlander a Winogrand o de Meyerowitz a los retratos de Mulas. La fotografía se expresa, siempre y en todos los casos (incluso cuando aborda temas que parecen negar el transcurso del tiempo) en la concurrencia del tiempo de disparo con el

tiempo real y con el momento interno de su autor. Tampoco podemos aceptar que la elaboración previa de un plan de trabajo comporte una anulación del “momento decisivo”, pues ni siquiera el proyecto más firmemente definido nos libra de la influencia del azar. Por lo tanto, cuando digo que acepto como ineludible el “momento decisivo” obviamente no me refiero a que sea posible anular el tiempo lineal, intento que suele acabar condenándonos a una estética abocetada tan cargante como estéril. Al contrario, una vez reconocido dicho “momento decisivo” como parte de la estructura interna del lenguaje fotográfico, traté de concentrarme en la secuencia de imágenes y en las relaciones que genera. Este método, incluso en ausencia de una narrativa preestablecida o de un relato totalmente casual, facilitaba conexiones entre los distintos ámbitos de mi trabajo y me ayudaba a entender todo lo que andaba haciendo. Quizás mi consideración de la fotografía como un lenguaje liberador haya jugado un papel importante en esta toma de posición, y por eso no me he impuesto “censuras” lingüísticas que pudieran actuar en detrimento del pensamiento general que inspira este trabajo. He buscado esta “libertad” dentro de reglas que, aunque impuestas por el acto mismo de fotografiar, pueden parecer contradictorias. Y en ese camino me pareció que era extremadamente arriesgado asociarme a un género o a un estilo determinado, ya fuera en términos estéticos o lingüísticos, pues es una decisión que siempre supone una pérdida de honestidad y de valor

expresivo. Mi rechazo de esa adscripción a estilos o géneros está relacionado asimismo con un intento de evitar la sucesiva fragmentación de un lenguaje que ya de por sí es fragmentario: si se trata de delimitar, siempre me ha interesado más circunscribirme a un mundo centrado en la atenta observación y en el sentido de pertenencia. En este trabajo en concreto me han interesado, y no solo por su analogía con el acto de fotografiar, las situaciones en las que se trasluce el aspecto más efímero, ilusorio y aparentemente menos reglado del hombre y de sus momentos de libertad: en la playa, en el curso de un viaje, en espacios concebidos para el solaz o para la cultura, en esos instantes en que uno se olvida de su identidad cotidiana para asumir otra más libre, más auténtica, asociada a la fiesta y a los días de descanso. El aire congelado, casi como de estatua, que muestran muchos de los fotografiados en la serie no es una confirmación de que las personas han dejado de existir para ser sustituidas por sus maniquíes; al contrario, surge de mi convicción de que, en todos los casos, la persona fotografiada no es más que una fotografía. Fotografié a mucha gente de espaldas mientras observaban alguna imagen, el plano de una ciudad o un mapa con itinerarios. En ese tipo de fotografía, como en muchas otras, intentaba desplegar el infinito número de identidades posibles de cada persona, de mí mismo en el momento de tomar una foto y, en última instancia, del propio observador. Somos actores a tiempo completo, a menudo en acontecimientos que en gran medida desconocemos, entre decorados y bambalinas,

y lo somos incluso cuando transferimos a una fotografía una de nuestras identidades; y si actuamos así es para no olvidar que la búsqueda de una identidad única es siempre un camino tortuoso. Por eso, siempre que fotografío a un grupo de personas que posan para una foto de recuerdo, intento recordar que existe otra fotografía que nunca he visto, casi idéntica a la que yo he tomado, y que esa es la única de las dos que contiene la imagen intencional que desean dar de sí mismos. Hacia el final de la serie, algunas fotografías muestran a personas que tienden a evitar mi mirada directa escondiéndose detrás de diafragmas, espejos, letreros o cristales. Con esto no trataba de ocultar mi (¿?) incapacidad para ofrecer una imagen de esas personas, sino recordar que mi relación con ellas en el momento en que las fotografío pasa necesariamente por toda una teoría de lentes que, al igual que el cristal que nos separa, me permite mirar de soslayo. No me gustaría convertirme en ese escrutador oculto que acaba robando pruebas de vida ajena, ni tampoco convertirme en el ojo implacable e inflexible que mira directamente a la cara y que, inevitablemente, juzga. No, tengo una convicción muy distinta: en este teatro, entre decorados, bambalinas y actores, mi función como fotógrafo no debe confundirse con la del dramaturgo, el cronista, el espectador o el apuntador; mi papel aquí es idéntico al de quienes fotografío.

Karlsruhe 1975

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Salzburg 1977

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Parma 1979

Modena 1973 Luzern 1973

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Alto Adige 1971-1972

Luzern 1971

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Bologna 1973

Paris 1972

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Venezia 1973

Luzern 1973

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Modena 1973

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Verona 1973

Paris 1977

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Scandiano 1975

Lago di Braies 1979

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Paris 1977

Talamone 1974

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Venezia 1973 Venezia 1973

Padova 1973 Amsterdam 1973

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Paris 1972

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Modena 1972

Brest 1972

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Brest 1972

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Atlante Atlas 1973

El atlas es el libro, el lugar en que se representan por convención todos los signos de la tierra, los naturales y los culturales: montes, lagos, pirámides, océanos, ciudades, pueblos, estrellas, islas. En medio de este compendio de escritura y descripción podemos encontrar el sitio donde vivimos, el lugar al que nos gustaría ir o el camino que deseamos recorrer. Creo que el viaje a través del mapa, del gusto de muchos escritores, es uno de nuestros gestos mentales más naturales ya desde la infancia. Mediante una inevitable asociación de ideas y superposición de imágenes, completamos automáticamente con el pensamiento todo lo que falta. En este trabajo quise emprender un viaje hacia un lugar que paradójicamente borra la propia idea de viaje, dado que todos los viajes posibles ya han sido narrados y todos los itinerarios están trazados. Todas las arcadias, tan apreciadas por la literatura como anheladas por nuestras propias esperanzas, están ya descritas, de modo que el único descubrimiento o viaje posible parece ser el que invita a redescubrir un hallazgo anterior. De modo similar, se diría que el único viaje posible a estas alturas es el que nos conduce al interior de los signos, de las imágenes, un viaje que no busca una experiencia directa, pues esta ha sido

destruida. Si la palabra “océano” nos remite inmediatamente a infinitas imágenes posibles que atesoramos en la mente, a medida que la escritura desaparece, se desvanecen también meridianos, paralelos y números hasta que el paisaje se torna “natural”, renuncia a ser evocado para desplegarse literalmente delante de nosotros, como si ante nuestros ojos una mano hubiera sustituido el libro por un paraje real. La fotografía, con su poder para alterar cons­ tantemente nuestra relación con la realidad, trastoca los términos del problema al evocar una naturalidad “ilusoria”. En este caso, lo real y su representación convencional parecen coincidir. La formulación del problema se desplaza del espacio de la significación al de la imaginación. Así, el viaje tiene lugar dentro de la imagen, dentro del libro. Esta doble correlación, la de la imagen dentro de la imagen y la del libro dentro del libro, nos abre a las infinitas interpretaciones posibles que hay incluso en el mundo más cifrado. La experiencia ya consumada, aparentemente totalizadora, se despliega como en la esclarecedora cita de William Blake: Si las puertas de la percepción se limpiaran, / lo veríamos todo tal cual es, infinito. Todas las imágenes de Atlante 1973

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Italia ailati

Italia a ambos lados 1971-1979

Cuando viajo en tren, siempre me divierte constatar la distancia que separa el paisaje que veo por la ventanilla de las fotografías que decoran cada compartimento con recurrentes torres de Pisa, catedrales románicas, ciudades renacentistas, montañas, lagos y pinares a la orilla del mar. El viaje es doble: uno tiene lugar al otro lado del cristal y el otro en el interior del compartimento. Quizás fruto de esta observación titulé mi viaje por Italia Italia ailati, porque no trataba solo de ofrecer la imagen del viaje desde la ventanilla, sino también mostrar la superposición de ese otro viaje que se desarrolla dentro del vagón. Es un auténtico sándwich de imágenes entre un viaje y el otro: uno a través de una Italia oficial, estática, omnipresente; el otro a una Italia más escondida, vista de prisa como las imágenes más intrascendentes de una película. Las dos visiones solo llegan a compenetrarse en el mundo real. Aunque las almenas de las torres refieren un pasado glorioso, con las golondrinas volando aún a su alrededor, no consiguen ocultar las cercas de cemento recortadas sobre el fondo de un cielo azul. En mi trabajo no intento atestiguar la banalidad cotidiana señalando su faceta más kitsch, sino el deseo de conocerla y descifrarla relacionando estos dos paisajes para descubrir sus afinidades y discordancias. El pasado se hace presente en una jaula con la forma del Palacio Ducal de Urbino o en las réplicas en miniatura del David interrogándose unas a otras en un escaparate de Roma. Pero en las zonas periféricas o en lo alto de las colinas no siempre aparece el cartel de “Se vende”. En esta serie, formada por ahora por doscientas fotografías, me planteo unas preguntas ante el fondo de un paisaje que a veces me resulta completamente ajeno a causa de esas superposiciones de tiempos, estructuras y objetos. Quizás me resulte extraño precisamente porque es demasiado familiar, tanto como para no fijarme en él, para darlo por descontado. Pesan sobre ese paisaje demasiados recuerdos personales como para que me vea capaz de descifrarlo de manera suficientemente distanciada y lúcida.

Los vestigios del pasado son hoy más que nunca espectadores teatrales que se insertan en el transcurso de la historia como entes excluidos del transcurso de su trama, que se personan en el presente en forma de alucinaciones o símbolos aberrantes. Sin embargo, en este escenario, en este lugar de desencuentros, podemos leer ciertos mensajes sobre nuestra identidad. Muchos han visto en estas imágenes un interés por “la banalidad cotidiana” o por lo kitsch; pues bien, tengo que decir que no me preocupa ninguno de los dos temas. No me interesa levantar acta de la existencia de objetos procedentes del inconmensurable catálogo de lo kitsch al que han sido apresuradamente confinados y cuya única culpa es la de ser el fruto de dinámicas excluyentes. Para mí esa “banalidad cotidiana” está en la mirada de quien se muestra incapaz de discernir, está en la actitud de quien solo acepta como verdad lo que ya ha ocurrido, lo que ya ha sido codificado. Porque no es kitsch el objeto representado, sino el gesto acrítico que relega un objeto al gueto de lo insignificante, como una atracción propia de una de las barracas que pueblan la feria de los objetos. Fotografío aquello que se considera kitsch porque puede suscitar cuestiones acerca de su cualidad de material de desecho, o aspectos relacionados con la diferencia entre la copia y el original, entre el pasado y el deseo que esas imágenes despiertan en el presente. Si nos atuviéramos a la etimología del término kitsch, a sus acepciones más inmediatas, como la variación de escala, la duplicación, la falsedad, la repe­ tición idéntica, las teorías sobre la similitud, ¿no podríamos acaso catalogar todas las fotografías como algo inevitablemente kitsch? En el desarrollo de este proyecto tenía en mente también en una cierta “identidad territorial” que, en mi opinión, no puede activarse más que a partir de los conceptos que acabo de formular. Si revisitamos el pasado, las estructuras de la ciudad, las imágenes que hemos visto, nuestro “paisaje” en definitiva, y lo ponemos en relación con el presente, entonces seremos capaces de identificar, verificar, desenmascarar para, al fin, proyectar “un paisaje”.

Modena 1973

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Modena 1973

Modena 1973

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Scandiano 1973

Vignola 1974

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Marina di Ravenna 1973

Reggio Emilia 1973

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Modena 1973 Modena 1973

Modena 1973 Via Emilia 1973

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San Polo d’Enza 1973 Carpi 1974

Sassuolo 1973 Modena 1973

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Talamone 1974

Lido di Spina 1978

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Roma 1978

Roma 1977

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Il paese dei balocchi El país de los juguetes 1972-1979

El título de esta serie, Il paese dei balocchi, hace referencia a la historia de Pinocho. Aquí, como en el libro de Carlo Collodi, ese país es el espacio o, mejor, son los espacios en que desaparece la dimensión de lo “cotidiano”, donde podemos (como en las fábulas) emprender un viaje a la fantasía, hacia una realidad paralela, donde surgen cambios de escala y re-construcciones; una expedición al pasado, al paisaje legendario de un tiempo remoto. Cuando empleamos esta mirada panorámica, ese mundo que la rutina oscurece a diario despliega ante nosotros un presente eterno, ajeno a la sucesión repetitiva de los trabajos y los días. Los parques de atracciones, auténticas ciudades de descanso dominical, son increíblemente similares a la propia fotografía, no solo porque la mayor parte de las fotos (mira qué casualidad) se toman los domingos, sino también porque la fotografía, al igual que esos lugares, nos presenta una duplicidad, nos brinda un viaje fantástico marcado por la alteración de la escala, por la citada re-construcción, por la traslación al

presente absoluto de todo instante, todo gesto, todo objeto y todo pasado. Donde resulta más elocuente esta comparación es en el cambio de escala, como por cierto nos muestran Los viajes de Gulliver o Alicia en el país de las maravillas. Cuando variamos la escala de referencia, el mundo parece visto a través de un telescopio, de un microscopio, o por unos prismáticos del derecho y del revés. En algunas fotografías se desvela el armazón de la fábula, las estructuras que la sostienen, las tuberías que la recorren y los objetos que mantienen en pie este “país”. Pero esa presencia no resta magia a la escenografía ni anula la fantasía ilusoria; los andamiajes son en sí mismos construcciones fantásticas que alimentan esa atmósfera lúdica y alargan la distancia que la separa de la vida cotidiana. Decidí cerrar la serie con la foto de un bosque (una reconstrucción en miniatura de la Haus der Natur de Salzburgo) porque es el espacio de las fábulas, del misterio, y también el lugar donde, en los cuentos, se suele encontrar el sendero.

Modena 1974

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Modena 1978

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Modena 1978

Modena 1978

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Modena 1978

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Modena 1978

Modena 1979

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Modena 1978

Modena 1978

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Modena 1978 Modena 1978

Modena 1978 Modena 1978

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Salzburg 1977

Salzburg 1977

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Salzburg 1977

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Salzburg 1977

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Salzburg 1977 Salzburg 1977

Salzburg 1977 Salzburg 1977

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Amsterdam 1973

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Amsterdam 1973

Amsterdam 1973

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Amsterdam 1973

Amsterdam 1973 Amsterdam 1973

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Vedute

Vistas 1970-1979

En apariencia, este trabajo contiene múltiples focos de atención e interés, por lo que puede resultar menos coherente. Sin embargo, yo creo que representa la confluencia y el punto de partida de todas mis otras series. En ella hay indicios y conexiones que se articularán por completo más tarde, en otros contextos, y que aquí convergen a modo de síntesis. Usando un símil, podría haberla titulado Puzle. Si son numerosas las piezas de la serie que remiten a otras fotografías es, entre otras razones, porque, como ya escribí respecto a Kodachrome, considero que la realidad es algo complejo, estructurado e imposible de condensar. Creo que es esa dimensión intercambiable de las fotografías la que permite asociar el método que he puesto en práctica en esta serie con la forma en la que he abordado otras. Mi trabajo aquí consiste en recomponer, fragmento a fragmento y de manera metódica, una imagen que sea legible. La realidad está formada por piezas en espera de alguien que venga a medirlas, compararlas, encajarlas y memorizar aquellas que descarta para incorporarlas en otro momento; mediante este gesto, que yo llamaría de desenredo, poco a poco el bosque nos va pareciendo menos impenetrable. La imagen completa que obtenemos al final no resuelve el enigma porque el puzle terminado, al ser absorbido por el flujo de la existencia,

se convierte en una pieza más que espera el momento de ser colocada en su sitio. En este sentido, este proceso puede parecer inútil, pero cuando asistimos a la materialización de la imagen descubrimos que, por lo menos, hemos unido todos los componentes de una de las piezas. En muchas de estas fotografías se recorta sobre el fondo del cielo azul una serie de signos, símbolos, letreros, objetos todos que parecen haber caído del vacío para luego ir diseminándose por la tierra en diversas direcciones. Esta tendencia mía a perseguir a los objetos y durante la persecución encontrar otros objetos, espacios e imágenes no puede ser interpretada como un juego sin fin, pues es la realidad misma la que impone esa fragmentación, esa atomización: las piezas se encuentran repartidas de manera desordenada y se mezclan con otras provenientes de diferentes sistemas de imágenes. A diferencia de otros de mis trabajos, esta serie no tiene un carácter narrativo ostensible, pero creo que sí hay en ella algún tipo de relato. De hecho, me parece que es imposible evadirse de la narración aun cuando esta parece negársenos por completo y el objeto se identifica solo consigo mismo. En el instante en que tomo una foto estoy inserto de manera inevitable en una narración en la medida en que soy un individuo

sujeto a la historia, a una historicidad que, dado que estoy vivo, no puedo negar. Se pueden trazar algunos parangones entre esta y otra obra clave, Italia ailati, en la que también encontramos indicios, intuiciones y conclusiones que aparecerán en otras fotografías (véase por ejemplo In scala). Algunas de las secciones incluidas, como la de los espejos o la de los encuadres naturales, muestran evidentes vínculos con el propio hecho de fotografiar. Dada la cantidad de literatura al respecto, el tema de los espejos no requiere demasiada explicación. Son sobre todo los encuadres naturales los que suscitan algunas cuestiones: el gesto de fotografiar entendido como una herramienta de conocimiento y la preexistencia de una fotografía anterior en el mundo real bajo la forma de estructuras que enmarcan, ventanas y otros espacios donde se armonizan el interior y el exterior, lo abierto y lo cerrado. Como un catalejo que, enfocado hacia un lago, nos invita de manera implícita a activar nuestra mirada consciente, a centrar la atención en el mundo físico. Para estas imágenes, en mayor medida que para otras, encontré en el trabajo de Walker Evans una confirmación de lo que estaba haciendo y un estímulo para seguir adelante. Evans es el autor que siento más próximo, el que más he apreciado hasta hoy y al que sigo admirando por encima

de todos los demás. Creo firmemente que mi primer encuentro con algunas de sus fotografías en 1975 resultó fundamental para el trabajo que entonces andaba haciendo, para el que ya había hecho y también para el que emprendería en adelante. Además, nunca me ha preocupado el dilema entre una visión apriorística y una visión original, pues, como ya he explicado en numerosas ocasiones, considero que la fotografía es un lenguaje que cobra pleno sentido en su propia historia. De acuerdo con eso, los llamados “puntos en común” son inevitables y representan ocasiones de provechoso re-conocimiento. Por otro lado, estoy convencido de que ciertos roles asignados, tales como el de único testigo o el de artista, son a estas alturas nociones agostadas, fuera de debate, ridículas y reprobables; pues el fotógrafo no es otra cosa que un individuo que posee, más allá de una visión en todo caso personal, una historia (léase “pensamiento”) propia y autónoma. Por eso rechazo que se me exija ser un especialista de lo visual (no considero que el mío sea un “oficio del ojo”) y que se me obligue a tomar cada fotograma como una página en blanco sobre la que tengo que ejercitar una creatividad forzada o como el certificado de una visión única y superior.

L'ÃŽle-Rousse 1976

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Modena 1973

Modena 1974

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Egmond aan Zee 1973

Rimini 1977

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Paris 1977

Lido di Spina 1978

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Marina di Ravenna 1972

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Marina di Ravenna 1972

Marina di Ravenna 1972

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Marina di Ravenna 1972

L'ĂŽle-Rousse 1976

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Lido di Spina 1974

Lido di Spina 1974

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L'ÃŽle-Rousse 1976

Riva di Tures 1977

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Orbetello 1974

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L'ĂŽle-Rousse 1976

Marina di Ravenna 1972

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PaĂ­ses Bajos 1973

Orbetello 1974

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L'Île-Rousse 1976

L'Île-Rousse 1976

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L'Île-Rousse 1976

L'Île-Rousse 1976

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Haarlem 1973

Modena 1979

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Versailles 1977

Cluny 1977

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Egmond aan Zee 1973

Urbino 1975

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Paris 1977

Modena 1973

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Hergiswil 1973 Maranello 1974

Amsterdam 1973 Orbetello 1974

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Modena 1975

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Luzern 1973

Luzern 1973

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Salzburg 1975-1978

GroĂ&#x;glockner 1976

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‘∞’ Infinito 1974

Nunca me han gustado las fotografías “de naturaleza”. Ni las que presentan una naturaleza en su faz más misteriosa y metafísica, ni las que la fuerzan hacia la abstracción ayudándose de signos y grandes extensiones de color. Siempre he considerado este tipo de imágenes, en su desesperada tentativa de capturar el “momento natural”, irremediablemente opuestas al lenguaje fotográfico. Es precisamente el descubrimiento de la visión renacentista gracias a la cámara oscura (que no por casualidad se desarrolló en un contexto intelectual urbano) lo que refuta en buena medida esa visión “natural”. Bastaría con observar cómo se forma la imagen invertida dentro de un espacio cerrado, con comprobar cómo

la visión del mundo exterior pasa a través de un pequeño orificio, para excluir cualquier posibilidad de representar y conocer “la naturaleza”. Aunque la historia de la fotografía está llena de prodigiosos ejemplos que parecen contradecir esta convicción mía, no es menos cierto que todos esos casos se pueden considerar ejemplos meramente parciales: no son más que “instantes congelados” que podemos considerar iluminaciones o fulgores, y que nos remiten irremisiblemente a una fenomenología estética propia de otros lenguajes visuales tales como la pintura o el grabado. Cuando decidí fotografiar el cielo durante un año entero, a razón de una vez al día, quería

subrayar esa imposibilidad de traducir los rasgos de la naturaleza. La secuencia temporal de un año, condensada en las 365 fotografías que forman ‘∞’ Infinito, no es suficiente para restituir una imagen del cielo. Ni siquiera el lenguaje fotográfico, basado en la reiteración, la voluntad de repetición y la secuencia temporal, basta para fijar la imagen de un aspecto determinado de la naturaleza. ‘∞’ Infinito se erige así como un potencial atlas cromático del cielo, de 365 cielos posibles. Incluso siguiendo una planificación tan precisa como lo es la de un calendario, el año solar de 1974 (cuando realicé el trabajo) no dejaría de ser lo que, de hecho, es: un año, imposible de cata­ logar, indistinguible a posteriori de todos los

demás. Así formulado, se diría que este proyecto sugiere que fotografiar es una actividad imposible; todo lo contrario: es en esta imposibilidad de delimitar el mundo físico, la naturaleza y el hombre donde la fotografía encuentra su validez y su sentido. La esencia última de la fotografía, su autonomía, descansa precisamente en esta dimensión de la misma como lenguaje no absoluto y en su poder para hacernos reconocer la cualidad inmensurable de lo real.

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‘∞’ Infinito 1974

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‘∞’ Infinito 1974

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In scala A escala 1977-1978

Titulé este trabajo In scala porque es una expresión que permite una interpretación inmediata. La escala es una convención que se suele utilizar para registrar e identificar el tamaño de un objeto mediante sus dimensiones espaciales. Es el criterio que nos sirve para pasar del dibujo a la construcción o para trasladar el mundo físico a un formato gráfico interpretable. La escala nos indica por tanto una diferencia. En este atlas/manual en tres dimensiones lo que está representado a escala es Italia: sus monumentos, montañas, ruinas, plazas, iglesias y lagos. Como ya escribí a propósito de Il paese dei balocchi, aquí la escala oscila entre sus límites extremos: macroescala y microescala se presentan de manera simultánea para acabar gene­ rando un completo “efecto de extrañamiento”. Aunque nos sintamos como Gulliver en el país de Lilliput, en ningún caso debemos olvidar que transitamos un territorio enormemente vasto y que nuestro recorrido es también temporal, dados los vínculos que unen este “territorio” con la historia. La celebración de los mitos y lugares que atesoran una “identidad territorial” plantea una paradoja sobre este viaje delirante: en él vemos todo simultáneamente al mismo tiempo que asolamos con la mirada períodos históricos y distancias kilométricas. Todo acaba pareciendo un fotomontaje de dimensiones colosales: la plaza del Palio de Siena con el Mont Blanc al fondo, el atardecer que deposita su luz sobre los picachos del Cervino y tiñe de rosa los Dolomitas. Aunque todo esto en principio puede resultarnos conmovedor y hasta divertido, poco a poco se va despertando una duda… Acaso sea en ese espacio de absoluta ficción donde se esconde la verdad. Es solo en ese instante en el que contemplamos la plaza de San Pedro, cuando no necesitamos echar mano de las imágenes mentales que tenemos de ese lugar,

sino que volvemos a recorrer la distancia que nos separaba de la percepción de la realidad. Una pareja que se detiene allí para fotografiarse desata el cliché, la copia y estereotipo. Caminando por la plaza, en cambio, reconocemos los distintos estilos, evocamos viajes anteriores, regresamos de ahí a la realidad y a su doble (no al contrario). En esta gigantesca holografía de oleografías podemos medir el espesor de nuestros espejismos y mientras las sombras se proyectan sobre el Palazzo Vecchio de Florencia, lo real se proyecta en su doble, enmascarándolo. La máscara es tan visible que nada nos impide arrancarla y contemplar el rostro que oculta. En esta representación de nuestra propia historicidad, toda diferencia se hace patente, de manera que los estratos de imágenes y recuerdos no consiguen velar la realidad censurada. En esta unidad absoluta, que no es espacial ni temporal sino histórica, los letreros con sus indicaciones escritas funcionan como las acotaciones de un libro o de un manual, igual que las leyendas de los mapas, las orientaciones turísticas o las señales de tráfico. Aunque no se nos permita escalar esas montañas ni acceder a esos edificios, es cierto que sentados en un banco podemos viajar a nuestro interior y tomar conciencia de la cantidad de imágenes que ahí hemos acumulado, subir las escaleras y, cuando hayamos llegado tan alto como la cima de una montaña, ver más allá. Ver se convierte entonces en leer de manera transversal, atravesar de un solo vistazo la historia, el arte, la naturaleza, y llegar a contemplar incluso aquella imagen censurada. Ahí, en esa dimensión insólita, la sombra de una persona puede cubrir toda una plaza, en este gran teatro en el que a veces los actores son más altos que los decorados. Rimini 1977

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Rimini 1977 Rimini 1977

Rimini 1977 Rimini 1977

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Rimini 1977 Rimini 1977

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Rimini 1977

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Identikit

Retrato robot 1976-1979

Desde siempre, el interior de la casa ha sido la zona “privada”, el espacio testigo de las experiencias más íntimas y personales de sus habitantes. Para no salirnos del campo de la fotografía, bastará citar la incontable cantidad de imágenes de soplos de viento que levantan cortinas, de oscuros pasillos con la imprescindible puerta que se abre hacia una habitación iluminada o de camas deshechas que emergen de la penumbra. Una luz tenue y difusa suscita esa inevitable sensación placentera de refugio y protección. Son todas ellas la contraimagen de la verdadera casa, ya sea con paredes desnudas o, al contrario, sobrecargada de objetos simbólicos; de la casa como el lugar donde se consuman vivencias grotescas y horrendas; de la casa como cárcel donde se infligen torturas cotidianas. En esta alternancia entre el bien y el mal irrumpe el auténtico morador del espacio doméstico: la televisión, que cumple la misma función que un extraterrestre llegado para perturbar el drama de la vida cotidiana propio de una sociedad decrépita para la que las penalidades diarias representan la conciliación del bien y el mal. Identikit muestra de qué modo suelo utilizar mi propia casa en el curso de mi trabajo, mis rutinas ordinarias y mis costumbres más habituales. Es un autorretrato que he delegado en ciertos objetos (libros, discos, etc.) que informan sobre mis conocimientos, mi cultura, mis fantasías, mi forma de pasar el tiempo leyendo, escuchando música o preparando viajes. Identikit es así el nexo ideal entre el trabajo realizado hasta ese momento y el que me planteo emprender a continuación. En este trabajo también quería dejar constancia de que considero absolutamente engañosa y cándida la convicción de que existe una mirada

“libre”, incontaminada. Para confirmarlo, basta señalar cómo el hecho de decantarme por la fotografía es algo que me cataloga irremisiblemente y que convierte mi mirada, como todas las miradas posibles hoy en día, en un capítulo más dentro de la historia de las imágenes. Consecuentemente, con estas fotografías, más que pretender representarme, trato de presentarme. Cuando hojeamos un álbum de fotos lo que hoy somos ya pertenece al pasado, mientras que en un libro que leemos está esbozada buena parte de lo que seremos mañana. Por eso no he confiado mi autorretrato al relato del espacio que habito, a imágenes que me representan a mí o a mis seres queridos ni a la memoria conservada en el álbum familiar. Todas estas identidades posibles se habrían quedado en simples hallazgos arqueológicos, en malentendidos proustianos. He intentado mostrarme en el presente mediante los rasgos que lo atestiguan. El título adoptado es Identikit porque este formato es la descripción en el presente de un rostro a través de algunos rasgos que han quedado grabados en la memoria y que esperan el momento de poder precisarse con mayor detalle. Todas las fotografías producidas son experiencias directas, mediadas por mi conciencia de estar ineludiblemente inserto en la historia, en un lugar donde se entrecruzan reflexiones y visiones ajenas de las cuales no puedo prescindir. Es aquí donde se encuentra precisamente la experiencia directa, en esta capacidad de refle­ xionar y tomar conciencia de la no experiencia. El libro en el que uno se adentra no le conmina a una espiral involutiva, a un repliegue; es, al contrario, el lugar idóneo para conocer mejor el mundo físico.

Modena 1979

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Modena 1979 Modena 1979

Modena 1979 Modena 1979

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Modena 1979

Modena 1979

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Still Life

Naturaleza muerta 1975-1979

En estas fotografías el telón de fondo, el decorado, ya no se relaciona con la realidad circundante; su forma de entrar en diálogo directo con el mundo físico es mediante sombras, marcas del paso del tiempo, superposiciones de objetos o pequeños acontecimientos que requieren una lectura detallada para ser descubiertos. Las imágenes, al contrario de lo que sugiere el título de la serie, no son decorados inertes, sino que asumen un sentido ulterior, una segunda acepción al entrar en contacto con la realidad. El David se reactiva, manifiesta su historia y su presencia actual en compañía de unas colillas abandonadas en un cenicero. Un paisaje reproducido en un plato escapa de su función decorativa gracias a la presencia de un catalejo que le otorga el sentido que lleva implícito: el de la invitación a mirar. La fotografía es, en este trabajo, un lenguaje que trabaja mediante la acumulación instantánea

de significados, donde el mundo de los signos cambia de sentido al integrarse en el mundo físico para dar lugar a una tercera visión. Esta proyección mental es la que confiere sentido a estas fotografías. De modo similar, creo que también se puede encontrar en ellas el significado que para mí tiene el propio hecho de fotografiar: superponer una imagen preexistente al momento presente para obtener una última imagen. En esa brecha que se abre entre la represen­ tación convencional y el nuevo registro de lo que acontece, la fotografía escapa a su destino a través de esa imagen última que despliega ante nosotros infinitas posibilidades perceptivas. Ahí es donde se cimienta la autonomía del lenguaje fotográfico, en su capacidad de ser algo más que una mera duplicación o un simple cronómetro visual que congela el mundo físico. Modena 1979

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Modena 1975

Modena 1975

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Modena 1975

Paris 1977

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Modena 1979

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Modena 1979

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Modena 1979

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Slot Modena Machine 1970 1979

Slot Modena Machine 1970 1979

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Modena 1970

Slot Modena Machine 1970 1979

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Valle Modena Aurina1970 1979

Bressanone Modena 1970 1979

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Modena 1970

Modena 1979 1970

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Listado de obras

Fotografie del periodo iniziale [Fotografías de la primera etapa] página 4

página 66

Zürich 1973 Copia cromogénica, copia de 1979 24,8 × 17,2 cm CSAC, Università di Parma

Modena 1970

página 67

Copia cromogénica 21 × 14 cm Legado de Luigi Ghirri

Sin título 1971-1973

página 59

Luzern 1971 Copia cromogénica 17,8 × 12 cm Legado de Luigi Ghirri página 60

Modena 1970 Copia cromogénica 12 × 17 cm Legado de Luigi Ghirri página 61

Scandiano 1971 Copia cromogénica 12,7 × 17,7 cm Cortesía de la Repetto Gallery, Londres Legado de Luigi Ghirri página 63

Copia cromogénica 12,5 × 17,5 cm Cortesía de la Matthew Marks Gallery Legado de Luigi Ghirri página 69

Paris 1972 Copia cromogénica 11 × 17,6 cm Legado de Luigi Ghirri páginas 70-71

Paris 1972 Copia cromogénica 12,6 × 17,5 cm Legado de Luigi Ghirri página 72

Pescara 1972 Copia cromogénica 16,6 × 24,9 cm Legado de Luigi Ghirri

Luzern 1970-1972

página 73

Copia cromogénica 12,5 × 17,5 cm Legado de Luigi Ghirri

Modena 1972

página 64

Modena 1970 Copia cromogénica, copia de 1979 12,5 × 17,5 cm CSAC, Università di Parma página 65

Amsterdam 1973

Copia cromogénica 12,6 × 17,5 cm Cortesía de la Matthew Marks Gallery Legado de Luigi Ghirri página 75

Paris 1972 Copia cromogénica 18,5 × 28,5 cm Cortesía de la Matthew Marks Gallery Legado de Luigi Ghirri

Kodachrome página 77

Modena 1972 Copia cromogénica, copia de 1979 29,4 × 19,4 cm CSAC, Università di Parma página 78

Luzern 1972 Copia cromogénica, copia de 1979 21 × 29,8 cm CSAC, Università di Parma página 79

Modena 1972 Copia cromogénica, copia de 1979 29,2 × 19,9 cm CSAC, Università di Parma página 80

Modena 1971 Copia cromogénica 17,3 × 11,8 cm CSAC, Università di Parma página 81

Modena 1971 Copia cromogénica 17,3 × 11,8 cm CSAC, Università di Parma página 83

Modena 1971 Copia cromogénica 22,4 × 15,1 cm Cortesía de la Matthew Marks Gallery Legado de Luigi Ghirri página 84

Luzern 1971 Copia cromogénica 11,5 × 17 cm Museum Folkwang, Essen

Copia cromogénica 25 × 17 cm Legado de Luigi Ghirri

Modena 1970

345

Listado de obras

Listado de obras

página 85

página 92

página 102

Suiza 1971-73

Bastia 1976

Modena 1974

Copia cromogénica 17,5 × 12 cm Museum Folkwang, Essen

Copia cromogénica, copia de 1979 13,8 × 27,2 cm CSAC, Università di Parma

Copia cromogénica, copia moderna (2018) 23 × 31 cm Legado de Luigi Ghirri

página 86

página 93

página 103

Modena 1970

Modena 1971

Hergiswil 1972

Copia cromogénica 37,4 × 27,8 cm Cortesía de la Matthew Marks Gallery Legado de Luigi Ghirri

Copia cromogénica, copia de 1979 28 × 38,5 cm CSAC, Università di Parma

Copia cromogénica 19,4 × 29,4 cm Cortesía de la Matthew Marks Gallery Legado de Luigi Ghirri

página 94 página 87

Modena 1970 Copia cromogénica 37,4 × 27,8 cm Cortesía de la Matthew Marks Gallery Legado de Luigi Ghirri páginas 88-89

Modena 1973 8 copias cromogénicas, copias de 1979 15 × 10,1 cm CSAC, Università di Parma página 90

Modena 1973 Copia cromogénica 17,5 × 12,6 cm Museum Folkwang, Essen página 90

Modena 1973 Copia cromogénica 18,5 × 12,2 cm Legado de Luigi Ghirri página 91

Modena 1973 Copia cromogénica 17,5 × 12,2 cm Legado de Luigi Ghirri página 91

Modena 1973 Copia cromogénica 17,5 × 12,2 cm Legado de Luigi Ghirri

Egmond aan Zee 1973 Copia cromogénica 15,8 × 20,8 cm CSAC, Università di Parma

página 104

Modena 1973 Copia cromogénica, copia de 1979 21,6 × 15,2 cm CSAC, Università di Parma

página 95 Copia cromogénica, copia de 1977 19,2 × 13 cm Bibliothèque nationale de France, París

página 104 Copia cromogénica 23,4 × 15,6 cm CSAC, Università di Parma

página 96

página 105

Hergiswil 1972

Modena 1973

Modena 1972-74

Copia cromogénica, copia de 1979 24,5 × 16,8 cm CSAC, Università di Parma

Copia cromogénica, copia de 1979 29,5 × 19,5 cm CSAC, Università di Parma

página 97

página 105

Engelberg 1972

Reggio Emilia 1973

Copia cromogénica, copia de 1979 24,7 × 16,5 cm CSAC, Università di Parma

Copia cromogénica 23,4 × 15,6 cm CSAC, Università di Parma

página 98

página 106

Luzern 1973

Rotterdam 1973

Copia cromogénica 19,6 × 29,2 cm Cortesía de la Matthew Marks Gallery Legado de Luigi Ghirri

Copia cromogénica 23,4 × 15,6 cm CSAC, Università di Parma

página 99

Reggio Emilia 1972

Calvi 1976

Copia cromogénica 17,5 × 24,8 cm CSAC, Università di Parma

Cibachrome 28 × 22 cm Cortesía de la Matthew Marks Gallery Colección particular páginas 100-101

página 107

Paesaggi di cartone [Paisajes de cartón] página 109

Paesaggi di Cartone Caja-porfolio con 16 diapositivas   en color 60 × 40 × 8 cm CSAC, Università di Parma página 110

Amsterdam 1973 Copia cromogénica 15,6 × 23,3 cm CSAC, Università di Parma página 111

Modena 1973 Copia cromogénica 11,8 × 17,5 cm CSAC, Università di Parma página 112

Reggio Emilia 1973 Copia cromogénica 23,3 × 15,6 cm CSAC, Università di Parma página 112

Modena 1970 Copia cromogénica 23,4 × 15,6 cm CSAC, Università di Parma página 113

Modena 1972 Copia cromogénica 17,5 × 11,8 cm CSAC, Università di Parma página 113

Luzern 1972

página 114

Modena 1972 Copia cromogénica 19 × 14,3 cm CSAC, Università di Parma página 115

Hergiswil 1972

Colazione sull'erba

[Almuerzo sobre la hierba] página 119

Modena 1973 Copia cromogénica, copia de 1979 23,4 × 15,6 cm CSAC, Università di Parma

Copia cromogénica 23,2 × 15,6 cm CSAC, Università di Parma

página 120

página 115

Copia cromogénica 23,6 × 15,8 cm CSAC, Università di Parma

Modena 1973

Modena 1973

Copia cromogénica 23,3 × 15,8 cm CSAC, Università di Parma

página 121

página 117

Copia cromogénica 23,3 × 15,6 cm CSAC, Università di Parma

Modena 1973 Copia cromogénica 15,6 × 23,4 cm CSAC, Università di Parma

Modena 1972

página 122

Modena 1971 Copia cromogénica 15,7 × 22,9 cm CSAC, Università di Parma página 122

Bonn 1973 Copia cromogénica 16,5 × 24,3 cm CSAC, Università di Parma página 123

Modena 1973 Copia cromogénica 16 × 23,6 cm CSAC, Università di Parma página 123

Modena 1973

Copia cromogénica 23,4 × 15,6 cm CSAC, Università di Parma

Copia cromogénica 16 × 23,6 cm CSAC, Università di Parma

página 114

página 124

Amsterdam 1973 Copia cromogénica 23,3 × 15,6 cm CSAC, Università di Parma

Modena 1973 Copia cromogénica 16 × 23,6 cm CSAC, Università di Parma

Modena 1973 Copia cromogénica, copia moderna (2018) 22 × 14,7 cm Legado de Luigi Ghirri

346

347

Listado de obras

página 125

Modena 1973 Copia cromogénica 15,3 × 22,8 cm CSAC, Università di Parma página 126

Modena 1973 Copia cromogénica 15,8 × 23,3 cm CSAC, Università di Parma página 127

Modena 1973 Copia cromogénica 15,9 × 23,3 cm CSAC, Università di Parma página 128

Modena 1973 Copia cromogénica 23,2 × 15,8 cm CSAC, Università di Parma página 129

Modena 1973 Copia cromogénica, copia de 1979 28,6 × 20,2 cm CSAC, Università di Parma página 131

Modena 1973 Copia cromogénica 13,2 × 21,5 cm Legado de Luigi Ghirri página 132

Modena 1973 Copia cromogénica, copia de 1979 19,5 × 28,5 cm CSAC, Università di Parma página 133

Modena 1973 Copia cromogénica 24,8 × 16,5 cm Legado de Luigi Ghirri

348

Listado de obras

Catalogo [Catálogo]

Km. 0,250 páginas 149-153

página 135

Km. 0,250 1973

Modena 1971

Desplegable, maqueta con 32 copias cromogénicas cosidas 14,3 × 717,5 cm CSAC, Università di Parma

Copia cromogénica, copia de 1979 28 × 20 cm CSAC, Università di Parma

Diaframma 11, 1/125, luce naturale

página 165

página 173

Paris 1972

Lago di Braies 1979

Copia cromogénica, copia moderna (2018) 27 × 39 cm Legado de Luigi Ghirri

Copia cromogénica 24,8 × 37 cm Legado de Luigi Ghirri

página 166

página 174

Venezia 1973

Paris 1977

Copia cromogénica, copia de 1979 16 × 24,7 cm CSAC, Università di Parma

Copia cromogénica, copia de 1979 17 × 24,7 cm CSAC, Università di Parma

página 167

página 175

Luzern 1973

Talamone 1974

Copia cromogénica, copia de 1979 17 × 24,6 cm CSAC, Università di Parma

Copia cromogénica, copia de 1979 17 × 24,7 cm CSAC, Università di Parma

Parma 1979

página 168

página 176

Copia cromogénica 10 × 15 cm Legado de Luigi Ghirri

Modena 1973

Venezia 1973

Copia cromogénica, copia de 1979 16,8 × 25,6 cm CSAC, Università di Parma

Copia cromogénica, copia de 1979 16,2 × 24,3 cm CSAC, Università di Parma

Modena 1973

página 169

página 176

Copia cromogénica, copia de 1979 16,8 × 23 cm CSAC, Università di Parma

Modena 1973

Venezia 1973

Copia cromogénica, copia de 1979 16,5 × 25,5 cm CSAC, Università di Parma

Copia cromogénica, copia de 1979 16,2 × 24,3 cm CSAC, Università di Parma

Luzern 1973

página 170

página 177

Copia cromogénica, copia de 1979 16,8 × 23 cm CSAC, Università di Parma

Verona 1973

Padova 1973

Copia cromogénica 12,5 × 17,6 cm Legado de Luigi Ghirri

Copia cromogénica, copia de 1979 17 × 24,5 cm CSAC, Università di Parma

Alto Adige 1971-1972

página 171

página 177

Copia cromogénica, copia moderna (2018) 22 × 15 cm Legado de Luigi Ghirri

Paris 1977

Amsterdam 1973

Copia cromogénica 16,9 × 24,9 cm Legado de Luigi Ghirri

Copia cromogénica, copia de 1979 17 × 24,5 cm CSAC, Università di Parma

Luzern 1971

página 172

página 179

Copia cromogénica, copia de 1979 16,7 × 25 cm CSAC, Università di Parma

Scandiano 1975

Paris 1972

Copia cromogénica, copia moderna (2018) 13,5 × 20 cm Legado de Luigi Ghirri

Copia cromogénica 19,5 × 29,7 cm Colección de Luigi Vegini

[Diafragma 11, 1/125, luz natural] página 157

Karlsruhe 1975 Copia cromogénica, copia moderna (2018) 22 × 14,4 cm Legado de Luigi Ghirri

página 136

Modena 1971

páginas 158-159

Copia cromogénica, copia de 1979 24 × 17 cm CSAC, Università di Parma

Salzburg 1977

página 137

Carpi 1973 Copia cromogénica, copia de 1979 29,8 × 19,8 cm CSAC, Università di Parma páginas 138-139

Modena 1972 Copia cromogénica, copia de 1979 18,5 × 27 cm CSAC, Università di Parma página 140

Modena 1970 Copia cromogénica, copia de 1979 16 × 24 cm CSAC, Università di Parma página 141

Modena 1972 Copia cromogénica, copia de 1979 18 × 28,3 cm CSAC, Università di Parma páginas 142-143

Luzern 1971 5 copias cromogénicas, copias de 1979 7,1 × 13 cm CSAC, Università di Parma páginas 144-147

Modena 1972 7 copias cromogénicas en una hoja, copias de 1979 12,7 × 8,2 cm CSAC, Università di Parma

Copia cromogénica 15,4 × 23,3 cm Cortesía de la Matthew Marks Gallery Colección particular página 160

página 161

página 161

página 162

página 163

página 164

Bologna 1973

página 180

Copia cromogénica, copia de 1979 17,3 × 25 cm CSAC, Università di Parma

Modena 1972 Copia cromogénica, copia de 1979 19,5 × 29,5 cm CSAC, Università di Parma

349

Listado de obras

página 181

Brest 1972 Copia cromogénica, copia de 1979 21 × 28,5 cm CSAC, Università di Parma página 183

Brest 1972 Copia cromogénica, copia de 1979 24,5 × 16,8 cm CSAC, Università di Parma

Listado de obras

Atlante [Atlas]

página 185 Álbum con copia cromogénica en la cubierta y hojas sueltas con 39 copias cromogénicas 40 × 43 cm, álbum; 12,5 × 17 cm c. u. Legado de Luigi Ghirri páginas 186-205

Atlante 1973 Copia cromogénica 20 × 30 cm aprox. CSAC, Università di Parma

Italia ailati

[Italia a ambos lados] página 207

Modena 1973 Copia cromogénica, copia de 1979 19,7 × 29,5 cm CSAC, Università di Parma página 208

Modena 1973 Copia cromogénica, copia de 1979 18,5 × 27,8 cm CSAC, Università di Parma página 209

Modena 1973 Copia cromogénica, copia de 1979 19,2 × 29 cm CSAC, Università di Parma página 210

Scandiano 1963 Copia cromogénica, copia de 1979 17,3 × 24,8 cm CSAC, Università di Parma página 211

Vignola 1974 Copia cromogénica, copia moderna (2018) 22 × 14,5 cm Legado de Luigi Ghirri página 212

Marina di Ravenna 1973 Copia cromogénica, copia de 1979 16 × 24,8 cm CSAC, Università di Parma página 213

Reggio Emilia 1973 Copia cromogénica, copia de 1979 21 × 30 cm CSAC, Università di Parma página 214

Modena 1973 Copia cromogénica, copia de 1979 16,8 × 24,8 cm CSAC, Università di Parma

página 214

página 220

Modena 1973

Roma 1978

Copia cromogénica, copia de 1979 16,8 × 25 cm CSAC, Università di Parma

Copia cromogénica, copia de 1979 16,5 × 21,6 cm CSAC, Università di Parma

página 215

página 221

Modena 1973

Roma 1977

Copia cromogénica, copia de 1979 19,7 × 29,6 cm CSAC, Università di Parma

Copia cromogénica 13 × 24,6 cm Legado de Luigi Ghirri

página 215

Via Emilia 1973 Copia cromogénica, copia de 1979 19,7 × 29,7 cm CSAC, Università di Parma página 216

San Polo d'Enza 1973 Copia cromogénica, copia de 1979 19,5 × 29,5 cm CSAC, Università di Parma página 216

Carpi 1974 Copia cromogénica, copia de 1979 19,5 × 29,5 cm CSAC, Università di Parma página 217

Sassuolo 1973 Copia cromogénica, copia de 1979 19,8 × 29,4 cm CSAC, Università di Parma página 217

Modena 1973 Copia cromogénica, copia de 1979 19,3 × 28,6 cm CSAC, Università di Parma página 218

Talamone 1974 Copia cromogénica, copia moderna (2018) 15 × 22 cm Legado de Luigi Ghirri página 219

Lido di Spina 1978 Copia cromogénica, copia moderna (2018) 14,5 × 22 cm Legado de Luigi Ghirri

350

Il paese dei balocchi [El país de los juguetes] página 223

Modena 1974 Copia cromogénica, copia de 1979 16,1 × 24,3 cm CSAC, Università di Parma páginas 224-225

Modena 1978 Copia cromogénica, copia de 1979 20 × 30 cm CSAC, Università di Parma página 226

Modena 1978 Copia cromogénica, copia de 1979 30 × 19,8 cm CSAC, Università di Parma página 227

Modena 1978 Copia cromogénica, copia de 1979 29,8 × 19,6 cm CSAC, Università di Parma página 229

Modena 1978 Copia cromogénica, copia de 1979 29 × 19,1 cm CSAC, Università di Parma página 230

Modena 1978 Copia cromogénica, copia de 1979 19,5 × 27 cm CSAC, Università di Parma página 231

Modena 1979 Copia cromogénica 20 × 29,6 cm CSAC, Università di Parma página 232

Modena 1978 Copia cromogénica, copia de 1979 19 × 29,7 cm CSAC, Università di Parma página 233

Modena 1978 Copia cromogénica, copia de 1979 19,7 × 29,8 cm, CSAC, Università di Parma

351

Listado de obras

página 234

página 242

Modena 1978

Salzburg 1977

Copia cromogénica, copia de 1979 19,8 × 29,4 cm CSAC, Università di Parma

Copia cromogénica, copia de 1979 16,8 × 24 cm CSAC, Università di Parma

página 234

página 243

Modena 1978

Salzburg 1977

Copia cromogénica, copia de 1979 19 × 29,8 cm CSAC, Università di Parma

Copia cromogénica, copia de 1979 17,5 × 24,7 cm CSAC, Università di Parma

página 235

página 243

Modena 1978

Salzburg 1977

Copia cromogénica, copia de 1979 20 × 29,8 cm CSAC, Università di Parma

Copia cromogénica, copia de 1979 16,8 × 24 cm CSAC, Università di Parma

página 235

página 245

Modena 1978

Amsterdam 1973

Copia cromogénica, copia de 1979 20 × 29,8 cm CSAC, Università di Parma

Copia cromogénica 7 × 10,8 cm Colección de Luigi Vegini

página 236

página 246

Salzburg 1977

Amsterdam 1973

Copia cromogénica, copia de 1979 19,8 × 29,8 cm CSAC, Università di Parma

Copia cromogénica, copia de 1979 19,9 × 30 cm CSAC, Università di Parma

página 237

página 247

Salzburg 1977

Amsterdam 1973

Copia cromogénica, copia de 1979 20 × 30 cm CSAC, Università di Parma

Copia cromogénica 12 × 17,5 cm Legado de Luigi Ghirri

páginas 238-239

páginas 248-249

Salzburg 1977

Amsterdam 1973

Copia cromogénica, copia de 1979 20 × 29,8 cm CSAC, Università di Parma

3 copias cromogénicas con paspartú 17,5 × 12 cm Legado de Luigi Ghirri

páginas 240-241

Verona 1978 Copia cromogénica, copia de 1979 20 × 30 cm CSAC, Università di Parma página 242

Salzburg 1977 Copia cromogénica, copia de 1979 16,8 × 24 cm CSAC, Università di Parma

352

Listado de obras

Vedute [Vistas]

página 253

L'Île-Rousse 1976 Copia cromogénica 13 × 19,2 cm Bibliothèque nationale de France, París página 254

Modena 1973 Copia cromogénica 20 × 30 cm Legado de Luigi Ghirri página 255

Modena 1974 Copia cromogénica 19,5 × 29,5 cm Legado de Luigi Ghirri página 256

Egmond aan Zee 1973 Copia cromogénica, copia moderna (2018) 29 × 20 cm Legado de Luigi Ghirri página 257

Rimini 1977 Copia cromogénica, copia de 1979 28,7 × 18,6 cm CSAC, Università di Parma página 258

Paris 1977 Copia cromogénica, copia de 1979 16,5 × 24,7 cm CSAC, Università di Parma página 259

Lido di Spina 1978

página 263

página 273

página 282

Marina di Ravenna 1972

Marina di Ravenna 1972

Versailles 1977

Copia cromogénica 30,2 × 20,1 cm Bibliothèque nationale de France, París

Copia cromogénica 19,2 × 13,1 cm Bibliothèque nationale de France, París

Copia cromogénica, copia de 1979 28 × 19,5 cm CSAC, Università di Parma

página 264

página 274

página 283

Marina di Ravenna 1972

Países Bajos 1973

Cluny 1977

Copia cromogénica 12,5 × 17,5 cm Cortesía de la Matthew Marks Gallery Legado de Luigi Ghirri

Copia cromogénica 24,7 × 16,5 cm Legado de Luigi Ghirri

Cibachrome 46 × 31 cm Cortesía de la Matthew Marks Gallery Colección de Arthur y Susan Fleischer

página 275 página 265

L'Île-Rousse 1976 Copia cromogénica 20,1 × 30,2 cm Bibliothèque nationale de France, París

Copia cromogénica 13 × 19,1 cm Bibliothèque nationale de France, París página 276

página 266

Lido di Spina 1974 Copia cromogénica 13 × 19 cm Legado de Luigi Ghirri

L'Île-Rousse 1976 Copia cromogénica 13,1 × 19,2 cm Bibliothèque nationale de France, París página 277

página 267

Lido di Spina 1974 Copia cromogénica 13 × 19 cm Legado de Luigi Ghirri

L'Île-Rousse 1976 Copia cromogénica 20,1 × 30,3 cm Bibliothèque nationale de France, París página 278

página 268

L'Île-Rousse 1976 Copia cromogénica 17,2 × 27,2 cm Cortesía de la Matthew Marks Gallery Colección particular página 269

Riva di Tures 1977

Copia cromogénica, copia de 1979 18,4 × 27,7 cm CSAC, Università di Parma

Copia cromogénica 30 × 41,4 cm Cortesía de la Matthew Marks Gallery Colección de Christian Wassmann

página 261

página 271

Marina di Ravenna 1972

Orbetello 1974

Copia cromogénica, copia de 1979 28,7 × 19,2 cm CSAC, Università di Parma

Orbetello 1974

L'Île-Rousse 1976 Copia cromogénica 19 × 28 cm Legado de Luigi Ghirri página 279

L'Île-Rousse 1976 Copia cromogénica 19,6 × 29,8 cm Colección de Luigi Vegini página 280

Haarlem 1973 Copia cromogénica 20 × 29,4 cm Colección de Luigi Vegini

Copia cromogénica 12,5 × 20,2 cm Legado de Luigi Ghirri

página 281

página 262

página 272

Marina di Ravenna 1972

L'Île-Rousse 1976

Copia cromogénica, copia moderna (2018) 22 × 15 cm Legado de Luigi Ghirri

Copia cromogénica 30,2 × 20,2 cm Bibliothèque nationale de France, París

Copia cromogénica, copia moderna (2018) 22 × 14,6 cm Legado de Luigi Ghirri

página 284

Egmond aan Zee 1973 Copia cromogénica, copia de 1979 28,2 × 39,8 cm CSAC, Università di Parma página 285

Urbino 1975 Copia cromogénica, copia moderna (2018) 38 × 25,5 cm Legado de Luigi Ghirri página 286

Paris 1977 Copia cromogénica 10 × 15 cm Legado de Luigi Ghirri página 287

Modena 1973 Copia cromogénica, copia de 1979 18,6 × 28,3 cm CSAC, Università di Parma página 288

Hergiswil 1973 Copia cromogénica, copia de 1979 16,1 × 24,6 cm CSAC, Università di Parma página 288

Maranello 1974 Copia cromogénica, copia de 1979 20,8 × 29,8 cm CSAC, Università di Parma

Modena 1979

353

Listado de obras

página 289

Amsterdam 1973 Copia cromogénica, copia de 1979 16 × 24,4 cm CSAC, Università di Parma página 289

Orbetello 1974 Copia cromogénica, copia de 1979 16,1 × 24,4 cm CSAC, Università di Parma página 291

Modena 1975 Copia cromogénica, copia de 1976 30,3 × 20,1 cm Bibliothèque nationale de France, París página 292

Luzern 1973 Copia cromogénica 17,2 × 27 cm Legado de Luigi Ghirri página 293

Luzern 1973 Copia cromogénica, copia de 1979 16,8 × 24,7 cm CSAC, Università di Parma página 294

Salzburg 1975-1978 Copia cromogénica 20 × 28,9 cm CSAC, Università di Parma página 295

Großglockner 1976 Cibachrome 12 × 18 cm Cortesía de la Matthew Marks Gallery Legado de Luigi Ghirri

Listado de obras

‘∞’ Infinito páginas 298-301

In scala

[A escala]

‘∞’ Infinito 1974

página 303

31 copias cromogénicas 9 × 13 cm c. u. Legado de Luigi Ghirri

Rimini 1977 Copia cromogénica 23,4 × 16,6 cm Legado de Luigi Ghirri página 304

Rimini 1977 Copia cromogénica, copia de 1979 19 × 29,4 cm CSAC, Università di Parma página 304

Rimini 1977 Copia cromogénica, copia de 1979 19 × 29,4 cm CSAC, Università di Parma página 305

Rimini 1977 Copia cromogénica, copia de 1979 29,4 × 19 cm CSAC, Università di Parma página 305

Rimini 1977 Copia cromogénica, copia de 1979 29,4 × 19 cm CSAC, Università di Parma página 306

Rimini 1977 Copia cromogénica, copia de 1979 19 × 29,4 cm CSAC, Università di Parma página 307

Rimini 1977 Copia cromogénica 17,8 × 27 cm Legado de Luigi Ghirri página 308

Rimini 1977 Copia cromogénica 16,2 × 23,8 cm Legado de Luigi Ghirri

354

página 309

Rimini 1977 Copia cromogénica, copia de 1979 19,8 × 29,4 cm CSAC, Università di Parma página 310

Rimini 1977 Copia cromogénica 23,8 × 16,3 cm Legado de Luigi Ghirri página 311

Rimini 1977 Copia cromogénica 17,6 × 27,2 cm Legado de Luigi Ghirri página 312

Rimini 1977 Copia cromogénica 16,3 × 23,7 cm Legado de Luigi Ghirri página 312

Rimini 1977 Copia cromogénica 16,2 × 23,8 cm Legado de Luigi Ghirri página 313

Rimini 1977 Copia cromogénica 16,2 × 23,8 cm Legado de Luigi Ghirri página 313

Rimini 1977 Copia cromogénica 16,5 × 23,9 cm Legado de Luigi Ghirri páginas 314-315

Rimini 1977 Copia cromogénica 19,5 × 28,7 cm Legado de Luigi Ghirri

Identikit

Still Life

página 317

página 323

Modena 1979

Modena 1979

Copia cromogénica 20 × 27,7 cm Legado de Luigi Ghirri

Copia cromogénica 28 × 38 cm Legado de Luigi Ghirri

página 318

página 324

Modena 1979

Modena 1975

Copia cromogénica 20 × 27,7 cm Legado de Luigi Ghirri

Copia cromogénica 20 × 30 cm Cortesía de la Matthew Marks Gallery Colección de Arthur y Susan Fleischer

[Retrato robot]

[Naturaleza muerta]

página 318

Modena 1979 Copia cromogénica 20 × 27,7 cm Legado de Luigi Ghirri página 319

Modena 1979 Copia cromogénica 18 × 27,4 cm Legado de Luigi Ghirri

página 325

Modena 1975 Copia cromogénica, copia moderna (2018) 38 × 24,9 cm Legado de Luigi Ghirri página 326

Modena 1975 Copia cromogénica, copia moderna (2018) 34 × 27,5 cm Legado de Luigi Ghirri

página 319

Modena 1979 Copia cromogénica 18,7 × 29 cm Estado de Luigi Ghirri

página 327

Paris 1977 Copia cromogénica, copia moderna (2018) 24,6cm × 38 cm Legado de Luigi Ghirri

página 320

Modena 1979 Copia cromogénica 18,5 × 29 cm Legado de Luigi Ghirri

página 328

Modena 1979 Copia cromogénica 26 × 38 cm Legado de Luigi Ghirri

página 321

Modena 1979 Copia cromogénica 15 × 22,8 cm Legado de Luigi Ghirri

página 329

Modena 1979 Copia cromogénica, copia moderna (2018) 28 × 39 cm Legado de Luigi Ghirri páginas 330-331

Modena 1975 Copia cromogénica 29 × 39 cm Legado de Luigi Ghirri

355

Biografía

Listado de obras

página 332

Modena 1979 Copia cromogénica 26 × 38 cm Legado de Luigi Ghirri página 333

Modena 1979 Copia cromogénica 30 × 21 cm Legado de Luigi Ghirri página 335

Modena 1979 Copia cromogénica 23,8 × 36 cm Legado de Luigi Ghirri páginas 336-339

Slot Machine 1979 Desplegable con 36 copias cromogénicas 15,5 × 22 × 3,6 cm CSAC, Università di Parma página 340

Valle Aurina 1979 Copia cromogénica, copia moderna (2018) 26 × 38 cm Legado de Luigi Ghirri página 341

Bressanone 1979 Copia cromogénica, copia moderna (2018) 25 × 37 cm Legado de Luigi Ghirri

Ilustraciones de los ensayos página 32 Eugene Atget (1857-1927): Pendant l'eclipse [Durante el eclipse], 1912. Copia a la albúmina de plata, 16,3 × 21,9 cm. Museum of Modern Art, Nueva York. Colección Abbott-Levy. Donación parcial de Shirley C. Burden. Acc. n.: 1.1969.934. © 2018. Digital image, The Museum of Modern Art, New York/Scala, Florence página 32 Garry Winogrand, (1928-1984): Apollo 11, Moon Shot, Cape Kennedy Florida, 1969. Copia a la gelatina de plata, 27 × 40,3 cm. Museum of Modern Art, Nueva York. Adquisición. 655.1977. © 2018. Digital image, The Museum of Modern Art,   New York/Scala, Florence página 35 Albrecht Dürer (1471–1528): Dibujando una mujer desnuda reclinada en perspectiva, ca. 1600. Xilografía, 7,7 × 21,4 cm. Metropolitan Museum of Art, Nueva York. Donación de Henry Walters, 1917 página 36 Michelangelo Antonioni (1912-2007):   El Reportero, 1975. Sony Pictures página 43 Claudio Parmiggiani: Delocazione, 1970. Lienzo fotográfico, 106 × 130 cm página 43 Luigi Ghirri: Modena, 1971, en Elena Re, ed., Luigi Ghirri. Fotografie del periodo iniziale (Prato: Gli Ori, 2008), p. 63, il. 51

páginas 342-343

Modena 1979 Copia cromogénica, copia moderna (2018) 23,8 × 37 cm Legado de Luigi Ghirri

Todas los negativos y diapositivas originales de las obras de Luigi Ghirri utilizadas en esta publicación se conservan en la Foto­ teca, Biblioteca Panizzi, Reggio Emilia, Italia

página 45 Franco Guerzoni: Antropologie, 1976-78, copia en color de una fotografía de Luigi Ghirri, postales página 46 Franco Vaccari: Sin título ("Club del Jazz"), en Le tracce (Bologna: Sampietro Editore, 1966), lam. 50 página 50 Gillo Dorfles, ed.; Il Kitsch. Antologia del cattivo gusto (Milan: Mazzotta, 1968),   p. 173, ils. 137-138 página 50 Luigi Ghirri: Venezia, 1973, en Massimo Mussini, ed., Luigi Ghirri (Milan: Federico Motta Editore, 2001), p. 101, il. 43

356

1943

Nace en Scandiano, cerca de Reggio Emilia, en la región de Emilia-Romagna. 1962

Atlante se presenta en la Galleria Documenta de Turín e Il Sistema dell’assenza en la Canon Photo Gallery de Ámsterdam. Se incluye obra suya en la exposición Art as Photography – Photography as Art en Kassel (Alemania).

Se diploma como aparejador. 1976 1968-1970

Viaja a Berna, Lucerna, París, Ámsterdam y la Bretaña francesa. 1969-1970

Conoce en Módena a los artistas Franco Guerzoni, Carlo Cremaschi, Giuliano della Casa y Claudio Parmiggiani. 1970

Toma las fotografías de sus primeras series, Fotografie del periodo iniziale y Paesaggi di cartone. Nace su hija Ilaria. 1972

El Sette Arti Club presenta en el Hotel Canalgrande de Módena su primera exposición individual: Luigi Ghirri: Fotografie 1970-71, acompañada por un pequeño catálogo con un texto de Franco Vaccari. Comienza a trabajar en las series inspiradas en su entorno más cercano, el de Módena y sus alrededores: Colazione sull’erba y Catalogo. 1973

Decide abandonar su trabajo de delineante proyectista. Lleva a cabo los proyectos Km 0,250 y Atlante y sigue trabajando en las series Paesaggi di cartone, Colazione sull’erba y Catalogo. 1974

Toma 365 imágenes del cielo durante todo el año, a razón de una al día, para Infinito. Conoce a Paola Borgonzoni, con la que vivirá y trabajará hasta su muerte. Colazione sull’erba se expone en la Galleria Nadar de Pisa y la Galleria Il Diaframma de Milán, acompañada por un catálogo editado por Massimo Mussini. 1975

Colazione sull’erba se presenta como exposición individual en la Galleria Civica d’Arte Moderna de Módena.

Comienza a trabajar en las series Vedute e Italia ailati y se presentan sendas exposiciones individuales en el Forum Stadtpark de Graz, la Galleria Il Diaframma de Milán y la Canon Photo Gallery de Ginebra. Cancellature, su exposición individual más amplia hasta ese momento, formada por más de doscientas fotografías, se presenta en la Galleria Rondanini de Roma. Se traslada a vivir, junto a Paola Borgonzoni, a un apartamento del centro histórico del Módena donde inicia la serie Identikit. 1977

Funda el sello editorial Punto e Virgola con Paola Borgonzoni y Giovanni Chiaramonte. Comienza las series Still Life, Il paese del balocchi e In scala. Presenta la exposición individual Fotografia e natura en la Galleria Il Milione de Milán. 1978

Punto e Virgola publica el primer libro de Ghirri, Kodachrome, coeditado en Francia por Contrejour, que presenta en paralelo una exposición en París. Kodachrome se expone también en el Musée Réattu de Arlés dentro de una exposición colectiva de fotógrafos italianos. Su trabajo se incluye en L'immagine provocata en la Bienal de Venecia de 1978. 1979

La Universidad de Parma presenta, en el Palazzo della Pilotta de dicha ciudad, Vera Fotografia, la mayor exposición de Ghirri hasta ese momento, organizada por Arturo Carlo Quintavalle y Massimo Mussini. El catálogo incluye una introducción de Quintavalle y textos de Ghirri y Mussini para cada una de las catorce secciones de la muestra. Comisaría junto a Claude Nori la exposición La fotografia francese: Dalle origini ai giorni nostri en la Galleria Rondanini de Roma y en la Galleria Civica de Módena. Comisaría una exposición de fotógrafos jóvenes, Iconicittà: Una visione sul reale, para el Padiglione d’Arte Contemporanea de Ferrara.

357

Bibliografía 1980

Concluye las series Still Life y Geografia Immaginaria y comienza un nuevo proyecto de envergadura: Topographie-Iconographie. Still Life y TopographieIconographie se exponen en la Light Gallery de Nueva York. Vera Fotografia se presenta en el Palazzo dei Diamanti de Ferrara. Comisaría la exposición Robert Doisneau: Tre secondi d'eternità en la Galleria Civica de Módena. La exposición colectiva Ils se disent peintres, ils se disent photographes, en el Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris, incluye obra suya. 1981

Invitado por el arquitecto Vittorio Savi a participar en la exposición colectiva Paesaggio: Immagine e realtà en la Galleria d'Arte Moderna de Bolonia, Ghirri realiza unas fotografías del paisaje posurbano del valle del Po que formarán parte de una serie más amplia titulada Paesaggio italiano. Topographie-Iconographie se expone en el Forum Stadtpark de Graz. 1982

Concluye la serie Topographie-Iconographie y la expone en el Studio Marconi de Milán y la Galerie Viviane Esders de París. Sus fotografías se incluyen en la amplia exposición Photographie 1922–1982 en Photokina, en Colonia. Continúa trabajando en Apulia y presenta la exposición Tra albe e tramonti en la Galleria Spazio Immagine de Bari. 1983

Sus fotografías tomadas en Capri en 1980 y 1981 aparecen publicadas en el libro Capri, de Cesare de Seta. Organiza la exposición colectiva Penisola, una linea della fotografia italiana a colori para el Forum Stadtpark de Graz. Se publica una monografía de su trabajo en la colección "Grandi fotografi" de la editorial Fabbri. 1984

Imparte una asignatura de historia y técnica de la fotografía en la Universidad de Parma. Junto a Gianni Leone y Enzo Velati organiza Viaggio in Italia, una amplia exposición colectiva de fotografías del paisaje italiano que itinera desde Bari hasta Reggio Emilia. 1985

Invitado por el Ministerio de Cultura francés fotografía el palacio y los jardines de Versailles. Aldo Rossi le encarga fotografiar la arquitectura de la región del Véneto. Arturo Carlo Quintavalle selecciona su obra para la sección fotográfica de la exposición The European Iceberg: Creativity in Germany and Italy Today en la Art Gallery of Ontario. Conoce a Robert Frank y a William Eggleston en el simposio Europa—America e reciproche influenze en Graz. 358

1986

Organiza la investigación fotográfica para la exposición Esplorazioni sulla via Emilia: Vedute nel paesaggio 1983-86, comisariada por Giulio Bizzarri y Eleonora Bronzoni, que se inaugura en Bolonia antes de presentarse en Reggio Emilia y Ferrara. Viaja por primera vez a Estados Unidos, donde visita Boston y Nueva York. 1987

Participa en la exposición colectiva Le città immaginate: Un viaggio in Italia—Nove progetti per nove città, comisariada por Vittorio Magnago Lampugnani y Vittorio Savi en la Trienal de Milán. Sus fotografías aparecen publicadas en una monografía sobre la obra de Aldo Rossi. 1988

Comisaría la sección de fotografía de la muestra internacional de la Trienal de Milán Le città del mondo e il futuro delle metropoli: Oltre la città, la metropoli. Comisaría una exposición de fotografías de Paul Strand titulada Strand, Luzzara '54. Inediti, así como Giardini in Europa, una muestra colectiva de fotografías de jardines que incluye obras propias.

Luigi Ghirri, Tokio, Taka Ishii Gallery y Case Publishing, 2017. Marina Spunta y Jacopo Benci (eds.), “Luigi Ghirri and the Photography of Place”, Italian modernities 27, Berna, Peter Lang, 2017. Ennery Taramelli, Memoria come un’infanzia: il pensiero narrante di Luigi Ghirri, Parma, Diabasis Edizioni, 2017. Luigi Ghirri, Spazio siderale: il sipario del teatro Valli dipinto da Omar Galliani, Reggio Emilia, Corsiero Editore, 2016. Corrado Benigni y Mauro Zanchi (eds.), Luigi Ghirri. Pensiero paesaggio, Cinisello Balsamo, Silvana Editoriale, 2016.

1989

Concibe el proyecto Paesaggio Italiano, una exposición individual presentada en Reggio Emilia y Mantua que viaja posteriormente a diversas sedes del Instituto Italiano di Cultura en América Latina. Desarrolla un nuevo programa didáctico sobre fotografía e imparte clases en la Università del Progetto de Reggio Emilia.

Luigi Ghirri, The Complete Essays 1973-1991, Londres, Mack, 2016. Luigi Ghirri, Dublín, Douglas Hyde Gallery, 2015.

Luigi Ghirri, Ghirri di musica, Prato, Gli Ori, 2008. Elena Re (ed.), Luigi Ghirri, Fotografie del periodo iniziale, Prato, Gli Ori, 2008. Melissa Harris y Paola Ghirri (eds.), It’s beautiful here, isn’t it… Photographs by Luigi Ghirri, Nueva York, Aperture, 2008; Bello qui, non è vero?… Fotografie di Luigi Ghirri, Roma, Contrasto, 2008. Ilaria Ghirri y Paola Borgonzoni Ghirri (eds.), Luigi Ghirri. Del Guardare, Milán, Baldini Castoldi Dalai Editore, 2006. Elena Re (ed.), Luigi Ghirri e l’Architettura, Prato, Gli Ori, 2006. Paola Borgonzoni Ghirri (ed.), Luigi Ghirri-Giorgio Morandi, Il senso dellecose, Reggio Emilia, Diabasis Edizioni, 2005. Ennery Taramelli, Mondi infiniti di Luigi Ghirri, Reggio Emilia, Diabasis Edizioni, 2005.

Luigi Ghirri, Pensar por imagens, São Paulo, Instituto Moreira Salles, 2013.

Paola Ghirri (ed.), Luigi Ghirri. Still Life, Milán, Baldini Castoldi Dalai Editore, 2004.

Francesca Fabiani, Laura Gasparini y Giuliano Sergio (eds.), Luigi Ghirri, Pensare per immagini, Verona, Electa, 2013.

Luigi Ghirri, Infinito, Roma, Meltemi Editore, 2001.

1990

Presenta la exposición y la publicación Il profilo delle nuvole: Immagini di un paesaggio italiano, que traza un itinerario a través del paisaje del valle del Po en colaboración con el escritor Gianni Celati. Fotografía los estudios de Giorgio Morandi y Aldo Rossi. Se traslada con Paola Borgonzoni a Roncocesi, una localidad situada a las afueras de Reggio Emilia. Nace su hija Adele. 1991

Selecciona obra de fotógrafos contemporáneos, incluyendo sus fotografías de Nueva York y Boston, para el libro Atlante Metropolitano. Publica Viaggio dentro un’antico labirinto, una interpretación del paisaje italiano a través de la historia del arte y la literatura. Comienza a trabajar en el proyecto de un libro sobre el estudio de Morandi. 1992

Muere en Roncocesi el 14 de febrero de 1992.

Massimo Mussini, Luigi Ghirri, Milán, Federico Motta Editore, 2001.

Luigi Ghirri, Kodachrome, Londres, MACK, 2012. Luigi Ghirri, Atlante, Milán, Charta, 1999. Elena Re (ed.), Luigi Ghirri. Project Prints, Zúrich, JRP Ringier, 2012. Luigi Ghirri, Senza titolo, inediti 1970/1974, Londres, Verbavolant , 2011.

Luigi Ghirri, Castelli Valdostani, Quart, Musumeci y Regione Autonoma Valle d’Aosta, 1999. Paola Ghirri (ed.), Luigi Ghirri. Polaroid, Milán, Baldini & Castoldi, 1998.

Gino Malacarne, Ildebrando Clemente y Alessandra Moro (eds.), Architettura 42. Luigi Ghirri architetture e paesaggi, Bolonia, Clueb, 2011.

Paola Ghirri y Enrico Baschieri (eds.), Ghirri Iotti Scandiano, Scandiano, Comune di Scandiano, 1997.

Giulio Bizzarri y Paolo Barbaro (eds.), Luigi Ghirri. Lezioni di fotografia, Macerata, Quodlibet, 2010.

Luigi Ghirri, Niente di antico sotto il sole, Turín, S.E.I., 1997.

Elisabetta Sgarbi, Deserto Rosa/ Luigi Ghirri. Milán, Betty Wrong, 2009. Con textos de Aleksandr Sokurov.

Luigi Ghirri, Voyage dans les images. Ecrits et images pour une autobiographie, Nantes, En Vues, 1997. 359

Paolo Costantini, Luigi Ghirri-Aldo Rossi. Cose che sono solo se stesse, Milán, Electa, 1996. Luigi Ghirri, I luoghi della musica, Milán, Federico Motta Editore, 1994. Luigi Ghirri, Vista con camera, Milán, Federico Motta Editore, 1992.

Luigi Ghirri. Monografía incluida en Progresso fotografico, Milán, Editrice Progresso, 1982. Luigi Ghirri, Milán, Feltrinelli, 1979. Luigi Ghirri, Kodachrome, Módena, Punto e Virgola, 1978. Luigi Ghirri, Graz, Fotogalerie Forum Stadtpark, 1976.

Luigi Ghirri, Atelier Morandi, Bari, Contrejour-Palomar, 1992.

Luigi Ghirri, Ámsterdam, Canon Photo Gallery, 1975.

Arturo Carlo Quintavalle, Viaggio dentro un antico labirinto, Bérgamo, D’Adamo Editore, 1991.

Luigi Ghirri, Colazione sull’erba, Módena, Galleria Civica d’Arte Moderna, 1975.

Cesare De Seta, Il Real Palazzo di Caserta, Fotografie di Luigi Ghirri, Nápoles, Guida Editori, 1991.

Luigi Ghirri, Colazione sull’erba, Pisa, Galleria Fotografica Nadar, 1974.

Luciano Caramel, Anna D’Elia y Arturo Carlo Quintavalle (eds.), La pietra e i luoghi, Bitonto, Essegi, 1990.

Luigi Ghirri, Paesaggi di cartone, Módena, Samar, 1974.

Luigi Ghirri, Il profile delle nuvole, Milán, Feltrinelli, 1989. Luigi Ghirri, Paesaggio italiano, Milán, Electa, 1989. Arturo Carlo Quintavalle, Il Palazzo dell’Arte, Milán, Gruppo Editoriale Fabbri, 1988.

Agradecimientos

Luigi Ghirri, Paesaggi di cartone, Milán, 1974. Luigi Ghirri, Fotografie 1970-1971, Módena, Samar, 1972. Con texto de Franco Vaccari.

El Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, el Museum Folkwang y el Jeu de Paume, quieren expresar su agradecimiento, en primer lugar y muy especialmente, al comisario de la exposición James Lingwood, por su ayuda y dedicación al proyecto; agradecemos particularmente a Maria Fontana y Adele Ghirri del Legado de Luigi Ghirri en Roncocesi por su ayuda y apoyo al proyecto, y a Paolo Barbaro, Claudia Cavalotta y Francesca Zanella en el Centro Studi e Archivio della Comunicazione de la Università degli Studi di Parma (CSAC), la colección más importante de la obra de Ghirri. Nuestra más sincera gratitud también para todas las personas e instituciones sin cuya generosa colaboración esta exposición y este catálogo no hubieran sido posibles: Bibliothèque nationale de France Matthew Marks Gallery Sylvie Aubenas Quentin Bajac Jacopo Benci Tobia Bezzola Mariapia Branchi

Progetto energia e ambiente urbano. Le esperienze di Milano e di Goteborg a confronto, Milán, Comune di Milano y AEM, 1987.

Joshua Chuang

Magie di acque e di luoghine. I paesaggi termali dell’Emilia Romagna, Bolonia, Nuova Alfa Editoriale, 1987.

Ilaria Ghirri

La ragione della natura. Fotografie di Luigi Ghirri, Rávena, Essegi, 1986. Emilia Romagna I, Milán, Touring Club Italiano, 1985. Emilia Romagna II, Milán, Touring Club Italiano, 1985. Luigi Ghirri, Gianni Leone y Enzo Velati (eds.), Viaggio in Italia, Alessandria, Il Quadrante, 1984. I Grandi Fotografi. Luigi Ghirri, Milán, Gruppo Editoriale Fabbri, 1983.

Heloïse Conesa Arthur y Susan Fleischer Victor Gisler Jocelyn Monchamp Massimo Mussini Mason Newton Arturo Carlo Quintavalle Marina Spunta Ed Spurr Jacqueline Tran Dominique Versavel Luigi Vegini Christian Wassmann

Cesare De Seta, Capri, Turín, Edizioni Rai, 1983. Con fotografias de Luigi Ghirri y Mimmo Jodice.

360

361

Ministerio de educación, cultura y deporte

Real Patronato del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía

Ministro

Presidencia de Honor

Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía

Íñigo Méndez de Vigo y Montojo

Director

SS. MM. los Reyes de España

Manuel Borja-Villel

Presidente

Subdirector Artístico

Ricardo Martí Fluxá

João Fernandes

Vicepresidente

Subdirector Gerente

Óscar Fanjul Martín

Michaux Miranda

Vocales Fernando Benzo Sainz José Canal Muñoz Felipe Martínez Rico Luis Lafuente Batanero Manuel Borja-Villel Michaux Miranda Paniagua Vicente Jesús Domínguez García Francisco Javier Fernández Mañanes Miguel Ángel Vázquez Bermúdez José Joaquín de Ysasi-Ysasmendi Adaro José Capa Eiriz María Bolaños Atienza Miguel Ángel Cortés Martín Montserrat Aguer Teixidor Zdenka Badovinac Marcelo Mattos Araújo Santiago de Torres Sanahuja Pedro Argüelles Salaverría José María Álvarez-Pallete Ana Patricia Botín Sanz de Sautuola O’Shea Salvador Alemany Mas Ignacio Garralda Ruiz de Velasco Antonio Huertas Mejías Pablo Isla Álvarez de Tejera Guillermo de la Dehesa (Patrono de Honor) Pilar Citoler Carilla (Patrona de Honor) Claude Ruiz Picasso (Patrono de Honor)

Secretaria de Patronato Carmen Castañón Jiménez

Comité Asesor María de Corral López-Dóriga Fernando Castro Flórez Marta Gili

362

Actividades Editoriales Jefa de Actividades Editoriales Alicia Pinteño

Actividades Públicas Directora de Actividades Públicas Ana Longoni

Asesora de Dirección Carmen Castañón

Gabinete de Dirección Jefa de Gabinete Nicola Wohlfarth Jefa de Prensa Concha Iglesias Jefa de Protocolo Sonsoles Vallina

Exposiciones Jefa del Área de Exposiciones Teresa Velázquez Coordinadora General de Exposiciones Belén Díaz de Rábago

Colecciones Jefa del Área de Colecciones Rosario Peiró Jefe de Restauración Jorge García Jefa de Registro de Obras Carmen Cabrera

Jefe de Actividades Culturales y Audiovisuales Chema González Jefa de Biblioteca y Centro de Documentación Bárbara Muñoz de Solano Director del Centro de Estudios Carlos Prieto

Subdirección de Gerencia Subdirectora Adjunta a Gerencia Fátima Morales Consejera Técnica Mercedes Roldán Jefa de la Unidad de Apoyo a Gerencia Guadalupe Herranz Escudero Jefa del Área de Desarrollo Estratégico y de Negocio Rosa Rodrigo Jefa del Área de Recursos Humanos María Esperanza Zarauz Palma Jefe del Área de Arquitectura, Instalaciones y Servicios Generales Javier Pinto Jefe del Área de Seguridad Luis Barrios Jefa del Área de Informática Sara Horganero

363

Este catálogo se publica con motivo de la exposición Luigi Ghirri El Mapa y el territorio organizada por el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en colaboración con Museum Folkwang, Essen y Jeu de Paume, París. Museum Folkwang, Essen 4 de mayo - 22 de julio de 2018

Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía 25 de septiembre de 2018 - 7 de enero de 2019

Jeu de Paume, París 12 de febrero –2 de junio de 2019

Exposición

Catálogo

Comisariado

James Lingwood

Edición en español a cargo del Departamento de Actividades Editoriales del MNCARS

MNCARS Jefa del Área de Exposiciones

Alicia Pinteño

Teresa Velázquez

Jefa de departamento Coordinación editorial

Coordinación de la exposición

Teresa Ochoa De Zabalegui

Fernando López

Traducción

Responsable Gestión de Exposiciones

Carlos Martín

Natalia Guaza

Diseño gráfico

Registro

Grégoire Pujade-Lauraine, MACK

Clara Berástegui Iliana Naranjo David Ruiz

Jefa de producción

Restauración

MACK

Juan Antonio Sáez (Restaurador responsable) Beatriz Alonso Mikel Rotaeche

Morgan Crowcroft-Brown, MACK Fotomecánica Impresión

EBS, Verona

Diseño de montaje

Oiko Arquitectos Montaje

REES Transporte

Ordax Seguros

Poolsegur

© De esta edición, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía y MACK, 2018 © De los textos, James Lingwood y Legado de Luigi Ghirri Los textos de Jacopo Benci y Maria Antonella Pelizzari y las traducciones cc   BY-NC-ND 4.0 International © De las imágenes, Legado de Luigi Ghirri

James Lingwood es co-director de Artangel y comisario independiente. Entre sus exposiciones y publicaciones más recientes se cuentan: Thomas Struth - Photographs 1978-2010 (2011), Cristina Iglesias - Tres Aguas (2015), Inside: Artists and Writers in Reading Prison (con Michael Morris, 2016), Andy and Peter Holden - Natural Selection (2017) y Richard Hamilton - Serial Obsessions (2017). Jacopo Benci es artista visual y miembro investigador de Estudios de la Modernidad y Cultura Visual Contemporánea de la British School de Roma. Ha escrito ampliamente sobre el cine, el arte y la fotografía italianos de posguerra, en especial sobre la obra de Michelangelo Antonioni y Pier Paolo Pasolini. Es co-editor del volumen Luigi Ghirri and the Photography of Place (con Marina Spunta, 2017). Maria Antonella Pelizzari es profesora de Historia del Arte en el Hunter College y el Graduate Center de CUNY. Es autora de los volúmenes Photography and Italy (2011), Painting in Italy, 1910s - 1950s: Futurism, Abstraction, Concrete Art (2015) y ha colaborado en los catálogos Futurism 1909-1944. Reconstructing the Universe (2014), Lynne Cohen (2014), Paul Strand (2015) y en la antología Bruno Munari: The Lightness of Art (2017).

Con el apoyo de

Organizador

Se han hecho todas las gestiones posibles para identificar a los propietarios de los derechos de autor. Cualquier error u omisión accidental, que tendrá que ser notificado por escrito al editor, será corregido en ediciones posteriores.

Colaboradores

ISBN 978-1-912339-13-6 (MACK)  ISBN: 978-84-8026-567-6 (MNCARS)  NIPO: 036-17-037-1  D.L.: M-7726-2018

Editor

Catálogo de publicaciones oficiales  http://publicacionesoficiales.boe.es

MACK mackbooks.co.uk

Distribución y venta  https://sede.educacion.gob.es/publiventa/

Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía MACK 365

Luigi Ghirri El mapa y el territorio

"Me interesan la arquitectura efímera, el mundo de la provincia, los objetos que todo el mundo define como kitsch pero que para mí nunca han sido tal cosa, sino objetos cargados de deseos, sueños y recuerdos colectivos […] ventanas, espejos, estrellas, palmeras, atlas, esferas armilares, libros, museos y personas vistas a través de las imágenes."

Luigi Ghirri comenzó a dedicarse plenamente a la fotografía en 1970. Trabajaba en la ciudad de Módena y sus alrededores y, desde el principio, fotografiaba solo en color. A lo largo de esa década reunió un amplio repertorio de imágenes a partir de las cuales perfiló un reflejo del lenguaje fotográfico y trazó toda una serie de sendas poéticas a través de la cultura y la geografía de la Italia moderna. El mapa y el territorio analiza el trabajo de Ghirri a partir de la década de 1970 a través de catorce series diferenciadas: casas periféricas, jardines, modernas imágenes publicitarias, el mundo simulado de los parques de atracciones, detalles de mapas extraídos de un atlas. Además de un fotógrafo adelantado a su tiempo, Ghirri fue un influyente pensador y escritor. Esta publicación incluye algunos de los textos clave escritos por Ghirri a partir de la década de 1970 junto a ensayos críticos sobre su trabajo debidos a Jacopo Benci, Maria Antonella Pelizzari y James Lingwood, comisario de la exposición.

Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía MACK

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